Vivimos en una sociedad de libertades hipócritas, de esas que uno se llena la boca enumerando para acto seguido cercenarlas a la primera de cambio. Nos encanta decir eso de que la libertad de uno acaba donde empieza la del otro, pero en el fondo lo que realmente pensamos es que si le quitamos toda la libertad al otro, pues más para nosotros. Juego de eufemismos que alcanza su mayor perfección en todo aquello que tenga que ver, velada o explícitamente con el sexo. Pese a que aceptamos con supuesta sonrisa la llegada de la libertad sexual, condenamos a las catacumbas a todo aquello que tenga aroma de sexo. Erotismo sí pero pornografía no. O, dicho de otra manera, la corrección política de un coito imaginado a través de objetivos correosos de vaselina frente al uso de la misma como lubricante para follar. El puritanismo triunfó legando un tabú que sigue siendo dogma y que enuncia que follar es feo, malo y casi punible. Se acepta, como mucho, que mostrar el cuerpo femenino es sinónimo de belleza, cuando en realidad es el simple eufemismo de una sociedad machista que sigue excitándose con tetas y culos ajenos pero se asusta de la desnudez propia. Sexo, sexo, sexo… ¿tan malo es?
Pues no. Y eso lo demuestra Gaspar Naranjo con su particular celebración de la alegría del sexo compartido, consentido y oficiado con desparpajo en un librito que en sí mismo es un ejercicio de fetichismo. Un pequeño cuaderno de notas donde esos personajes hechos con cuatro líneas y dos redondelitos de color nos enamoraron en De cómo te conocí, te amé y odié se lanzan a la jodienda más efusiva e hiperbólica, exagerada, excesiva y demás epítetos que indiquen sano despendole. Heterosexo, homosexo, necrosexo, xenosexo, y todas las filias que ustedes se puedan imaginar forman parte de las páginas de esta libretita cuyas tapas rojas anuncian el paso a un lugar prohibido, provocando al lector para que se ría abiertamente con la sexualidad. Unas risas que derrumban ese muro que alzamos alrededor del sexo y consiguen que aceptemos con naturalidad que somos parte y practicante de un juego que nos hace humanos.
Pollas, tetas, coños, polvos, mamadas, enculadas… hace pensar y te ríes ¿Qué más queréis? Sexo: el regalo perfecto para estas fechas.
Unas cuantas páginas del tebeo

Hay cosas en esta vida que entristecen. Como, por ejemplo, andar por la calle y ver que están tirando parte de la colección personal del recientemente fallecido Claude Moliterni.
Moliterni ha sido uno de los grandes teóricos de la historieta y su correspondencia, los sketches que tenía, etc, deberían formar parte de la colección de un Museo de la historieta, no del contenedor de basura. Unas fotos que provocan verdadera tristeza. Y vergüenza ajena.

Con apenas unos meses de diferencia, Frank Miller produjo tres obras que estaban destinadas a cambiar completamente el género de superhéroes. Tres obras que definían un punto de inflexión decidido en su carrera y que suponían la culminación lógica de todo su trabajo anterior. Tras llegar a una serie casi olvidada como Daredevil, la utilizó como banco de pruebas, transformando un personaje secundario en todo un ejercicio de autor donde el dibujante aprendía a la vez que experimentaba, en una evolución ascendente meteórica que tendría un remate espléndido en Ruleta, una historieta donde Daredevil visitaba a un malherido Bullseye en el hospital. Gráfica y narrativamente grandiosa, pero todavía más interesante desde un argumento que trataba la figura del superhéroe con una madurez como pocas veces se había visto en la historieta, definiendo ya el particular interés del autor sobre el concepto de héroe y sus consecuencias. Una idea que se transformaría en obsesión y que fructificaría con lo que se podría denominar una “trilogía del héroe”, donde exploraría tres posibles caminos de análisis. En Born Again, tomaba a su personaje fetiche hasta el momento, Daredevil, para hacerle recorrer ese final del camino heroico de Joseph Campbell desde una perspectiva entroncada en el género negro. Chandler como mentor de una resurrección heroica que, además, busca orígenes y paralelismos en la mitología judeocristiana. En The Dark Knight Returns se lanza a la hipérbole total, a una definición hipertrofiada que exagera hasta el límite la figura del superhéroe para deformarla y reescribirla desde una perspectiva moderna y adulta, que es capaz de aglutinar referencias que van desde el objetivismo a la mitología heroica para lanzar al superhéroe a una nueva evolución, a trascender su propia mística pagana para humanizarlo y, paradójicamente, convertirlo en una entidad subjetiva, en una fuerza moral. Y, por último, en Batman: Año Uno, Miller da una visión canónica del mito de Batman tras matar al héroe para celebrar su resurrección. Lo humaniza y lo hace realista gracias a la labor gráfica de una Mazzucchelli espléndido, impregnado del estilo naturalista de Toth para hacer que ese mensaje de cotidianidad empape al lector, pero con la síntesis gráfica necesaria para que sea reconocible todavía como un héroe que nace del canon de Batman. Resulta paradójico, pero Miller y Mazzucchelli consiguieron la cuadratura del círculo: la renovación completa desde el respeto reverencial al canon labrado durante décadas. En el Batman de Año Uno se encuentran sintetizado tanto las versiones de Bill Finger y Dick Sprang como la de Sheldon Moldoff o la de Neal Adams y Denny O’Neil, dejando la puerta abierta para ese futuro oscuro ultraviolento que le espera en Dark Knight.

Tres obras maestras del noveno arte que, obligatoriamente, deberían estar en cualquier listado que se precie sobre la historieta. Aunque posiblemente las tres adquieren su sentido de forma global y conjunta, comienzo el periplo por Born Again, sin más ánimo categorizador que el temporal. Tras años de conocer el personaje, de narrar todas las historias posibles, Miller abordó con la ayuda de David Mazzucchelli la historia que marcaba el final y principio del personaje, una deconstrucción en sentido estricto que parte, como ya se ha comentado, del camino del héroe de Campbell para extraer todas las componentes del mito superheroico, todas las características que lo definen más allá del individuo, como una fuerza moral de la sociedad. Se apoya en dos grandes estructuras: por un lado, la del género negro, que le sirve como elemento de creación de una atmósfera, los bajos fondos, las estrategias mafiosas para la destrucción del personaje. Por otro, la religiosa, identificando la tradición judeocristiana con ese camino de resurrección que traza el héroe, desde la traición por unas monedas a la resurrección en sentido estricto, insertado en un continuo de imaginería simbólica (magistral la transición de las primeras páginas de cada cómic book, desde la posición fetal pre-nacimiento hasta la mistificación del crucificado). Sobre ellas, Miller desarrollará un potente discurso sobre el sentido del héroe que Mazzuchelli bordará con una interpretación realista y contundente, que le proporciona a Miller la libertad para analizar hasta el más mínimo recoveco del concepto, desde el fascismo inherente (enfrentándolo con inteligencia contra el símbolo patriótico por antonomasia, en una brutal crítica de la política de Reagan que comparte con Dark Knight) hasta la propia concepción industrial, proyectándolo en un discurso adulto que se aleja mucho de la tradicional consideración del género como infantil o juvenil. Es verdad que, en cierta medida, se podría achacar al Born Again de Miller y Mazzucchelli cierta irregularidad producto de un exceso de ambición a la hora de tratar tantos temas, pero no es necesaria una solidez de conjunto: cada uno de los temas es tratado con tanta genialidad que poco importa que se “haya roto el saco”, el lector se encuentra tan apabullado con el discurso de Miller que lo demás se torna secundario.
Una trinidad de obras que, siempre con la compañía de Watchmen, redefinieron por completo el género y, en extensión, la historieta del siglo XX.

Ediciones en España
En su día, Born Again se publicó de forma ignominiosa como complemento dentro de la colección de Spider-Man, teniendo que esperar a su posterior recopilación en formato libro en la colección Obras Maestras de Forum para poder disfrutar de esta obra en todo su esplendor. Por desgracia y pese a su importancia, ha sido una obra bastante olvidada por los editores: durante casi 20 años, ésta fue su única edición digna y sólo se ha podido volver a ver en un coleccionable de kiosco de Daredevil. Aunque parece que, por fin, Panini la publicará de nuevo en formato libro en verano de 2010.

Tras años de peleas por los derechos, un buen regalo de navidad, parece que se confirma que por fin verá la luz una reedición del excelente Superman vs. Muhammad Ali, uno de esos crossovers imposibles tan del gusto de los 70. La diferencia, un Neal Adams espectacular acmopañado de un Denny O’Neil en forma que recuperaron en este extraño cruce ese espíritu humanizador que ejercitaron en Green Lantern/Green Arrow. La edición se prepara para finales de otoño, con gran cantidad de extras.

[Gracias WWfan!]

El 27 de diciembre de 2002, La Cárcel de Papel comenzó “oficialmente” a funcionar. Después de varios meses de pruebas, el Diario de un lector de tebeos era una realidad.
Han pasado siete años, unas 8.000 entradas y casi 100.000 comentarios. Y algo así como siete millones de visitantes. Se dice rápido.
Sinceramente, ya no sé qué decir cuando echo la vista atrás. La Cárcel se ha convertido en parte de mi vida, es indudable. Por mucho que intente quitarle importancia y pensar que sigo siendo el mismo, es evidente que no, que esta ventana virtual me ha dado muchísimas cosas. Más de las que merezco, sin duda. Me ha dado, sobre todo, muchísimos amigos, gente a la que muchas veces sólo conozco tras el teclado del ordenador pero que ya considero amigos en los que confío. Incluso algunos han traspasado esa barrera y también lo son hoy en el “mundo real”®. Es el lado bueno de la balanza que consigue hacer olvidar cualquier aspecto negativo. Que los hay, para qué negarlo: la etiqueta de “gurú” que ya me acompaña de forma indefectible, las broncas en los comentarios, los enemigos que he logrado por el simple hecho de estar ahí… Debo reconocer que me fastidian: mi famoso “buenrrollismo” que tanto odian algunos no es una pose, es una forma de ser que supongo es demasiado ingenua.
Pero siguen siendo más las cosas buenas, muchísimas más. Demasiadas para alguien que sigue siendo un intruso en esto de los tebeos, que en el fondo no es más que un lector de tebeos al que le gusta compartir sus gustos.
Y así debe seguir siendo La Cárcel. Ni gurú, ni leches. Nada más que el blog de alguien a quien le entusiasman los tebeos.
Muchas gracias a todos.
Mañana, más. (Exactamente, la vuelta de Mis tebeos favoritos, que ya era hora)

Dos ediciones francesas que pueden ser un regalo maravilloso para cualquier aficionado a los tebeos: la primera, la edición integral de La Guerre de Alan, de Emmanuel Guibert. Edición a todo lujo en tamaño gigante, que a priori activó todas mis alertas ante el posible deterioro por la ampliación. Un prejuicio que se derrumbó nada más abrirlo: la edición es impecable, reescaneando los originales para una perfecta reproducción a ese tamaño. Sólo se puede leer con babero, aviso. Edita L’Association en una tirada limitada de 4000 ejemplares (je, como aquí…)
Y la segunda, la edición francesa del precioso Pinocchio de Jacovitti. Una adaptación del cuento de Collodi de 1946 simplemente soberbia, con un dibujante superlativo, impresionante, poco reconocido por estos lares. Edita con gusto y lujo Les Reveurs, a un precio excelente, 22€. (Regalazo que, por cierto, me ha hecho un amigo. ¡Eso son amigos y no los Santa Claus y demás! )

Celebren la festividad que celebren durante estos días, que me sean ustedes muy felices, ¡leñe!.
Y aprovechen, que con el frío siberiano que nos acompaña nada mejor que una ingesta calórica desaforada a base de turrones, mazapanes, cocidos y lo que se tercie…

(Imagen de R.F.Outcault, vista en la maravillosa Stripper’s Guide)

Aprovecho la nueva edición por parte de Apa Apa Cómics de la obra de Felipe Almendros para una nueva lectura y reconozco que las sensaciones y vibraciones mejoran con el tiempo. Un año después, Save Our Soul sigue manteniendo intactas sus virtudes y, de paso, encuentro nuevos puntos de conexión.
Reciclo la reseña que hice en su día:

Poco puedo decir del autor, del que no he leído Pony Boy, pero me pareció intrigante que reconozca no leer tebeos y desconocer prácticamente el medio y, acto seguido, no sólo lo use para expresarse, sino que se embarque en una autoedición cuidada y limitadísima (sólo 100 copias). Uno de esos casos donde puede ser interesante hasta qué punto el lenguaje secuencial nace de una forma natural, sin necesidad real de un aprendizaje de recursos propios. Almendros se desprende de todo tipo de artificio para contar su viaje a Colima (México), acompañando a su hermana en los primeros días de maternidad. Un punto de partida argumental aparentemente simple y compatible con el relato autobiográfico, sobre el que Almendros pronto construirá un mensaje formal rabiosamente rebelde: el dibujo es marcadamente feísta, infantiloide; reniega de forma decidida de las perspectivas e incluso de la viñeta tradicional, descomponiendo la página en ocho espacios constantes que, muchas veces, pueden incluir en su interior más de una escena, en una ruptura completa con la tradición compositiva. Una serie de elecciones que parecen querer rechazar al lector, pero que permiten a Almendros narrar su historia de una manera completamente original. Pese a que ha declarado abiertamente que plantea sus historietas de forma cinematográfica, la realidad es que esa idea inicial se ve corrompida desmentida casi de inmediato por el uso de recursos propios de la historieta, jugando con simbolismos, deformaciones, espacios en blanco y transiciones, que le permiten maximizar la expresividad de su relato y caer en la exploración profunda de sus obsesiones y complejos.
Si bien a priori de la sinopsis argumental cabría esperar un relato costumbrista de “choque de civilizaciones” al estilo Delisle, lo que tenemos en Save Our Souls es el retorcido testimonio de una personalidad difícil, una apertura completa hacia las angustias, complejos y pesadillas del autor. El alejamiento se traduce en aislamiento que actúa como elemento de enfrentamiento entre “El autor” y ese “Felipollas” autosatirizado que lo sustituye.
Una obra muy interesante (2+)
Más información.

Abril de 2010. Ya queda menos…

(Sí, lo sé, me estoy ilusionando y me puedo pegar el chafón del siglo… ¡Pero no puedo evitarlo!)

El Centro Virtual Cervantes comienza a publicar artículos sobre autores de cómics, firmados por Christian Osuna. Los primeros, dedicados a Felipe Hernández Cava y Jesús Blasco.  Una excelente noticia que demuestra que el tebeo está siendo admitido ya con naturalidad como una forma cultural y artística como cualquier otra.

A pocas horas del solsticio de invierno, una de enlaces.
- Estamos acostumbrados a ver blogs donde se va narrando cómo evoluciona una obra. Kiko Da Silva le da una interesante vuelta de tuerca y muestra en Al otro lado del muro los entresijos no del dibujo, sino de la preparación de su nueva novela gráfica: búsqueda de referencias, de documentación. Muy, pero que muy interesante, una perspectiva poco habitual.
- Entrevista a Padylla
- Entrevista a Lewis Trondheim
- Especial dedicado al género de terror en Tebeosfera, no os lo perdáis.
- Entrevista a David Lafuente
- Entrevista a Carlos Vermut
- Extensa entrevista a Floc’h
- Los Gallego Bros estrenan web. A visitarla.
- Renovación completa de la web de Gaston Lagaffe
- La mirada estrábica. Tebeos y más.
- Aquellos cómics.”Un sinuoso recorrido -en procura de preservar archivos gráficos mediante la digitalización- por la historia de la historieta argentina en la década del 70.” Jugoso
- Lo Pitbull. El blog de juarma. y ¡Viva Rumanía!
- El devorador de cómics…¿con ese título hace falta decir algo más?
- Los webcómics e ilustraciones de Pedro Villarejo
- Los 13 mejores de la década, según 13 millones de naves
- Por si a alguien le interesa: se sortea un dibujo de Tim Sale en SensaCine.

Vladimir Propp propone como bases fundacionales del “cuento maravilloso” el ciclo de iniciación y las representaciones de la muerte. Dos elementos cuyas combinaciones permutaciones y variaciones establecen la funcionalidad didáctico-moral del cuento y que forman parte constituyente del Pinocchio de Carlo Collodi, un cuento que se entronca con la renovación que la literatura infantil sufrió a finales del XIX (que se extiende desde la Heidi de Johanna Spyri a Le Petit Prince de Saint-Exupéry pasando por las obras de Astrid Lindgren, Lewis Carroll, Felix Salten, Januso Korczak, etc), pero que sufrió, como muchos otros, de una reinterpretación profunda a partir de su versión disneyniana. La obra de Collodi lanza raíces tanto en el Frankenstein de Mary Shelley como en la Divina Comedia de Dante (al estructura del cuento reproduce, en cierta forma, el viaje a los infiernos, purgatorio y cielo del poeta) para hacer una reivindicación de una nueva pedagogía maquillada dentro de un tradicionalista mensaje moral. La universidad de la vida frente a la estricta disciplina de escuela se ofrece al lector como un viaje iniciático donde la marioneta cursará una transformación madurativa basada en las sucesivas muertes que establece Propp, pasando así de la simbólica madera infantil a la carne adulta (una interpretación que puede ser corregida: Pinocchio cambió varias veces su final en las diferentes versiones que aparecieron tras su publicación seriada original). Sin embargo, la cruel visión moralista del original pronto fue dulcificada en las posteriores reescrituras que terminarían centrándose en aspectos anecdóticos del original (como la famosa nariz que crece con las mentiras).
Más de cien años después de la publicación del original, Winshluss (pseudónimo de Vincent Paronnaud, codirector de Persépolis) reclama una vuelta a los orígenes oscuros del cuento de Collodi con una relectura coincidente en la actualización espacio temporal que hicieran Calleja y Bartolozzi en los años 20, pero radicalmente divergente en su mensaje. El Pinocchio de Winshluss es una marioneta moderna, un nuevo Astroboy tezukiano que no tendrá la suerte de contar con un bondadoso padre/científico que lo acoja, que descubrirá temprana y traumáticamente la realidad de la vida, el sexo, la muerte y la ambición como miserias motoras del ser humano que, en este caso, servirán como punto de partida para un viaje iniciático que el dibujante transformará en una exploración del lado oscuro de los cuentos clásicos. De Blancanieves a El flautista de Hamelin o Ricitos de Oro, Winshluss encontrará en los cuentos maravillosos un reverso sacado muchas veces del fácil tópico paródico (la perversiones sexuales a las que es sometida Blancanieves por los enanos es un clásico, explorado ya en su día por Leone Frollo), pero en otros con una interesante asimilación a procesos sociopolíticos modernos (el nazismo como ejemplo del encantador flautista), siempre introduciendo estas lecturas desde el seguimiento casi canónico de la estructura argumental del cuento de Collodi. A partir de ellas, Winshluss intenta realizar una crítica de prácticamente todos los aspectos de la sociedad moderna modo de repaso a sus pecados capitales: un atrevimiento ambicioso que, quizás, se podría calificar de ingenuo en algunos momentos pese a la dureza de las historias, que no escatiman ferocidad y sala en el reflejo de la violencia que envuelve a una marioneta que, a diferencia de la de Collodi, será un invitado de piedra inerte y pasivo, que se deja llevar no tanto por “las malas compañías” como por el flujo natural de las cosas, que le arrastran en sentido estricto sin que pueda hacer nada más que seguir adelante. A diferencia del espíritu infantil del original, el robot de Winshluss es un simple testigo de las aberraciones del ser humano, un recipiente metálico vacío de personalidad y sentimientos que ni puede ni sabe responder a lo que ocurre en su entorno. Su vacía cabeza tan sólo sirve como eventual vivienda de un Pepito Grillo transformado en procaz cucaracha okupa. Un rasgo distintivo que cambia el discurso moral del cuento de Collodi: si el escritor quería establecer un mensaje moral que estableciese la importancia de la educación de la calle advirtiendo a la vez de sus peligros, derivados de las elecciones erróneas de su protagonista, el dibujante lanza un mensaje desolador y pesimista sobre el ser humano, que nunca podrá superar sus miserias.
Mención especial merece un apartado gráfico extraordinario, que absorbe influencias que comienzan en los clásicos de prensa para llegar Cooper y Vuillemin pasando por el omnipresente Baseman, plasmada en una narración muda tan intachable como profundamente expresiva, llena de elementos propios de la cultura popular ( desde portadas de monstruos gigantes hasta, era evidente, cáusticos guiños a las versiones de Disney, sin olvidar la ilustración clásica de cuento infantil) y con los insertos de las reflexiones de Pepito Cucaracha, que se basan claramente en el underground americano para lanzar una mordaz carga satírica continuada, que se permite parodiar a Spiegelman, McCloud y quien haga falta.
Una obra muy recomendable, de lo mejor que se va a leer estas fiestas (4-).
Avance del álbum

Manuel Martínez, campeón español de lanzamiento de peso, será Goliat. Una elección que, tras ver su participación en Estigmas, la adaptación de la obra de Mattotti, me parece de lo más acertada.

Os paso la nota de prensa:
Leer más El campeón de España de lanzamiento de peso será Goliat

Es curiosa la elección que ha hecho Planeta DeAgostini de editar un especial de las historias de Bernie Wrightson para House of Mistery. Curiosa por acertada: los Showcases que está editando DC recopilando la serie original recuerdan dolorosamente en cada número que el modelo de los cómics de horror de la EC nunca fue superado. El relanzamiento de la serie a finales de los 60 dirigido por Joe Orlando era un intento de competir con la pujanza y moda de las revistas de género que Warren editaba en los USA, incluso captando algunos de los autores que estaban trabajando en ese momento para Jim Warren en las famosas Creepy o Eerie y fichando a jóvenes autores como Wrightson, Aragonés, Wein o Kaluta. Sin embargo, leídos hoy, hay que reconocer que muchísimas de esas historias han envejecido mal y están a años luz de las de Ingels, Wood, Davis o Krigstein. Es cierto que hay muchas muy destacables, pero dentro del volumen editado por la DC con los 22 primeros números de esta primera etapa son las menos. Recopilar en un sólo volumen las contribuciones de Bernie Wrightson me parece un acierto, una forma excelente de ver el nacimiento de un autor que haría historia en su paso posterior por Warren, pero que ya apuntaba maneras de barroca genialidad deudora de los clásicos de la ilustración. Una edición cuidada de lo mejor de estas series es, sin duda, merecedora de aplauso.
Pero exactamente el mismo razonamiento se puede hacer para Creepy. Para muchos de nosotros, la simple mención de este título es una bofetada nostálgica que nos deja casi inconscientes, ensimismados en recuerdos de autores como Frazzetta, Wrightson, Corben, Adams y, por supuesto, los españoles Ortiz, Auraleón, Torrents, etc que dominaron las publicaciones Warren de la época. Una sensación que desaparece de golpe cuando leemos el primer recopilatorio de la colección que ha publicado Dark Horse y que el mes que viene publicará en España Planeta DeAgostini. Una edición casi facsímil que reproduce las revistas fielmente, pero que nos trae la dura realidad de que tampoco Creepy tenía que ver mucho con Tales from the Crypt. Cierto es que, en la extensión de la serie, la nómina de colaboradores fue de lujo, pero considerado cada número de forma aislada, las contribuciones de interés fueron una o dos por número, con muchísima obra de relleno que ha envejecido desastrosamente. Lo ideal hubiera sido actuar igual que en el caso de House of Mistery: hacer volúmenes recopilatorios con las contribuciones de Corben, Wrigthson, Toth, Ortiz (bueno, vale, en el caso de José Ortiz se debería hacer una colección aparte, que este hombre se dibujó media producción de Warren), etc. Supongo que la diferencia viene en este caso por la conocida ferocidad de Dark Horse en la venta de derechos, que da muchísimas menos opciones que DC. Una lástima, porque la verdad es que ediciones monográficas de las colaboraciones de diferentes autores en Warren serían una verdadera delicia, pero los recopilatorios de Dark Horse suponen un desembolso excesivo para las pocas historietas realmente destacables que hay en cada volumen. Y eso que la edición de PDA es muchísimo más barata que la americana…

Charlie Parker vivió rápido y murió pronto, demasiado pronto. Escuchar Ornithology o su magistral versión de‘Round Midnight sigue siendo un placer indescriptible (quizás, sólo quizás, superado por su dueto con Miles Davis en A Night in Tunisia). Único. Cortázar hizo de Bird literatura vibrante, que trasladaba las notas del saxo a palabras en uno de los mejores cuentos de la historia de la Literatura, con mayúscula. Clint Eastwood demostró que podía dirigir con el pulso de los mejores clásicos cuando lo llevó al cine. Sólo quedaba que el dibujo, que alguien de la historieta se fijara en él. No ha podido ser. Pero casi. Las ilustraciones de José Muñoz para la edición que acaba de publicar del cuento de Cortázar son tan hermosas como la música de Parker.
No se lo pierdan.

Una mujer desnuda y en lo oscuro

tiene una claridad que nos alumbra

de modo que si ocurre un desconsuelo

un apagón o una noche sin luna

es conveniente y hasta imprescindible

tener a mano una mujer desnuda.

No sé si estas palabras de Mario Benedetti estaban en la mente de Edmon Baudoin cuando se planteó hacer Arlerí, pero cada uno de esos versos tiene mucho que ver con esta apasionada declaración de amor a las mujeres que firma el dibujante. Su elegante trazo funciona como el verso de un poema, arrastrando sugerencias y evocando sensaciones. Se dibuja a sí mismo anciano, para hablar de sus amores ya olvidadas las pasiones, entablando diálogo con su último enamoramiento, una joven desnuda que alumbra su largo monólogo y actúa de contrapunto para que el autor se conteste e indague en sí mismo. Diálogos que nacen de una aparente espontaneidad que pronto se perderá, rompiendo la línea que une la ficción para entrar directamente en el discurso del autor, que a su vez romperá los límites de la historieta y de la página para invitar al lector a que entre en esta confesión sobre los propios amores.
Ideas sobre el amor, el sexo y la pasión, sobre la mujer y el hombre en un relato donde esa particular forma de entender la poesía visual va evolucionando a medida que los límites entre la ficción y la realidad se diluyen. Las estrofas finales de este largo poema visual, muestran esa bella metáfora de los personajes dibujándose a sí mismos, quizás dotándose de una vida que el autor les niega.
Baudoin es un poeta visual, quizás afectado de excesos de autocontemplación, no lo niego, pero… ¿acaso no lo es la poesía? Lo importante en Baudoin es, como cuando leemos un poema, dejarnos llevar por el ritmo, por la entonación de las palabras y por la música de los versos. Es abrirse sin miedo ni prejuicios para sentir libremente, dejando que la sensibilidad nos invada sin pasar por las limitaciones de la razón. Él lo consigue con esas cuidadas alegorías y figuras, con esos trazos y acuarelas de violentos estallidos de color. Quizás no tiene la fluidez narrativa de otros autores, pero pocas veces encontraremos tanta carga emocional en un dibujo como en Baudoin. Suficiente como para empujarnos a sus reflexiones y dejarnos atrapar en este maelstrom de sensaciones. Arlerí es la historia de unos amores, pasionales y humanos, pero también es una invitación a reflexionar sobre lo que sentimos al ver una mujer. Cualquiera, nuestra novia, amante, la que deseamos o la que odiamos. (3)