Mi selección del Salón

Llega el salón y, por estas fechas, uno tenía la costumbre, ya saben, de hacer selecciones variadas: “La Selección de la Cárcel”, “La selección de 100€”, “Sólo puede quedar uno”… Lo de siempre, listas para entretenimiento privado y de los que aparecieran por aquí. Nunca he sabido si, realmente, llegaban a ser útiles, pero hay dos cosas seguras: a muchos le gustaban y, a mí, también. Así que ya puestos, como yo estaba haciendo mi particular lista de compras, pues la comparto. La lista la hago con el obligado listado de Entrecomics, sin duda el más completo, usando tanto los meses de abril como los de mayo, ya que muchas novedades se han solapado con las del Día del Libro.
Vamos allá: a primera vista, la verdad es que la sensación es de desolación. Bueno, no más que desolación, cierta decepción. Quizás es que estábamos malacostumbrados, a listas interminables con centenares de novedades que siempre tenían algunos títulos de esos de impacto absoluto, que te hacen babear de gusto con sólo pensarlos.
Este año la lista es exigua, con títulos que casi piden permiso con timidez para salir. Quizás porque los gordos, los llamados a llevarse los premios (Sacco, Ware, Beto, etc), ya han salido durante los primeros meses del año. Quizás, porque antes las editoriales eran de tebeos y esperaban a quemar sus naves en el Saló y, ahora, las editoriales son grandes grupos de la edición de libros a los que el Saló les importa relativamente poco. No lo sé. El caso es que visto el listado, me ha costado encontrar un título completamente indispensable para esta cita catalana. Si tuviera que elegir de todos los que siguen a continuación, me quedaría sin duda con el libro de Kurtzman, pero es algo ya publicado en nuestro país. Aunque en penosas condiciones (¿recuerdan ustedes aquella miniatura llamada Biblioteca EC?), no es estrictamente una novedad.
En cualquier caso, ahí va la lista de novedades que me hacen tilín este año (a falta de la lista que más me interesa desde hace años, la de fanzines y autoeditores, que este año vendrá vitaminada por la Gutter Fest y Graf), ahí va . Como siempre, personal e intransferible.

- Cutlas, el vaquero samurái, de Calpurnio (Panini). Una obra maestra del cómic. Un continuo reto a las posibilidades expresivas del medio. Un delirio sin límite. Vamos, que no me lo pierdo ni jarto güiski.
- FF2, de Matt Fraction y Mike Allred (Panini). No he leído esta serie, pero los comentarios son los suficientemente elogiosos como para picarme el gusanillo de leer algo de superhéroes.
- He visto ballenas, de Javier de Isusi (Astiberri). El tema (la situación del País Vasco), atrae. Que lo firme Isusi, más, porque ha demostrado una especial inteligencia para tratar sus obras.
- Las guerras silenciosas, de Jaime Martín (Norma). Martín es un fuera de serie que vuelve otra vez al relato personal y autobiográfico con esta historia sobre la mili. Es un narrador dotado, pero sus aproximaciones al género nunca me llegaron como las series de los Primos del Parque o Sangre de Barrio. Volver a esa época con ese trayecto posterio de aprendizaje narrativo promete.
- La marca amarilla, de Edgar P. Jacobs (Norma). Edición de lujo de un tebeo que me suliveya. Que sí, que Jacobs es reiterativo, que sus textos son infinitos… Pero La marca amarilla tiene su punto retro y, sobre todo, esa componente nostálgica inocente en la que, de vez en cuando, vale la pena zambullirse.
- ¡Cadáver en el Imjin! y otras historias bélicas, de Harvey Kurtzman (Norma). Vale, paren las máquinas. EL CÓMIC del salón. No por su temática bélica (que, reconozco, no me llama especialmente), sino porque Kurtzman es capaz de desarrollar las reflexiones más lúcidas sobre la guerra desde un planteamiento narrativo de una modernidad aún hoy no superada. Indispensable.
kurtzman
- I am hero 7, Kengo Hanazawa (Norma). Sí, estoy enganchado, ¿qué pasa? Buen entretenimiento con una aproximación diferente a los zombis de siempre.
- Marte, Ida y Vuelta, de Pierre Wazem (La Cúpula). Apúntenme al bando de a los que les gustó mucho Koma, la obra que realizó con Peteers. Sumen ustedes que no me disgustan las colaboraciones con Tirabosco y el resultado de la ecuación es que tengo muchas ganas de leer una obra suya en solitario.
- Tarzán vol. 1, de Russ Manning (Livros de Papel) No soy un gran aficionado a Tarzán. Ni siquiera me interesan mucho las tiras de Manning, gran dibujante, lo reconozco, pero de un estilo que no me llama. Pero la labor de Caldas es tan necesaria, tan brillante, que hay que apoyarle, saque lo que saque.
- La entrevista, de Manuele Fior (Salamandra Graphic). Fior me deslumbró con 5000 km por segundo y me dejó maravillado con La señorita Else. Dicen las malas lenguas que esta obra es todavía mejor. Para mí, la cuarta gran novedad del salón
- Cuadernos rusos, de Igort (Salamandra Graphic). Igort deambula a veces entre la genialidad y obras que me dejan frío, frío. Pero siempre hay que darle una oportunidad, sobre todo después de las interesantes entregas de cuadernos anteriores.
- Last Man 1, de Balak, Sanlaville y Vivès (Diábolo). Divertidísimo tebeo de aventuras, un delirio que acumula todas las influencias que deglutieron los niños de finales del s. XX, del manga a los videojuegos.
- La técnica del perineo, de Ryuppert y Mulot (Diábolo). Ya lo comenté por aquí: esta pareja hace los tebeos más sorprendentes del panorama francés. E incluso lo hacen desde el mainstream más puro. Se han edulcorado en lo experimental, pero su inteligente discurso está incólume. Excelente, la segunda gran novedad del salón.
- El polo sur, de Alexis Nolla (Apa Apa) Nolla es un autor a seguir, ya sea haciendo una pequeña colaboración en un fanzine o las obras que ya ha publicado con esta editorial. Fijo en la compra.
- El Bus, de Paul Kirchner (Ninth Ediciones). La obra de Kirchner es tan exigua como fundamental. Surrealismo delirante con dosis de humor negro vitriólico en uno de los tebeos más sugerentes de la década de los 80. La gran tercera novedad del salón.
- El colecionista, de Toppi (Ninth ediciones). Nadie entiende la narrativa gráfica como Toppi. Su concepción es de un barroquismo complejo, que aprovecha hasta el último resquicio de su trazo para dirigir la vista del lector. Sí, sus guiones no son lo mejor, pero su brillantez gráfica es tal que todo se le perdona.
- Manos Kelly Integral, de Hernández Palacios (Ponent Mon). No soy un gran fan de Hernández Palacios, siempre me ha parecido demasiado estático en su planteamiento narrativo. Pero Manos Kelly es una obra entretenida y divertida que marcó en cierta forma la historia del tebeo en este país al aparece en Trinca, abriendo la puerta a una forma más europea de contar historias de aventuras en tebeo.
- Garabatos, de Liniers (reservoir Books). Liniers para niños. Me da igual, siempre que leo a Liniers me siento como un niño.
- Seraphim, de Satoshi Kon (Planeta de Agostini). El Kon director de cine es magistral. El dibujante, excelente. Hay tan pocas obras de Kon en papel que es obligatorio leerlas todas.
- Degenerado, Chloé Cruchaudet (dibbuks) No he leído nada de Cruchadet, pero viene avalada con montones de premios y, sobre todo, por excelentes reseñas en mis webs de referencia de BD, así que le daré oportunidad.
- Masala Chai, Christian Cailleaux (dibbuks). Cailleaux me ganó con la espléndida R97 y no pienso fallarle.
- Tyler Cross Río Bravo, Fabien Nury y Brüno (dibbuks) Me encanta Brüno y Nury es un guionista solvente, razón más que sobrada para darle oportunidad a esat incursión en el género negro.
- Pioneros del Cómic. Monsieur Criptograme y otras historias, de varios autores (El Nadir) Esta pequeña editorial sigue haciendo arqueología de lujo de la historieta. Necesaria, obligada para entender el medio que amamos.
- La canción de Apolo, de Osamu Tezuka (ECC) Y la quinta novedad inexcusable. Leída ya y, aunque no sea una de las grandes del maestro japonés, tiene momentos de una poesía increíble y, también, la escena más dura y cruel que jamás he visto en un tebeo.
- Putokrio, de Jorge Riera y otros (Ponent). Jorge ha sido siempre un provocador nato. Un ego desmedido en busca de reconocimiento que, a diferencia de otros, tiene una tendencia autodestructiva que le da una perspectiva completamente distinta a sus obras. Putokrio es un resumen perfecto de esa fascinante dualidad. Y salgo yo en un cameo :)

ACTUALIZACIÓN

Me entero, tarde, que por fin Fulgencio Pimentel saca su antología Terry para el Graf. Ojito que la selección es impresionante:  Seiichi Hayashi , Los Bravú. Olivier Schrauwen, Sindre Goksøyr, Sébastien Lumineau, Michael DeForge, Sammy Harkahm, Bendik Kaltenborn, Nacho García, Simon Hanselmann, Jim Woodring, Rayco Pulido, Ed Carosia, Gonzalo Rueda, Peter Jojaio y José Ja Ja Ja. Una obra en la línea de otras grandes antologías que se presenta como una de las grandes novedades del Salón/Graf. Sin duda, la sexta de las novedades imprescindibles.

12 mayo 2014  13 Comments

Lo mejor del 2013

Con esto de las listas me siento casi siempre inmerso en una dicotomía, como decían los Luthiers. La razón, en plan Pepito Grillo, me repite machaconamente que es una tontería, que no se puede hacer una lista rigurosa sin haberlo leído todo, que no deja de ser una chorrada sin más importancia, por mucho que Eco eleve las listas al origen de la cultura… Y tiene razón, obviamente, como su nombre indica. Pero claro, en el momento en que la dichosa razón se da la vuelta, entono cánticos plañideros de culpa para justificarme pero me dedico a hacer listas de todo, a seguirlas, a buscarlas y a divertirme con ellas. Porque sí, porque es divertido, ya sea para criticar, para debatir o simplemente para reconocer espíritus hermanos. Es verdad que podemos encontrar mil y una justificaciones más, que incluso son útiles si se usan bien y con cierto tino, pero lo de las listas es, básicamente, un divertimento. Decía Don Umberto, también, que sirven para ordenar y generar conocimiento, lo que no deja de ser cierto y práctico, pero a lo que vamos, lo fundamental es pasárselo bien con ellas. Llevo ya un par de años un poco apartado de la primera línea y, aunque todavía no he podido recuperar el ritmo lector de antes, este año me he pegado un atracón de lecturas comparado con los tres anteriores. Y oigan, menuda suerte, porque el año ha sido suculento hasta decir basta…
Les pongo la lista de mis 25 mejores lecturas (el orden, azaroso, no le hagan demasiado caso, los cinco primeros sí que me parecen superiores al resto, pero el orden que le he puesto puede variar según cómo amanezca la mañana), y luego voy comentado:

1. El libro de los insectos humanos, de Osamu Tezuka (Astiberri)
2. Los surcos del azar, de Paco Roca (Astiberri)
3. La cuerda del laúd /Fran, de Jim Woodring (Fulgencio Pimentel)
4. La infancia de Alan, de Emmanuel Guibert (sins entido)
5. Atajos, de Martí (La Cúpula)
6. La propiedad, de Rutu Modan (Sins Entido)
7. El rayo mortal, de Daniel Clowes (Random House)
8. Playground, de Berliac (Ediciones Valiente)
9. Grandes preguntas, de Andres Nilsen (Fulgencio Pimentel)
10. Un médico novato, de Sento (sins entido)
11. La hermandad de historietistas del Gran Norte, de Seth (Sins Entido)
12. Vampir, de Joann Sfar (Fulgencio Pimentel)
13. No os indignéis tanto, de Manel Fontdevila (Astiberri)
14. Nela, de Rayco Pulido (Astiberri)
15. Aâma 3, de Frederick Peeters (Astiberri)
16. La gran odalisca, de Bastien Vives, Ruppert y Mulot (Diábolo)
17. Beowulf, de Santiago García y David Rubín (Astiberri)
18. Spleen, de Esteban Hernández (Autoedición)
19. Pulir, de Nacho García (Fulgencio Pimentel)
20. Conversación de sombras, de Max (La Cúpula)
21. El fuego, de Miguel B. Núñez (Caramba)
22. Autobiografía, de Shigeru Mizuki (Astiberri)
23. I am a hero, de Kengo Hanazawa (Norma)
24. Pornográfica, de Nacho Casanova (Diábolo)
25. Cuaderno de frases encontradas, de Juan Berrio (Autoedición)

Como este año no he hecho reseñas, comento algunas cosas…
Lo de Tezuka, simplemente brutal (Nota: no, no he puesto Fénix porque es reedición y sólo he considerado las nuevas ediciones en España), estratosférico. La capacidad de este autor para sacar a flote las miserias humanas es de genuflexión y saludo florido. Me sorprende además cómo Tezuka consigue salirse de la tradición nipona de relatos extraordinariamente extensos (que él mismo practica en Fénix, Buda, Astroboy o Black Jack) para sintetizar en obras cortas como El libro de los insectos humanos o la magistral también Ayako unos mensajes tan potentes, tan acertados. Para muchos puede que su estilo gráfico humorístico sea un problema, pero creo que en este caso juega a su favor y aporta un contraste entre forma y fondo que consigue descolocar todavía más al lector. De Don Paco Roca, ¡qué decir! Que firma su mejor obra hasta el momento y que me sigue sorprendiendo su innata capacidad para construir sobre todo lo que ha hecho antes. En Los Surcos del Azar se pueden detectar los mejores hallazgos de El invierno del dibujante y de Memorias de un hombre en pijama, pero corregidos y asimilados para entenderse en una historia donde el mensaje superficial es contundente y el subyacente, magistral. Porque me ha parecido que su reflexión sobre las muchas heridas abiertas de la Guerra Civil es pertinente y necesaria, pero esa realidad imaginada que analiza y cuestiona las razones del autor, que es capaz de lanzar una autocrítica tan dura hacia la canibalización de las personas que hace la ficcionalización de la historia es tan necesaria como demoledora. Del señor Jim Woodring nos ha llegado doble entrega y hago trampa, colocándolos juntos, cierto, pero es que mi pasión por el Omnifactor® es sólo comparable a otras coconinadas mías. Me apasiona cómo Woodring desgrana lo cotidiano para transformarlo en materia imaginada, pero que sigue manteniendo intactas sus propiedades vitales. Las historias de Frank cabalgan entre lo real y lo imaginario, son ventanas que muestran un retrato colorido en blanco y negro de una realidad deformada y repugnante. Y de las dos entregas, Fran concentra lo mejor de lo mejor, la síntesis de la vida humana expuesta en dos extremos contrapuestos. El congreso de las bestias y Fran son, para mí, la síntesis perfecta de lo que representa la visión de Woodring, y la edición de Fulgencio Pimentel en un solo volumen potencia todavía más esa doble versión: por un lado, una visión repleta de actualidad que pone en tela de juicio la triste verdad del ser humano, creyente en una esperanza de felicidad que es manipulada por otros; por otro, la única felicidad verdadera que le queda al ser humano, el amor, apenas un concepto que vive más de la imaginación que de lo efímero de su existencia. Las dos, sin principio ni fin, cara y cruz, una refugio de la otra. Maravilloso.
De La infancia de Alan sólo decir que el señor Guibert había alcanzado los cielos con El Fotográfo y La guerra de Alan, pero que al llegar a la infancia se transfigura y logra en sí mismo el estatus de dios celestial. Porque lo que hace con la niñez de Alan no es dar testimonio de la dureza de una infancia o del paso del tiempo, es hilar con esmero un tapiz donde todas las infancias están recogidas, donde todos nos podemos reconocer de una forma u otra. Universaliza al ser humano a través de la infancia, crea un espacio común en el que todos podemos ser parte a través de nuestra memoria. Por su parte Atajos me ha vuelto a llevar a los 80, a esos momentos donde mis neuronas fueron destrozadas y reeducadas a golpe de historieta de El Víbora, descubriendo que el tebeo lo podía todo y se atrevía con todo. Y mucha culpa tuvieron las historietas de Martí, desnudas de artificios y decoraciones, que se me clavaban en los ojos hasta hacerlos sangrar. Y lo increíble es que lo siguen haciendo, que treinta años después me siguen descolocando y desasosegando con la fuerza de ese trazo grueso y limpio (a ver si se anima La Cúpula con esa genialidad que es Dr. Vértigo, uno de mis tebeos españoles preferidos de la historia).
Tras este grupo de cinco genialidades, el orden deja de importar, pero voy comentando telegráficamente que me encantó como Rutu Modan se convierte en nuevo estandarte de la línea clara (puro Flotc’h en este libro) para seguir esa línea suya de contar historias en segundo plano, ahí escondidas. Porque La propiedad toma lo cotidiano y anecdótico para devolver casi, casi, el suspense de una aventura canónica de Hergé, pero inoculando inadvertidamente duras reflexiones sobre la historia judía y sobre las relaciones personales. El rayo mortal llega tarde a España, demasiado tarde, toda una década, pero sigue siendo una lectura catártica, un fin de etapa emocional para el lector aficionado a los superhéroes. Reconozco que nunca he tenido ese punto adicto a los superhéroes, quizás porque nunca me han enganchado los personajes (en general, no os creáis, siempre he sido un repelente empollón gafapastoso como bien saben los que esto leen), pero la obra de Clowes tiene fuerza hasta para alguien que jamás los haya leído. Es el degüello final, la pica en Flandes: Moore mató a los personajes llevándolos a la realidad y Clowes mata aquí los restos de ilusión del aficionado demostrando que la realidad no cabe en los personajes. Quizás la lástima es que se pierde en la edición que llega aquí (la misma que la reciente reedición americana) el formato original en grapa de gran tamaño, que aportaba una reflexión metalingüística nada desdeñable. Pero sigue siendo una gran, gran tebeo. Playground fue una sorpresa, un discurso agresivo y descarado que obliga a repensar los dogmas del tebeo desde una reflexión paralela que toma a Cassavetes como inspirador e hilo conductor. A mí me dejó bocabierto por su atrevimiento y fuerza. Por su parte, las Grandes preguntas de Andres Nilsen son el ejemplo perfecto de cómo la trascendencia tiene también su lugar en el tebeo, pero desbrozándola de pretenciosidad y pontificados doctrinales para llegar a ella desde el minimalismo más absurdo, dejando un discurso tan limpio como penetrante y efectivo. Sento fue, en su día, uno de los grandes renovadores del tebeo español, formó parte de esa generación de autores que reivindicaron un arte adulto y comprometido con lo cotidiano y con una nueva estética, que nunca se marchó del todo, pero que por fin vuelve por la puerta grande con Un médico novato, adaptación de la biografía de su suegro, Pablo Uriel, que sirve como testimonio de cómo la Guerra Civil atrapó a muchos a medio camino de todo, de la vida y de las ideas. Y de cómo las adscripciones a bandos estaban más ligadas al azar de la vida que a la realidad de las ideas. Sento está ahí, en esos dibujos tan reconocibles y suyos (¡Ay! Lo hice, me volví a releer por enésima vez Velvet Nights y Cazando millonarios) para soltar esa bonhomía que le inunda a capazos en sus viñetas, en forma de narrativa tan sencilla como perfecta. Me ha encantado. Seth es un señor que me encanta cuando se poner el traje de Ware para renovar lenguajes, pero reconozco que me apasiona cuando hace relatos de apariencia sencilla e inocente como Wimbledon Green y su continuación natural, La hermandad de historietistas del Gran Norte, deliciosa reivindicación de la lectura de tebeos y de sus autores. Hago trampa con Sfar, lo sé, porque Vampir se ha publicado ya, pero como la edición de Fulgencio Pimentel incluye dos inéditos en España, aprovecho para colarla en la lista. Porque Sfar me apasiona y porque Vampir, también. Por su frescura, por su sinvergonzonería, por su descaro y por su romanticismo. Porque los vampiros molan, pero los vampiros románticos que más que obsesión por morder, tienen obsesión por estar enamorados, molan más. De No os indignéis tanto, de Manel Fontdevila, mantengo lo que dije en twitter: en el futuro, debería ser el libro de texto obligado para entender el comienzo del siglo XXI. Primero, porque Manel pone la bala donde pone el ojo. Pero una bala tan fina y certera como explosiva y destructora. Segundo, porque las reflexiones de Manel son lúcidas y acertadas, y más de uno debería hacérselo ver si no coincide con él. Y tercero, porque este señor es un genio dibujando y estruja el lenguaje del tebeo hasta donde muchos no se atreven. Con la excusa de que es humorismo gráfico, que son chistes, o incluso que no son tebeos, más de uno se pierde los logros increíbles logros para el lenguaje de la historieta que está haciendo este hombre. Las futuras generaciones de autores se lo agradecerán. Y las de españolitos.
De la actualidad al pasado, nada menos que a Don Benito Pérez Galdós, señor famoso porque en la EGB consiguieron que lo odiáramos, obligándonos a leer los episodios nacionales cuando lo que nos pedía el cuerpo era leer a Julio Verne. Con el tiempo me enganché a los Episodios Nacionales, a sus extremos exagerados y su populismo, que me encantaron, pero reconozco que no había leído la Marianela que adapta Pulido. Y como que me da igual, porque con mis disculpas a Don Benito, menudo tebeo se marca Rayco Pulido con Nela, atreviéndose con un clásico difícil pero reescribiéndolo hasta hacerlo próximo y actual, pero sin perder ese realismo costumbrista añejo. Brillantísimo. La tercera entrega de Aâma, de Frederick Peeters es otra genialidad de este hombre, que está construyendo con esta saga una revisión de la ciencia ficción en cómic de los 70. Comenzó su primer volumen homenajeando a Gillon y Los náufragos del tiempo, para terminar en esta tercera entrega inmerso en la lisergia humanoide de Moebius y Jodorowsky. Y todo con una historia que no te deja de atrapar. Otros que se dedican al homenaje con espíritu revisionista son el trío calavera formado por Bastién Vives, Ruppert y Mulot. El primero ya había demostrado ser un estilista del lápiz, un superdotado para transmitir sensaciones. Los otros dos son unos dinamitadores de las preconcepciones en el 9º arte, personalmente los autores que más me están haciendo disfrutar en los últimos años con su constante reinvención del medio. La unión era extraña a priori, pero el resultado ha sido afortunado, un homenaje repleto de guiños a la aventura clásica (manga, TV, etc) pero lleno de claves propias de las tendencias actuales de la historieta, en el que lo íntimo se encuentra con los fuegos de artificio en una mezcla atípica donde la ironía actúa de perfecto cemento. Porque si algo tiene La gran odalisca es que es un tebeo divertidísimo. Y que hace pensar mucho sobre cómo ha evolucionado el medio, todo sea dicho.
De Beowulf, a priori, no esperaba mucho. No por la solvencia de los autores, fuera de toda duda, sino por mi alergia a la épica y la fantasía, que no sólo está fuera de toda duda, sino que con la edad se agrava. Me hago abuelo cebolleta y cada vez me interesan menos las épicas, héroes, leyendas y fantasías. Y no es desprecio hacia ellas, ojo, sino aceptación resignada de mi degeneración neuronal, que llega tan galopante como la presbicia. El caso es que lo cogí sin ganas y, de repente, me encontré devorándolo con fruición, encantado y apasionado por los requiebros narrativos y artísticos que Santiago y David había urdido. Hay hallazgos realmente interesantes en la propuesta, como esas visiones paralelas del Grendel, desasosegantes, o la concepción de la puesta en escena que despliega Rubín, impactante. Por lo dicho antes, Spleen estaba destinado a gustarme. Y vaya si me ha gustado, no sólo porque de Esteban siempre me espero propuestas interesantes, sino porque en este caso me ha parecido una de sus obras más conseguidas. Esteban ha actuado siempre de francotirador de esa cultura de apariencia novedosa pero profundamente acomodada, es un autor que se resiste, afortunadamente, a caer en lo sencillo con propuestas que obligan a lector a pensar y repensar. Pero con Spleen le da la vuelta a todo y se planta ante el lector con una obra que le da lo que quiere, la felicidad a buen precio y facilita. Pero claro, menudo regalo envenenado, porque el misil de Spleen da en la diana y obliga a replantear si la felicidad es posible o si vale la pena la mierda -literal- a la que aspiramos… De Pulir no se puede ni se debe decir mucho. Pulir se debe leer. O mirar. O qué se yo. Pulir es la nueva presentación del LSD, que ahora en lugar de inhalarse, tragrase, inyectarse o fumarse, se lee. Pulir te deja noqueado durante horas, te rompe las retinas, te deja la corteza cerebral hecha unos zorros y luego te deja tirado como una piltrafa. Pero te levantas después como un ser (humano) nuevo, de verdad, oigan. De Miguel B. Núñez soy fan irredento: me encanta, me parece uno de esos autores que supuran inteligencia en sus propuestas y que parece que son invisibles para el resto del mundo. Me da igual, me sigue encantando y El fuego me ha parecido una lectura sugerente, un porno diferente capaz de impregnar de sexo los cuentos de siempre. Miguel suma y sigue, tras la prodigiosa El corazón de los árboles, El fuego me parece recomendabilísima. Conversación de sombras en la villa de los papiros, de Max, nace quizás con espíritu de obra menor, casi de sainete filosófico, pero que creo que recupera un Max gamberro, capaz de traducir una conversación filosófica entre Graco y Filodemo a puro estilo Bruguera, pero sin perder un ápice de la trascendencia de lo tratado. En apenas unas páginas, sabiduría gráfica y existencial por el mismo precio. La Autobiografía de Shigeru Mizuki ha sido a lo largo de sus seis volúmenes un deleite, un disfrute de esos pantagruélicos. El descubrimiento de Mizuki me dejó pasmado, es de esas dosis de humildad cruelmente humillante que el tebeo nipón nos suelta de vez en cuando: ¿te creías que lo sabías todo de tebeos? ¡Zas! En toda la boca, por chulo y garrulo. Un autor del que no sabías nada y es un genio. Entrar en su vida es puro cotilleo, puede, pero también una forma excepcional de conocer a un genio. I am a hero, de Kengo Hanazawa me gusta porque es un manga de zombis. Y punto. Pero también porque se atreve a iniciar el periplo matazombis con un guiño a Bakuman, y luego ponerse canónico pero contarlo de maravilla. Tras el agotamiento de la fórmula de Kirkman y Adalrd, Hanazawa es un soplo de maravilloso aire podrido para los que gozamos con los desmembramientos de muertos vivientes. Pornográfica, de Nacho Casanova es un tebeo del que no se ha hablado mucho. Y se debería. Quizás el problema es el de siempre, “uichs, le gusta el porno ¡qué depravado!”, loa soplapollez de siempre. Y no. El tebeo de Nacho es sexo puro, pero del de verdad, no el de las películas de pollas de medio metro e implantes mamarios hinchables. Es sexo del de las personas de carne y hueso, real, próximo, excitante y sincero. Es el sexo que vemos en nuestra casa, no en la tele. Y es genial. Y para acabar con un número redondo, mención para Cuaderno de frases encontradas, esa joya de Juan Berrio que, posiblemente, sea más ilustración que historieta, pero que me da igual, porque Berrio cuenta historias con una sola viñeta, abriendo tan sólo el espacio cerrado de una viñeta para contar una historia que se inició antes y seguirá después pero de la que no sabemos nada. Tan sólo imaginamos. O simplemente disfrutamos del placer voyeurista, que también. Qué más da: disfrutamos.

Me gustaron también, y cito rápidamente, La colmena, de Charles Burns (Random House), en la que el americano sigue en su extraña revisión tintinesca; Hawkeye, de Matt Fraction y David Aja (Panini), brillante Aja en su planteamiento de lo cotidiano del superhéroe con una concepción gráfica rompedora; Papel estrujado, de Nadar (Astiberri), un debut impactante, una obra que se lee de un tirón y que construye un thriller cotidiano apabullante; Hark, A Vagrant, de Kate Beaton (Ponent Mon) porque es deliciosamente absurda; Silvio José Destronado, de Paco Alcázar (Astiberri), porque Alcazar ha creado una versión hispana de Ignatius J. Reilly que supera al original con creces y Dictadores, de Irkus Zeberio y Sergio Puyol (apa apa) porque es una obra que en estos tiempos de dictadorzuelos encubiertos, se debe leer.
No son los únicos tebeos que he disfrutado, me lo he pasado pipa con reediciones como Creepy presenta Richard Corben (Planeta), con la que me he vuelto a enamorar del chicarrón de Kansas como hace 35 años; con los deliciosos Johan y Pirluit, de Peyo (Dolmen); con la incomparable Fenix, de Osamu Tezuka (Planeta de Agostini)… Me sigo quedando prendado de la elegancia de Romeo y Julieta, de Gianni de Luca (001 Ediciones) y, por supuesto, me declaro seguidor sectario y furibundo de Krazy Kat, de George Herriman, sobre todo en esa edición gigantesca de Peter Maresca que trajo Norma. Y ya puestos a hablar de clásicos, reverencia a Nadir y Reino de Cordelia por recuperar la obra de Caran d’Ache y el Litlle Sammy Sneeze, de Winsor McCay. Los agradecimientos siguen: a Astiberri por reeditar el Baco de Eddie Campbell, posiblemente la obra que más me gusta de este autor (excepción hecha de cuando colabora con el barbudo); a EDT por recuperar el Aghardi, de Enric Sió, fabuloso, rompedor e innovador y el apocalíptico Hombre de Antonio Segura y José Ortiz, lástima que hayamos perdido a estos dos gigantes de la historieta en tan corto intervalo de tiempo. Y a Planeta, por volver a editar Regreso al mar, de Satoshi Kon, uno de los mangas que me descubrió, valga la redundancia, el manga.
Y ya para acabar, resumo todo lo anterior en dos tebeos que este año me han devuelto el amor a los tebeos (que nunca he perdido, pero la frase queda bien y vosotros me entendéis): Le cadeau, de Ruppert y Mulot y La tendresse des pierres, de Marion Fayolle. El primero, porque manda a tomar por saco toda preconcepción que tengamos sobre la historieta haciéndole la autopsia literal a un tebeo. El segundo porque demuestra que existe la poética del tebeo.
Y eso es todo, amigos.

13 enero 2014  17 Comments

Una década encarcelado

Hace diez años abrí La Cárcel de Papel. Hace ahora casi un año, cerré este espacio. Han pasado muchas cosas, quizás demasiadas, entre ese 27 de diciembre de 2002 y éste de 2012.
Y creo que es un buen momento para divagar un rato sobre estos diez años.
Vamos primero por lo más personal.
Nunca me imaginé el éxito que tendría la página. Es algo que aun hoy me sigue pareciendo increíble: ¡miles de personas siguiendo las tonterías que decía día a día! La verdad es que, con el tiempo, uno va comprendiendo que el éxito en internet tiene un mérito personal relativo: la red suele funcionar cambiando el clásico “winner takes all” por un más escueto “first takes all”. El que primero llega se lo come todo. Simple, pero eficaz. Y yo fui el primero. Simplemente. Ni soy un gurú, ni un iluminado, ni mi sapiencia es ilimitada ni tengo carisma. Llegué el primero y la propia naturaleza de la web favoreció que fuera de los más visitados, por encima de otras páginas que llegaron después y que eran muy superiores a ésta. A partir de ahí, la historia está escrita y el éxito de la página me llevó a meterme de lleno en el “mundillo del tebeo”. Pero el tiempo pasa y fueron ocurriendo muchas cosas, la más importante, obviamente, ser padre.
Dice el tópico que te cambia la vida. Mentira. Se queda corto.
Es un cambio profundo que trastoca por completo todo tu esquema de valores, que relativiza todo lo que te pueda ocurrir y que, sobre todo y ante todo, devora todo tu tiempo. Y cansa, también. Que nadie avisa a los futuros padres de ese extraño estado en el que vivirás durante años, en el que sueño y cansancio se entretejen para crear una pesada cota de malla que es imposible de quitarse de encima. Pero oigan, que uno la lleva con felicidad, porque aunque las ojeras te lleguen a los talones, aunque el cuerpo te exija a grito pelado caer tendido en cualquier cuneta, en cuanto el crío te hace una gracia, tu cerebro libera serotoninas hasta dejarte anestesiado en un estado de bienestar casi lisérgico. ¡La Naturaleza es sabia!
Hoy, ya con la tranquilidad de esos once meses alejado de esta página, creo que fue una decisión muy acertada. Ya no tenía tiempo para estar al día y mi ritmo de lecturas se había desplomado de leer un tebeo casi todos los días a que ahora leo un tebeo cuando me acuerdo. No se puede mantener una página de “actualidad” en condiciones con esos términos. Y, afortunadamente, hay muchas páginas que suplen con creces lo que yo hacía aquí, muchísimo mejor de lo que yo hubiera sido capaz nunca de hacer. Es más, ahora soy consciente de hasta qué punto la página había degenerado. Había entrado en una inercia absurda en la que leía tebeos para reseñarlos con el automático puesto. Leo ahora las últimas entradas de La Cárcel y no me reconozco, no me encuentro como sí lo hago en las de los primeros años. Había perdido la frescura y, sobre todo, la libertad: me había creído al final la estupidez esa de que “todo poder conlleva una gran responsabilidad” y no me daba cuenta de que la opinión es libre. Que la responsabilidad del que opina es consigo mismo, con su coherencia, con sus ideas, y que no está sujeta a más obligación que el respeto mutuo. Tenía que haber cortado mucho antes, pero esa supuesta responsabilidad me nubló la sensatez.
¿Volveré a escribir aquí? No creo, aunque ya se sabe, “nunca digas nunca jamás”. Si algo tengo claro es que, si volviera a escribir en esta página, no sería para volver a esa dinámica loca de actualizaciones diarias obligadas. Hoy por hoy, me encuentro mucho más cómodo compartiendo mis lecturas a través de twitter o facebook. Es verdad, como algunos me han dicho, que sigo haciendo reseñas, aunque sean de sólo 140 caracteres, pero que nadie se equivoque: es simple deformación profesional como docente. Me cuesta escribir sólo el “mola/no mola” que sería más apropiado a las redes sociales, más que nada porque llevo años poniendo exámenes donde la pregunta solía acabar con la coletilla “Justifica brevemente tu respuesta”. Vamos, que si yo lo exijo, debo ser el primero en dar ejemplo.
Como veis, una soplapollez, pero uno ya peina canas y como que le da igual…
Dejemos lo personal, va, y hablemos de tebeos. Joder, cómo ha cambiado la cosa…
Hace diez años, el mundillo del tebeo intentaba salir todavía de esa fosa abisal en la que se había hundido durante los 90. Recordemos un poco la situación: durante los 80, los tebeos en España dieron un salto desconocido. Un medio puramente infantil rompía todos los esquemas y se subía al carro de la modernidad siguiendo el ejemplo de los colegas gabachos una década y media antes. ¡Qué tiempos! Fue el boom de las revistas, el boom del cómic de autor, que encontraba en los magazines el lugar ideal para expresarse con total libertad. De ser adulto y considerado. Fue la revolución autoral total: de hace chistes para niños de una página, a tratar cualquier tema por espinoso que fuera. Ser podía hacer género desde la fresca renovación que venía de Francia o desde la tradición americana, se podía hablar de experiencias personales o de cuestiones sociales, se podía hablar de sexo o de política, de la Guerra Civil o de la movida… ¡se podía hacer cualquier cosa con una historieta! Los medios de comunicación hablaban de historietas, los programas modernos dedicaban especiales a la historieta… la sociedad comenzaba a reconocer que la historieta era adulta y libre, que era un medio tan válido como cualquier otro. El cómic de autor, como bien bautizaba Javier Coma, campaba a sus anchas, por fin. Tenía la limitación de la publicación seriada en revistas, pero como explicaba el mismo Coma en El ocaso de los héroes en los cómics de autor, los autores habían sabido siempre aprovechar al máximo las limitaciones de la técnica editorial, buscando cualquier resquicio de la todopoderosa industria del entertainment para expresarse, para romper los esquemas. Con la tira diaria, con el comic-book, con el álbum francobelga o con la entonces incipiente comic-novela (¿os suena?). La repanocha fue aquello. Yo viví todo aquello con la pasión del que aprende sin parar, maravillado con lo que se publicaba en TOTEM, Comix, Vertigo, Madriz, Cairo, CIMOC… ¡Aprendiendo como loco con las maravillas que atesoraba la Historia de los Cómics de Toutain! Deseando leer todas aquellas joyas… hasta que la ilusión desapareció. La crisis de los 90 pegó con fuerza en el sector editorial y la burbuja explotó. El tebeo que tanto había deslumbrado volvió a quedarse en un objeto de entretenimiento para jóvenes. Y cuidadín con moverse que no salen en la foto. Durante los 90, los autores, de nuevo, tercos, intentaron amoldarse a ese formato de comicbook que anegaba e inundaba las estanterías de las librerías especializadas. Tuvieron suerte, bien mirado. Sobrevivieron gracias a que las librerías especializadas generaron un circuito de distribución limitado pero eficaz y a que la técnica rebajó los costes de edición, evitando las otrora obligadas tiradas abultadas. Se podía hacer un tebeo con una tirada de 500 o 1000 ejemplares a un coste razonable, algo que era inviable económicamente apenas una década antes. Circunstancias que favorecieron que, con el cambio de mileno, el tebeo se encontrara con una situación tan curiosa como inesperada: por un lado, una infraestructura de distribución casi perfecta para pequeñas tiradas. Por otro, una serie de evoluciones tecnológicas que permitían editar un libro con una tirada mínima. Y por último, un grupo de locos que montaron pequeñas editoriales para defender la obra personal de otro grupo de locos que querían, ante todo y sobre todo, hacer tebeos. En el 2002, cuando abrí la página, comenzaban a proliferar pequeñas editoriales que, desde casi la marginalidad, publicaban obras que recogían ese estandarte del cómic de autor. Ponent, Astiberri, Sins Entido, Inrevés… rompían los esquemas apostando por una edición en formato de libro, de obras de autor tan personales como minoritarias. Pero que ahora tenían un mercado. Minúsculo, pero existía. Era el comienzo de algo que todavía no tenía nombre claro, pero que pronto adoptó uno que venía de los USA: novela gráfica. Pero no era un término nuevo en España: mucho antes de que Eisner, Corben, Kane o la Marvel hablaran de novelas gráficas, las editoriales españolas de los años 40 ya usaron esa nomenclatura para definir un producto diferenciado del tebeo infantil, dirigido a lectores más adultos. Las “Novelas gráficas para adultos” fueron comunes durante los años 60, aunque generalmente con material de prensa americano (curiosamente, Terenci Moix denunciaba en Los cómics, arte para el consumo y formas pop que el término se estaba utilizando para intentar colar material extranjero). En el fondo, era siempre lo mismo. La búsqueda de un término que permitiera hablar de tebeos sin la carga peyorativa de la consideración infantil del medio. Se intentó con comic, comix, comic-novela, literatura dibujada…Y, la verdad, muchos vimos en la “novela gráfica” otro término destinado a pasar a la historia. Pero nos equivocamos. El concepto de “novela gráfica” no sólo llegó para quedarse, sino que tuvo un éxito desmedido. Se convirtió en el perfecto sinónimo de un cómic de autor que alcanzaba a través suyo un sentido total. Y es que mientras en el cine el concepto de “cine de autor” siempre estuvo en discusión, en cómic lograba sentido pleno a través de la novela gráfica: por fin, después de años buscando la expresión total, el autor tomaba pleno control de su obra, de continente y contenido. Durante toda la historia anterior, el continente quedaba siempre delimitado por unas posibilidades tecnológicas y de distribución controladas por una industria que entendía el tebeo sólo como entretenimiento. Ahora, el formato era controlado por el autor en toda su extensión. Es verdad que, bien mirado, era consecuencia de una contracción brutal del mercado, con tiradas tan pequeñas que eran ridículas comparadas con las que se daban apenas unos años antes, pero favoreció que el cómic de autor encontrara en la novela gráfica su lugar natural. Pero hizo mucho más: ese cómic de autor dio el ansiado salto a la legitimización sociocultural. El respeto que el tebeo había alcanzado durante los 80 volvió y se multiplicó, superando todo lo previsible. Los medios hablaron de tebeos, la oficialidad cultural admitía al tebeo como un arte más, las instituciones lo acogían, se creaba el Premio Nacional… Evidentemente no es un logro de la “novela gráfica”, sino de los autores, los que realmente han sostenido el tebeo y son los reales merecedores de todos los parabienes y alabanzas. Pero no se puede obviar que el término “novela gráfica” ha roto el veto que el tebeo tenía a entrar en los hábitos culturales. De hecho, el propio concepto ha tomado vida propia para convertirse en casi un sinónimo de tebeo para adultos aplicable a cualquier género o expresión, desde los tebeos más comerciales de superhéroes a los más intimistas, en una evolución de la que hay que congratularse, porque ayuda a normalizar la presencia de los tebeos en toda su extensión. Hemos visto en estos diez años cómo el género de superhéroes pasaba a ser fagocitado por la industria del cine (como, por cierto, anuncié casi al principio de la historia de La Cárcel, me pongo la medalla de Rappel de segunda B) para convertir al cómic en un merchandising de las películas, pero que seguía teniendo su espacio propio en el cómic gracias a unas “novelas gráficas” de los personajes más famosos, que afirmaban así el abandono de su originario público juvenil por uno más adulto. Ya no es necesario que el sistema se dinamite desde dentro, como hicieron Miller o Moore en los 80 con cómics de autor que hacían temblar los cimientos de una industria que busca desesperadamente la producción seriada completamente despersonalizada. El cómic de autor es ya una forma que lo impregna todo y que, cada vez más, deja en evidencia esas prácticas de producción industrial que olvidan la creatividad del autor como eje fundamental de todo producto cultural, ya sea de entretenimiento o artístico. Lo vemos en el comic-book, en el álbum francobelga con los francotiradores nacidos del Atelier Nawak, en el manga, en la tira de prensa, en los webcomics y, por supuesto, en la novela gráfica, desde la más comercial hasta la más rompedora.
¡Cómo ha cambiado todo! De un mercado de comic-books a otro de novelas gráficas. De internet casi testimonial, al alcance de cuatro privilegiados a convertirse en un reto tecnológico y sociocultural que ha cambiado la forma de entender el acceso a la cultura. Con todo, vivimos una gran época para el lector de tebeos, con una oferta desconocida antes, con unas posibilidades nunca vistas que, quizás, dejan como paradójico gran damnificado al autor, el gran protagonista de esta evolución que ve cómo su figura se equipara a la de los de cualquier otra área. Como en la literatura, la pintura, la música, etc, es prácticamente imposible que el autor de cómics pueda vivir de su obra. Puede, con suerte, vivir de hacer comics, pero difícilmente de su obra personal, un lujo reservado a cuatro privilegiados. Un cambio que también ha protagonizado la red en lo que a información se refiere, con la explosión de los blogs de información y opinión sobre tebeos, quizás hoy de capa caída por la todavía mayor explosión de las redes sociales, pero con muchas cosas que decir y con una selecta nómina de supervivientes a los que hay que seguir casi obligadamente.
Es difícil olvidar estos diez años. La Cárcel se ha convertido en una parte de mí y, también, para qué negarlo, en una verdadera prisión de la que era difícil salir. Pero he salido y, como decía, no sé si volveré. De volver a escribir en esta página, si alguna vez tengo tiempo, todo sea dicho, sería más puntualmente, y con otra idea completamente diferente. Es posible, por ejemplo, que haga un par de entradas al año que mucha gente me ha pedido y de las que siempre me ha gustado hacer: a finales de enero, un resumen de mis lecturas del año, que ahora son más recortadas y limitadas que nunca; y allá por mayo, el tradicional artículo sobre “los números del años”. Dos entradas que creo que son útiles y que, sobre todo, me lo pasaban muy bien haciéndolas- Es posible, también, que recupere el espíritu original de la página y vaya colgando por aquí los artículos que hago para la Cartelera Turia y algunas colaboraciones esporádicas que hago por aquí y por allá. Quería mantenerme totalmente al margen del mundillo del tebeo, pero la cabra tira al monte. Acabé quemado, muy quemado, lo reconozco. La experiencia de Angoulême fue ya la gota que colmó el vaso: hubo cosas malas, sí, pero las positivas debían ganar por goleada a las negativas. Sin embargo, el hecho de que la exposición me hiciera perder amistades, que gente a la que apreciaba me retirara la palabra, hizo que tirara la toalla. Después de aquello quise romper toda amarra con el mundillo, pero ahora me doy cuenta de que es imposible. Ya no tengo el tiempo de antes, pero sigo haciendo cosas, es evidente. Amo demasiado los tebeos como para dejar totalmente todo lo que les rodea. Y sí, si un amigo me pide que le presente un tebeo, lo haré. Y si puedo ayudar a montar cosas, pues lo hago. Pero eso sí, ya no estaré nunca en primera fila. Es el momento de otros.
Es el momento de disfrutar de todo lo que ha cambiado en el mundo del tebeo en estos diez años, que no es poco.
Y es el momento de daros a todos las gracias. La Cárcel existió porque exististeis vosotros leyéndola. Fue vuestro espacio y me habéis dado diez años geniales.
Gracias.

27 diciembre 2012  27 Comments

Hasta siempre

Todas las cosas tienen un principio y un final.
Llevaba mucho tiempo meditando esto, pero creo ahora ha llegado el momento: se acabó mi paso por la actualidad del mundo de los tebeos. Se cierra este espacio de La Cárcel de Papel que me ha dado tantas satisfacciones durante nueve años y dejo de colaborar en prensa (con la única excepción de la vinculación que tengo con la Cartelera Turia de Valencia) o eventos relacionados con el tebeo. Durante muchos años, casi veinte, he convertido mi hobby, mi pasión, en casi una segunda profesión. Y creo que debo volver a buscar esa sensación de disfrutar de la lectura de tebeos como lector raso, con la única preocupación de gozar de su lectura. Creo sinceramente que en estas cosas se debe dejar paso a los que vienen detrás y, sobre todo, ser consciente de las limitaciones de uno mismo. El comisariado de la exposición sobre tebeos españoles en Angoulême, uno de los proyectos más ilusionantes en los que he trabajado, es un perfecto broche final a mi trayectoria. No dejaré, eso sí, la vinculación académica y teórica con los tebeos, pero como algo muy reducido.
Han sido unos años maravillosos y, sin duda, me quedo con más amigos de los que merezco.
Vuelvo a ser, simplemente, un lector de tebeos.
Gracias a todos y hasta siempre.

2 febrero 2012  Comentarios desactivados

Lo mejor del 2011

Lo mejor del 2011, votado por los lectores de Entrecomics

1 febrero 2012  Leave a comment

Adiós Antonio

A punto de embarcar para España leo una de las peores noticias que podía leer: ha fallecido Antonio Segura.
Toda la alegría que me llevo de Angoulême ha desparecido de un plumazo. Ha muerto uno de los grandes, de los muy grandes. Y un buen amigo. No olvidaré jamás esos almuerzos en los que arreglábamos el munodo, Antonio. Descansa en paz.

31 enero 2012  13 Comments

¡El primer premio!

Comienzan las buenas noticias! Natacha Bustos y Francisco Sánchez ganan el Prix Tournesol por Chernobyl, la zona. Enhorabuena!

28 enero 2012  1 Comment

Bienvenidos a Angoulême!

Dario Adanti muestra España a los visitantes de Angoulême :)

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26 enero 2012  5 Comments

Paco Roca

(Entrevista realizada en enero de 2011 y publicada en la Revista Laraña de Sevilla en 2011, aprovecho el estreno de la película de Arrugas para recuperarla. Como veréis es una entrevista muy informal, pensada para un público muy generalista.)

ENTREVISTA A PACO ROCA

La entrevista no puede tener mejor fondo: en la pantalla del ordenador, la portada de Laraña que está haciendo Paco, rememorando la mítica del primer Tío Vivo en una versión realista, al estilo de lo que Alex Ross hizo con Kirby.

Comencemos por el principio: ¿dónde nacen las ideas?
Pues la verdad es que es complicado. Por lo menos llegado el momento en el que estoy ahora, que creo que no es que cada vez tenga menos libertad, pero que te planteas las cosas de una forma diferente. Las ideas nunca sabes bien de donde salen, pero al final todas las ideas son como un reciclado de todo lo que nos rodea y vivimos, desde una película, un libro que has leído, un artículo… cualquier cosa. La reciclas y, llegado el momento, más o menos como el de ahora, haces una selección. Yo creo que ya no llegas a hacer todas las cosas que quisieras si no las cosas que crees que tienes que hacer, por diferentes motivos, por ventas, y más o menos por lo que ya es tu línea. En un principio me gustaba mucho la aventura, me gustaba el género, el fantástico y demás, pero poco a poco te vas desmarcando. Es algo que me sigue gustando mucho y me gustaría hacer una historia así, pero creo que ahora no encaja, empiezas a tener un tipo de público como muy general. Al principio cuando hice El juego lúgubre o Hijos de la Alhambra todavía no tenía ningún público y yo hacía lo que quería, ahora me apetece hacer otro tipo de cosas  incluso, pero piensas que a estas alturas hacer este tipo de cosas no te llevan a ningún lado. Yo creo que el tener más lectores cada vez te va delimitando más el abanico de ideas.

Es paradójico: cuando llegas al estatus del “creador” pierdes libertad, cuando debería ser al contrario, ¿no?
Sí, ganas libertad en el sentido de que se abren muchas más puertas y, en teoría, nadie te replantea las historias que haces, pero tú mismo te las planteas porque te da más miedo hacer ciertas cosas o cambiar de registro. Yo lo intento, pero siempre dentro de una misma línea para un mismo tipo de público determinado. Es verdad que contra más lectores tienes, pierdes un poco de libertad creativa. Cuanto más tienes, más miedo da perderlo.



¿Empezar con los géneros te daba un poco más de tranquilidad? Recordemos que empezaste con historias fantásticas y pornográficas o, “de pollas venosas y coños húmedos”, como decía Berenguer.
(Risas.) Es verdad, si. Yo siempre intento hacer las cosas que en ese momento me apetece y  me gusta leer. Incluso cuando hacía porno, me lo pasaba bien haciéndolo y  disfrutaba leyendo la revista cuando me llegaba. Las cosas de género que he hecho son las cosas que me gustaba hacer, son las cosas que yo quería hacer en esos momentos, es el camino que creo que tenía que seguir. Me gustaba el género pero dándole otro aspecto, desde el principio pienso un público amplio, no pienso únicamente en el público del cómic o del género. En el caso de El juego lúgubre es fantástico sí, pero la idea era hacerlo lo más creíble posible. Pero creo que es muy bueno empezar con el género, porque creo que aprendes narrar con ese tipo de historias de esa forma, todos esos giros, a hacerlo interesante. También en esa época el cine para mi era muy importante, directores como Spielberg eran un referente para mí, o cualquier peli de acción, de Cameron o de Peckinpah. Ese tipo de formas de narrar las historias, de pensar en el  público, como Spielberg que es el maestro de este tipo de historias, que empieza con una escena y ya desde el principio te engancha y no pagas. Por ejemplo, en la segunda de indiana Jones desde el primer momento engancha y prácticamente no paras.
Es una forma de narrar apresurada donde el lector va a un paso por atrás. Empezar a hacer estas historias me ha servido mucho para hacer otras más cotidianas, más íntimas, pero en muchos casos sigue funcionando esa estructura de cine de acción o de narración de género, esa estructura narrativa. Por ejemplo, en Arrugas, hay mucho de eso: un personaje que llega a un lugar extraño, que a su lado hay un cicerón, con un misterio que es el piso de arriba donde nadie quiere acabar, hay una lucha por no terminar ahí… Haber empezado haciendo género me ha ayudado mucho para aprender, para experimentar, quizás más que haciendo otro tipo de historias. Y por otro lado, mi forma de narrar hubiera sido muy diferente.

A diferencia de otros autores, como por ejemplo Carlos Giménez, donde hay una ruptura muy clara entre lo que hace en un momento y lo que hace otro, es decir, de hacer género a hacer algo completamente diferente, tu caso es diferente. Tú has tenido una evolución lenta pero constante en dónde has ido pasando del género a incorporar tus ideas, tus constantes.
Si, porque además, casi exceptuando El invierno del dibujante,  que es lo más fiel posible a la realidad y que no tiene ningún elemento de fantasía, hasta ahí, prácticamente todo, tiene esa parte de fantasía desde El juego lúgubre, hasta Hijos de la Alhambra, El faro también con esa cosa que no sabes si es real o es fantasía o esa fantasía final que es un nexo de de la historia. En Arrugas con todos los sueños de los ancianos y, por supuesto, en Las calles de arena, todo en ello lo es. Todas tienen esa parte de fantasía que a mí me ha servido mucho, para poder, por un lado, hacer que visualmente cambian las cosas y, por otro lado, porque me sigue gustando ese punto de fantasía que tienen todas las historias.

En tu obra siempre aparece un enfrentamiento entre la realidad y la ficción, el punto donde el mensaje de la realidad entra en un mundo distinto, una especie de referente siempre a Alicia en el país de las maravillas. Ya pasaba en Road Cartoons, que es una especie de Alicia que cae en un mundo real, y ya es muy evidente en otras obras como El faro o sobre todo en Las calles de arena. ¿Es una constante en todas tus obras?
Sí, acabas teniendo un estilo, no sé si es bueno o es malo, pero creo es bueno. Hay autores que dicen que siempre cuenta en la misma historia, yo no lo sé, yo creo que lo que hago es que aún que intento cambiar de género, de historia, de época, pero siempre estoy contando prácticamente la misma historia.

Ese aspecto de enfrentamiento entre la realidad e irrealidad aparece incluso en El invierno del dibujante, donde el personaje de Escobar refleja esa lucha entre la utopía de un sueño y la realidad de la situación real.
Si aparece en todas, es verdad. Es muy curioso, no te das cuenta, no eres consciente. Quizás llega un momento en el que te das cuenta, como en el caso de una historia como El invierno del dibujante, aunque yo soy consciente de ello con Las calles de arena, donde veo que estoy contando la misma historia. Pero cuando ya soy consciente y me pongo a hacer El invierno del dibujante… vuelvo a caer en ello. Quizás sea porque en el fondo buscas historias así, los personajes son perdedores que, de alguna forma, están huyendo de una realidad que no les gusta y buscando un sueño. Creo que esa es la historia que me gusta contar y puede que todas las historias, todos los problemas que encuentro los intente llevar ahí. Es posible que El invierno del dibujante se hubiese podido contar de otra forma, de otra manera, sin intentar llegar a este cliché de la forma de contar. Pero no lo sé, me surgen siempre, y eso que me lo planteo como un reto, no sé, una historia completamente diferente.


¿Te sorprende leer las interpretaciones que hacen de tu obra?
Sí, a veces sí, pero supongo que les pasa a todo el mundo, en el cine, en la literatura y en el cómic. Pasa que muchas veces. No muchas, muchísimas, que los lectores son mucho más listos que tú. Creo que pasan dos cosas: por un lado el inconsciente del autor, en el que no creo mucho, pero que algo debe haber, que haces cosas sin ser muy consciente de por qué las haces. Pero por otro lado, el lector va siempre mucho más allá, muy por delante. En el fondo es un acto íntimo entre lo que has creado y el lector. El dibujo tiene ese punto más abstracto que el cine u otras artes y favorece la interpretación, y veo interpretaciones que me sorprenden muchísimo, me gustaría que hubiesen pasado de verdad. ¡Incluso algunas veces he tomado la interpretación de un lector y la he tomado como mía en alguna entrevista! (risas) Pero creo que es muy bonito, también por eso creo que es mejor no explicar mucho lo que has hecho. Chillida o Barceló decían que no explicaban sus esculturas porque después de hacerlo las mataban, sólo había una única explicación. Mientras no las expliques la obra está viva, tiene infinitas interpretaciones como hay infinitos lectores.

Es la base del arte, ¿no? Que está en el observador, en el ejercicio de reflexión del que mira.
Claro, si el lector es inteligente, llega a unas conclusiones y caminos que no has pensado nunca. Y eso me parece muy bonito.

Llegaríamos aquí a esa famosa frase de que cuando terminas una obra, deja de ser hija tuya y vuela sola.
Sí, y además hay otra cosa: me gusta que, aunque explico mucho las cosas, intento dejar cierta ambigüedad. Tengo un problema, que creo que tenemos muchos autores que no somos guionistas: intentamos que todo sea muy claro, que la trama esté muy explicada y yo creo que muchas veces es un error explicar mucho las cosas. Y yo cometo ese error, pero soy muy ambiguo en los sentimientos de los personajes. Me gusta dejarlos en silencio, sin hablar. Es cierto que hay que ir construyéndolos, y dar toda la información necesaria, pero me gusta dejar las miradas de los personajes, que sea el lector el que piense lo que puede estar sucediendo ahí. Por eso me gusta dejar las páginas sin texto, ya no hay ritmo, ya no hay nada y es el lector el que lo está poniendo todo en su cabeza. Esas partes sí que me gustan, tienen mucha más vida. En Arrugas hay muchos silencios, me gusta contar cosas con silencios. Además, es algo que no se podía hacer hasta hace poco, porque no teníamos espacio para hacerlo. Los japoneses lo hacían muy bien, pero nosotros que veníamos de los superhéroes o del álbum francés de 46 páginas, los silencios eran un desperdicio de espacio.

Has dicho algo importante “los dibujantes que no somos guionistas”. Tu precisamente has trabajado con pocos guionistas…¿Cómo adaptas la historia de otro?
Es verdad, sólo lo he hecho con Juan Miguel Aguilera y con Serguei Dounovetz, que son dos casos muy diferentes. Con el caso de Juan Miguel, fue como hacer un máster. Yo no sabía hacer historias y él tiene un estilo muy visual. Él escribe ciencia-ficción y novela histórica, pero los dos tenemos muy presente el cine. Éramos muy aficionados a los cómics y tenemos muchos referentes comunes, y su forma de hacer argumentos es muy visual. Llegamos a un momento donde él sólo hacía un relato y yo lo llevaba a imágenes. Aprendí muchísimo, sobre todo en la documentación, que en los géneros que trabaja es muy importante, aprendí que en algunos casos la documentación es la que te lleva por la historia. Puedes tener una idea al principio, pero luego la documentación te lleva por otro lado. Aprendí a construir una historia, a hacerla interesante, a cómo tenían que funcionar los diálogos… Aunque sólo hicimos Road Cartoons y Gog, aprendí mucho, porque es la persona con la que más he convivido en esta vida. Trabajamos juntos más de veinte años y yo le enseñaba los cómics que hacía y él me comentaba las historias que preparaba, Yo aprendía mucho de él, de su forma de trabajar. En ese sentido, trabajar con Juan Miguel no fue difícil. Quizás acabamos de hacer cosas juntos porque el proceso del escritor es mucho más rápido y se desesperaba por ver lo lento que yo iba, a él se le ocurrían en ese tiempo mil ideas para mejorar la idea y ¡a mí me desespera cambiar las cosas! (risas) Luego ya dejé el género, quería probar otro tipo de cosas. En el caso de Serguei, en cierta forma, considero El ángel de la retirada como un encargo, no tiene esa involucración. Me dedico igual, sólo le pedí que fuese un relato, que para él era incluso más cómodo y, a partir de ese guión contar las cosas como yo quería. Aún así, no considero la historia como mía, me lo he pasado muy bien, pero no es lo mismo. No diré que me gusta trabajar con guionistas, pero creo que es necesario para tener otra perspectiva, para tener otras visiones, para no repetirte. En El ángel de la retirada hay muchas cosas parecidas a lo que hago, pero con Juan Miguel no, por ejemplo. Él tiene una especie de canon de historia, el sentido de la maravilla, el gran descubrimiento, un personaje que hace un viaje interior y físico… Yo creo que todos tenemos ese canon y es bueno entender el de otros autores, conocer ideas nuevas.

Tenemos la idea…¿Cómo llega al papel? ¿Cuándo decides que vas adelante?
Yo tengo una libreta donde voy apuntando ideas que se van ocurriendo, que luego vas usando. Una idea que me apetecía hacer apareció cuando releí el Gulliver, y pensé en contarlo desde el punto de vista de un liliputiense. Lo apuntas en una libreta y ahí se queda. Cuando me pidieron una historia para El Balanzín no tenía inspiración y eché mano de la libreta y pensé en desarrollar esa idea. Son ideas que apuntas y que posiblemente jamás vayas a usarlas. A veces simplemente se unen y, de repente, las usas. Me gustaría hacer una historia de ciencia-ficción, pero creo que ahora no es el momento. Pero yo voy apuntando cosas, tengo la idea apuntada y desde hace un año, cuando encuentro en un periódico o en una revista una idea que tiene que ver la recorto y la guardo, o cuando veo una noticia o un documental, me lo apunto. No tiene cuerpo, le falta una idea que encaje todas esas ideas dispersas. Si te apetece hacerla, la sacas y la llevas adelante… Ahora precisamente tengo un par de proyectos, que no te voy a contar (risas), pero que te dan una ida de las grandes posibilidades que tiene el cómic, porque mientras las estudias piensas “¿Y por qué tengo que hacer ficción?¿Por qué no un documental?” No como Joe Sacco, más documental, de forma que esa idea en lugar de buscar un personaje al que le suceden cosas, pues voy a hacer que hablen diferentes personas y cada una con un tratamiento gráfico. Como un documental de TV pero en cómic, que creo que funciona mucho mejor, porque puedes ir para atrás, para adelante, puedes reflexionar más… Pero ahora precisamente no me apetece hacerlo así porque necesitas muchísima más profundidad, mucha más documentación que para un simple decorado.

Tú te documentas mucho, es clave en tu obra, sobre todo desde El Juego lúgubre, pero me sorprende una especie de cambio: al principio es un decorado bonito pero al final la documentación, sobre todo en Arrugas, Las calles de Arena o El invierno del dibujante, la documentación es la historia.
Me gusta documentarme, pero en cierta forma creo que vas ganando en ambición. Yo he crecido sabiendo que el cómic es para adultos, desde Corto Maltes a El Teniente Blueberry. Te das cuenta de que el cómic es otra cosa y puedes ir a lectores adultos, pero es posible que al principio te lo creas menos y buscas más la idea con fuerza para enganchar porque “es un cómic”. Es un error que yo también tenía al principio y poco a poco te das cuenta de que hay que tomárselo lo más en serio posible. Si un escritor o un director se lo toma en serio, nosotros también. La putada es que no tienes el dinero para hacerlo. Javier Cercas me contaba que para Anatomía de un instante había estado meses y meses buscando información, haciendo entrevistas… Y no se enfrentó al libro hasta que no tuvo toda la información, porque no tiene sentido hacer algo que no sea lo mejor que se ha hecho. Yo creo que es una mentalidad, es ser ambicioso con lo que haces y respetar a tus lectores y cuando haces algo, que vas a hacer lo mejor posible.  Yo creo que nos falta a los autores de cómic la ambición de que puede llegar a más.

Hay dos tipos de documentación, la de decorados o la de las personas. Un ejemplo de la primera sería Las calles de arena y de la segunda Arrugas. Lo curioso es que ambas se juntas en El invierno del dibujante. ¿Qué te ha gustado hacer más?
Yo creo que la parte de documentación de las calles, de cómo es Bruguera en la época, es necesaria, pero creo que no funciona si no te documentas en la otra parte. Te das cuenta con el tiempo de que las historias funcionan por sus personajes. Si los personajes funcionan, la historia funciona. Para que sea creíble pues no debes usar un coche que no se usaba en la época, pero dentro de eso lo importante es que los personajes te parezcan reales. A mí es una parte que me gusta. Intento comprenderlos. Otra cosa es ver qué piensan de verse ahí… Pero creo que es importante comprender a los personajes. Sobre todo si aparece un personaje real, intentar entender qué les ha llevado allí. Por ejemplo en El invierno del dibujante hay un personaje clave, que es el de Rafael González. Con otros, como Escobar, es diferente, porque todo el mundo con el que hablas te dice que era un encanto, nadie me hizo un comentario negativo, y es relativamente fácil llegar a comprender a una persona así, con esos ideales, aunque tú pones mucho de tu parte y Escobar se convierte en ese cliché que decíamos antes. No sé si porque es así o porque tú lo llevas a esa interpretación, pero Rafael González es un reto.

Un represaliado de la Guerra Civil que comenzó como uno más de la redacción pero que llegó a ser el exponente de todo lo que se enfrentó.
Tener un personaje así, que no es tan plano, es perfecto para cualquiera que quiera situarlo dentro de una historia. Lo difícil es comprenderlo, porque no puedes explicarlo si no lo entiendes. Lo podías hacer como un tirano con los dibujantes con su corazoncito. No caer en el tópico, es comprender a los personajes y hacerlos un poco tú. Es como un actor que interpreta a otra persona, el dibujante es lo mismo, tienes que hacer tuyo al personaje. Y eso me gusta mucho.

Ya tienes la idea, la documentación…¿Qué va primero, el guión o el dibujo? J
(Risas, y muchas…) Imagino que cada uno tiene su forma de trabajar, pero yo soy muy metódico. Una vez termino la documentación, comienzo a hacer esquemas. Yo trabajo muy visualmente y hago esquemas de la trama: me pongo un esquema de los dibujantes que vuelven a Bruguera, que empiezan a recordar, aquí sale Víctor Mora… Te haces un esquema de por dónde quieres que vaya la historia y de todas las subtramas. Cuando tienes esos esquemas, que hago un montón, por la inseguridad,  empiezo a hacer un guión, como un relato. E intento que funcione la historia tal cual está. Se lo suelo dejar a un amigo, al editor, para ver que todo funciona. Y saber también que no hay nada que no le guste a la gente, aunque cuando se lo das a un amigo, a gente que conoces, hay casi que avasallarlos. De todo lo que me dicen, de los posibles errores o cosas que no acaban de gustar y coinciden con tus miedos, los tienes en cuenta y si no, pues piensas que no se han enterado de nada (risas).

Cuando lo tengo ya terminado, paso a dibujar, pero intento no tocar nada de la trama, de los diálogos sí, los cambio hasta el final. Por ejemplo, en El invierno del dibujante, inicialmente no iba  a hacer capítulos y, cuando ya prácticamente lo tenía todo, pensaba que lo de los capítulos podía estar muy bien. Podía separar muy bien los tiempos y crear más ambiente, instantáneas de esa época. Pero ahora creo que chirría, porque en algunos sitios corta la historia. Por ejemplo, en la página 57 corta un chiste y pierde parte de la gracia. La misma escena en el 59 y el 57 funcionaba muy bien sin la separación entre capítulos. Hay un par de ejemplos más, porque yo suelo empezar las escenas siempre muy tranquilas, despacio, abriendo plano y sin diálogos, pero tanto espacio corta el ritmo de la historia. Me da mucha rabia hacer cambios, por eso intento no irme de eso.

¿Te ha pasado que un personaje crezca por sí sólo?
Sólo me ha pasado con Miguel en Arrugas. Quizás con Rafael González, pero menos, porque desde el principio estaba planteado que iba a ser el hilo conductor. Pero Miguel no, era un secundario para ir explicando las cosas, que fuera la voz de narrador, que va contando las cosas. Es el personaje que te saca de problemas. Pero cuando iba haciendo el guión va teniendo más peso. Y al principio quería hablar del Alzheimer y de las residencias y termino hablando de la soledad de las personas y de la amistad. Salió de forma muy natural y sin plantearlo. Me hubiera gustado que pasase con todos, porque todos esos esquemas matan la historia. Cuando ya sabes adónde vas, te cortas el camino a otras posibilidades, igual más naturales con la historia. Aún así, los personajes al final no te dejan hacer lo que quieras y no van al punto final donde creías.

El cómic es un arte invisible, intentar definirlo es muy difícil porque lo que realmente lo caracteriza es la narración gráfica. Tú has tenido una gran evolución narrativa pero…¿Cuándo te das cuenta de que lo importante es cómo lo narras?
No lo sé, para mí es una forma natural, me imagino que le pasa a todos los dibujantes. Desde pequeño he hecho tebeos para mí, para mis hermanos, en el colegio… Yo me pongo a escribir y sólo es el 20% de lo que es la historia. Yo lo escribo con palabras pero tengo en la cabeza cómo lo voy a contar con imágenes. Para mí es la forma natural de narrar. Sé que he aprendido de leer mucho, desde Hergé, de Tintin, de una escena en El templo del sol donde una cámara fija se queda enfocando a Haddock que se queda colgado. Eso se te queda marcado y lo vas añadiendo. Otro narrador que me parece inmenso es Richard Corben, sobre todo de la época underground. El manga, no soy gran lector de manga, pero con autores como Taniguchi u Otomo te das cuentas de que hay otras formas de narrar. También me pasó con autores como Daniel Clowes o Jason Lutes, que su Juego de Manos me pareció una novedad. O Chris Ware ahora. Yo creo que era la forma natural, pero luego he ido aprendiendo.

Al principio te agarras a la narración puramente cinematográfica. Quizás mucha gente relaciona cine con cómic, pero tienen pocas relaciones, ¿no?
No, es verdad, es algo que está bien, pero hay que romperlo, Al principio parece la forma más normal de contar algo:”a ver cómo se haría en cine”. Y haces un storyboard. Quizás es algo natural pasar por esa etapa, pero luego te das cuentas de que el cómic tiene muchas más herramientas, y te das cuenta de autores que rompen con esa forma de narrar cinematográfica y funcionan muy bien. Yo de todas formas soy muy clásico, no como autores como Thompson o Eisner.

Sí, tú eres más francobelga, quizás por la admiración por Hergé.
Sí, porque además creo que es un estilo que funciona muy bien. Y creo que hasta ahora los autores tienen que mirar para un mercado extranjero. Si trabajas para superhéroes, hay un estilo muy definido y si lo haces para el francés, lo mismo. Sin embargo, en España es diferente. No digo que vayamos por detrás, que quizás en algunas cosas sí, pero es un mercado muy diferente al francés, japonés o italiano. Yo creo que en España todavía tenemos que encontrar nuestro producto, nuestra forma de narrar y nuestros temas. En Francia tienen sus cosas, la novela gráfica funciona menos que XIII, sin embargo en España, XIII funciona igual que Píldoras Azules. Aquí tenemos menos lectores, pero los que vamos creando son diferentes y tenemos que encontrar el producto español. A mí ese estilo me sirve para contar las cosas que quiero, ese estilo más limpio, más clásico, más comprensible, que creo que es el adecuado para el tipo de público que estamos creando. Es una opinión muy personal, a veces me pregunto, por ejemplo, el caso muy concreto de Arrugas: en Francia funcionó bien, no fue ninguna maravilla, pero bien. En los EE.UU., sin embargo, una editorial se interesó y me escribieron diciendo que la historia les había encantado, pero que gráficamente no encajaba con lo que esperaban, que tenía que ser algo más “cool”. Fue la palabra que usaron. ¿Y si hubiera hecho Arrugas al estilo de Sfar o rompiendo más la página, buscando efectos más dramáticos? ¿Qué pasaría si lo hiciera al estilo de David B…? Posiblemente en Francia o EE.UU. hubiera funcionado mucho mejor, pero en España no hubiera vendido 30.000 ejemplares.

También, en esa línea, con la aparición de autores como David B o Ware, que hacen filigranas narrativas impresionantes…¿No crees que se ha establecido una exigencia de la pirueta narrativa y se menosprecia en cierta medida la narración clásica?
Al final es como tú quieras contar las cosas, eso es lo bonito, que haya tantos caminos en el mundo del cómic que depende quién coja la historia, te lleve por su camino. Imagino que si Arrugas lo hubiera hecho David B, seguramente las partes oníricas hubieran sido muy espectaculares y si lo hubiese hecho Sfar, sería más dramático o tendría una ironía muy diferente. Eso es lo bonito del cómic, todas las posibilidades, sino estaríamos hablando de otras cosas, esto de los cómics sería una chorrada. Pero por eso creo que el mercado español es diferente, que los lectores que están llegando con la novela gráfica no han leído El Teniente Blueberry. Creo que es algo especial y el cómic en España debe ser para ese público especial.

En tu caso, ¿hasta qué punto la narrativa condiciona el estilo gráfico o el estilo gráfico viene condicionado por la narrativa?
Al principio, cuando escribo un guión, no me planteo cómo lo voy a resolver gráficamente, no me pongo fronteras. Al final siempre me quedo más corto de lo que me gustaría. Aunque tienes un abanico muy amplio de cosas para hacer gráficamente, te quedas siempre en un registro más limitado y no te sales de ahí, por mucho que pienses. Cuando hice El invierno del dibujante pensé en dos estilos, uno muy humorístico, muy Bruguera y, por otro, el de la publicidad de los años 50, más realista, no Rockwell, pero es que la publicidad de esa época, de entintado, de peinados, es muy característico. Al final es más una evolución de mi estilo que otra cosa y me gustaría ser más experimentador. Pero no es pereza, es por miedo y falta de tiempo. Si llevo con un proyecto medio año y tengo que pasar dos meses probando gráficamente….

El estilo de El invierno del dibujante me recuerda mucho a Daniel Torres, ¿lo tenías en mente?
No, y eso que soy muy fan, sobre todo de La estrella lejana.

Una de las grandes obras maestras del tebeo español, sin duda.
A mí la saga me parece de lo mejor que se ha hecho en España, gráfica y narrativamente. Sobre todo La estrella lejana, que me parece el álbum más redondo que se ha hecho en España. Puede que siguiera este estilo, sí. No conscientemente, pero sí inconsciente.

¿Utilizas recursos de otros dibujantes más experimentales, como Ware?
Hombre, sí, pero tienes que llevarlo dentro de tu abanico. Concepciones de página, de color, de cuidar ciertas cosas que no hacías. De narración, por ejemplo… hace dos semanas me releí el Bone y me he dado cuenta de que parte de la narración que he usado este último tiempo está muy influenciada por Jeff Smith. Otras cosas de él me gustan menos, pero Bone me encanta. Es muy cinematográfica, pero juega mucho con el lenguaje. Bone tiene hallazgos increíbles. A veces me parece que es un gran dibujante y otras que es muy resultón para lo mal dibujante que es. En Bone encaja todo, pero fuera de ahí no. También de Taniguchi. Conocer su trabajo fue como conocer otro mundo.

En Arrugas, por ejemplo, estos silencios que antes comentábamos son precisamente de Taniguchi, esa recreación con el sentimiento del personaje
También es que antes siempre pensaba en 46 páginas y no conocía la novela gráfica. Te centrabas en la historia y nada de páginas en blanco o sin textos. Y es entonces cuando te das cuenta: cuando hablé con los de Delcourt me preguntaron que cuántas páginas quería hacer y no sabía que contestar. Y, de repente, me di cuenta de que podía hacer todas esas cosas que me apetecía hacer, detenerme en el sonido de un árbol o detenerme en algo que al final no cuenta para nada, como que Miguel le está peinando el remolino en el pelo a Emilio. En 46 página no te puedes detener, pero ahora sí. Creo que es lo más interesante y pasa mucho en El invierno del dibujante: detenerte en una conversación en un bar y que uno esté hablando sobre las croquetas y otro sobre otra cosa. Creo que la da vida a la historia, no como antes, que quedaba todo muy plano.

Precisamente esas escenas de gente en una mesa hablando me parecen complejísimas ¿te costaron mucho?
Sí, tengo por ahí el guión y los esquemas y eran casi hacer una coreografía: “si aquí pongo a este y aquí al otro, no puedo porque se mezclan los bocadillos” y te obliga a hacer eso que no quiero, que es cambiar los guiones: “este no puede ser Cifré, lo tiene que decir Conti, pero entonces lo tiene que decir de otra manera”…Y tienes que cambiar el guión. Y precisamente no quería cambiar la escena…

Y, además, que no quede aburrido.
Sí, pero ese es un miedo que he ido perdiendo. Es lo que decíamos del tipo de público al que te diriges. Al principio pensaba en un público que lee género, que lee superhéroes. Si a ese público le intentas meter una historia de Dalí y de terror, tienes que intentar hacerlos atractivos con las herramientas que tienes. Y con el tiempo te das cuenta de que tu público es adulto, que está acostumbrado a leer todo tipo de cosas y no tienes que tener miedo a que se aburra o que haga un pequeño esfuerzo. Está claro que tienes que intentar que no se aburra, pero si tiene que hacer un esfuerzo lo hace, no es tonto. Es algo que no plantea un escritor o un director d cine.

Hay algo en la narrativa de tu obra que ha evolucionado espectacularmente: el color. Pasa de ser un puro aditamento, como en ese color de Aladino photoshopero (risas), a evolucionar a un color que forma parte de la narración, como en El invierno del dibujante, donde es parte fundamental. ¿Cómo vas llegando a ese uso del color?
Yo creo que, por ejemplo, en Hijos de la Alhambra es para hacer espectacular algunas cosas y para dar ambiente. Hacer un cómic, empezar de cero, es terrible, porque sabes que el próximo año de tu vida empiezas de cero y vas a estar mucho tiempo involucrado en un proyecto. Tienes que plantearte retos. Todo lo tiene: el dibujo, que tiene que estar mejor que el anterior… Pero con el color he intentado que cada vez sea diferente, que aporte a la historia. En aquellas primas historias, sin contar las pollas venosas y los coños húmedos, era que fuera lo más volumétrico posible. El juego lúgubre se publicó en blanco y negro inicialmente, pero al publicarlo en Francia debía ser en color. Pero estaba muy limitado porque no estaba pensado para ser color: tenía mucho negro, la línea de fondos era pesada y no se le podía dar profundidad. Con Hijos de la Alhambra ya pensé en el color, en un álbum a la francesa curradito… Una vez haces eso, el siguiente, sin contar El faro, es Arrugas donde ya intenté que los colores transmitan sensaciones, tristeza. Dentro de que todo es el mismo escenario, diferenciar. Con Las calles de arena intenté que los colores estuvieran implícitos en cada personaje y situación, que todo lo que sea en el hotel sea rojo y verde porque es muy opresivo y el rojo y el verde chirrían mucho. Todo es un reto y, en El invierno del dibujante el reto era que fuera parte de la narración. No tanto como dar ambiente como que tengamos muy claro en qué época estamos y qué sensaciones nos transmiten los protagonistas. De ahí el rosa, el amarillo o el gris. Cada álbum es diferente, así no te repites.

Con esa luz das sensaciones que te envuelven: la tópica frialdad o calidez de los colores afecta a la lectura
Sí, pero creo que es la característica del cómic: que puedes hacer tantas cosas. Todo el libro es parte de la historia que estás contando: desde la portada, desde el tamaño, el color, el papel… todo te apoya. El poder teñir las páginas de color…El cómic es el medio perfecto para hacerlo. No es lo mismo leer en papel cuché que en papel poroso o satinado…

Así como la etiqueta de “cine de autor” es discutible porque la autoría  es muy coral, la novela gráfica ha conseguido que la etiqueta de “cómic de autor” sea completamente cierta, porque tienes control absoluto de lo que haces, ¿no?
Sí, es jugar con el propio formato. Clowes o Ware lo hacen muy bien. Es una putada para el librero y el aficionado (risas), pero son esas cosas importantes. Este nuevo camino, lo que tú dices, de cómic de autor, tienes libertad absoluta. Pocas creaciones artísticas te dan la libertad que da la novela gráfica,

¿Qué crees que significará el paso al cómic digital?
Posiblemente volvamos a la esclavitud del formato, aunque también se está perdiendo en la novela gráfica. Es curioso que la novela gráfica haya luchado por una libertad de formatos, como Ware o Clowes, pero que ahora estemos yendo a un formato fijo que funciona muy bien, pero donde perdemos de nuevo esa libertad. El cómic digital perderá la doble página, que el autor la tiene en la cabeza, ya no sólo porque puedas hacer algo a doble página, sino por el ritmo: sabes que si vas a dar una sorpresa, cuándo se pasa la página. Ya no será lo mismo, pero ganaremos en otras, tendrá sus cosas buenas o malas. Lo bueno será el control, absoluto del color, que ahora no tenemos, hay demasiadas cosas que no controlamos desde que sale del ordenador y llega al lector. Y dará más difusión, espero que se abra el mercado en Hispanoamérica porque será muy fácil la distribución por todo el mundo. Veremos qué pasa con las malas, con los derechos de autor, etc. Yo creo de todas maneras que coexistirán todas las formas, como en el cine y el DVD: habrá gente que le gusta el cine porque le gusta esa sensación y otros que prefieren la tele. En el cómic será igual, que prefieran el libro por esas sensaciones y otros el digital porque ocupa menos o por lo que sea.

La obra está ya acabado. ¿Qué queda tras acabar una obra?
Para un autor tiene pocas cosas buenas. Bueno, si se vende bien y tiene buenas críticas es muy bonito, pero siempre que lo acabas y, con el tiempo, hay cosas que cambiarías. Yo creo que una de las razones de empezar un nuevo cómic es el desasosiego de no haber conseguido lo que querías hacer con el anterior. Te planteas muchas cosas, por los comentarios de la gente,“igual si hubiese hecho esto o hubiera incluido esto”, pero ya no se puede hacer nada. Esa sensación me queda con todas las cosas que haces y has hecho, que me gustaría cambiarlas. Es lo que hizo Hergé con sus tintines, el peligro de rehacerlos. Te entran ganas porque el punto de partida te emociona igual. La idea de El juego lúgubre, de ficcionar sobre la vida de Salvador Dalí y llevarlo hacia Drácula me sigue motivando, pero ahora lo trataría de una forma totalmente distinta. En lugar de centrarme en Dalí me centraría en Gala, con Dalí en un segundo plano. Que los personajes respiraran más, que el final no fuera tan obvio… En el caso de Arrugas también: después de un año y medio he aprendido mucho más sobre el Alzheimer y los familiares y ahora cambiaría mucho, aunque puedo aprovechar la película. Cuando acabas un álbum sientes esa espina clavada de “podía haberlo hecho mejor”.

¿Relees tu obra?
No me gusta. Lo hago nada más salir para ver si hay erratas. Cuando encuentras una te jode mogollón, porque piensas que los primeros que se compran tu álbum son tus mejores seguidores. Es curioso que todas las cosas que he hecho han tenido reediciones y en todas ha habido pequeños cambios. Erratas de texto, un diálogo que me chirriaba y lo cambié… Esa primera lectura es un infierno porque te sabe mal que los primeros lectores se coman la peor edición. Pero no los suelo releer habitualmente, a veces los ojeo, o cuando hay que enviar algo, o cuando se va a reeditar en otro sitio… La reedición es la ocasión de pulir y el cómic tiene algo que no tiene ningún medio, que es la capacidad de cambiar toda la historia cambiando sólo los diálogos. Cuando terminé El faro, pensé que le faltaba énfasis en algunas cosas y sólo cambiando los diálogos lo hice, es algo que tienes ahí para corregir con el tiempo. Creo que no hay ninguna edición igual a otra, es la oportunidad que tengo para arreglar cosas, pero nunca disfrutas, siempre ves los errores y piensas “está fatal dibujado”.

Cuando ves tu obra publicada en otros idiomas, ¿qué sientes?
Ahora por ejemplo saldrá Arrugas en Japón y tengo unas ganas alucinantes de verlo porque no sé cómo puede quedar, no sé si será en sentido  oriental u occidental. Hay cosas que entiendes menos, como el cambio de nombres. En Francia la traductora decidió cambiar nombres en Arrugas y suena raro. Me gusta por eso estar hablando con el traductor: por ejemplo, en Las calles de arena, los nombres tenían sentido en español y se pueden perder muchas juegos de palabras, pero en el caso italiano no han estado en contacto conmigo y no sé lo que entenderán los italianos.

Si a El invierno del dibujante le cambias los nombres para adaptarlo a Francia, con Goscinny, Charlier…¡Sería casi ciencia-ficción!
Jajajaja… Sí, tengo ganas de ver que pasa con otros países. Ahora sale en Italia, a ver cómo funciona. Se hablan de cosas muy conocidas aquí en España como las hermanas Gilda, etc, pero fuera no sé si se conocerán.

Necesitará un artículo de contextualización en ese caso.
Sí, para la italiana he propuesto que alguien de allí, un equivalente de Toni Guiral, lo explique desde el punto de vista de alguien que no conoce nada eso, que haga equivalencias en el tiempo, de obras y autores, etc., Aún así creo que en Italia son más abiertos, que Francia será más complicado. Es como si los japoneses hicieran un cómic sobre un cantautor de flamenco en japonés, en Francia el cómic lo entienden como algo suyo y puede que lo entiendan menos. Sin embargo, aquí es diferente, porque aceptamos un cómic como Blotch, que habla de autores franceses actuales de L’Association, de Fluide Glacial… Ahora en Angoulême veremos…

Te has convertido en un personaje mediático. ¿Cómo te sientes siendo el referente del cómic en España desde que ganaste el Premio Nacional? ¡Eres la cara del cómic español actual!
Es curioso, son cosas que no son muy lógicas. No se entiende muy bien porqué pasan estas cosas. Creo que los medios necesitan tener una cabeza visible: en el diseño todo el mundo conoce a Mariscal; en ilustración nadie sabe citar ilustradores pero conocen a Jordi Labanda… Creo que en el cómic ha pasado eso: de repente ha sido importante, ha tenido difusión y faltaba alguien para citar y, como Arrugas ha llegado a un público no habitual, era más fácil, Supongo que era más fácil citar a un autor que llega a un público más general que otros autores que son mucho mejores que yo, pero que hacen cosas más cerradas. Por eso quizás eres más mediático. Estoy encantado, pero es muy curioso, porque de repente empiezas a tener enemigos, por el simple hecho de ser Paco Roca. Vas viendo el proceso de tu trayectoria profesional y haces El Juego Lúgubre y tienes cinco críticas estupendas de que dicen que eres “prometedor”, etc y estás encantado. Llega Arrugas, es unánime, todo el mundo te trata bien,,, Con Las calles de arena ya hay gente que te dice otras cosas, pero lo más fuerte que te pueden decir es que les ha decepcionado. Y llega El invierno del dibujante, que en un mes vende 7000 ejemplares y encuentras críticas muy buenas y gente que, no sé porqué, me ataca. Es algo que nunca había tenido y que con El invierno del dibujante me empieza a ocurrir. Lo entiendo, lo que tú haces no tiene porqué gustarle a todo el mundo y solo te planteas hacer tu trabajo lo mejor posible. Supongo que debe ser por estar a la contra de lo que pasa… Es curioso, supongo que debe ser normal. E incluso es bueno que haya gente que esté en contra.

Es la fama Paco, la fama… (Risas)

 

 

 

 

23 enero 2012  4 Comments

Impepinable

L’Impepinable. Impepinable visita oigan.

23 enero 2012  Leave a comment

24 horas de la BD

Atentos el martes al ya tradicional 24 horas de la BD que se celebra con motivo del festival de Angoulême. Allí estarán, entre otros, Álvaro Ortiz, Alfonso Zapico, Álvaro Nofuentes, Ana Albares, Néstor F, FH Navarro, Lidia Sánchez, Mireia Pérez, Marc Torices o Pau Valls.

23 enero 2012  Leave a comment

No es país para cómics

No es país para cómics

22 enero 2012  5 Comments

Tebeos

Seis meses de trabajo después, por fin llega el momento…

21 enero 2012  8 Comments

LOS AUTORES DE LA ESCUELA JOSO CONQUISTAN FRANCIA

La Escuela Joso ha presentado esta mañana en el Instituto Francés de Barcelona la exposición Un puente hacia Angulema, que celebra 26 años de viajes ininterrumpidos de la Joso al Festival de la BD de Angulema, donde se muestra el estrecho vínculo generado entre el festival, la ciudad y la escuela. La exposición, surgida de una iniciativa conjunta entre la Asociación del FIBD (Festival Internacional de la BD) y la Escuela Joso, cuenta con la participación del Institut Ramon Llull, FICOMIC y de la CCI (Cámara de Comercio e Industria) de la ciudad de Angulema.

La exposición tiene más sesenta páginas originales de cómics de una veintena de alumnos y profesores de la Joso (Kenny Ruiz, Jordi Lafebre, Roger Ibáñez, Raule, Francis Porcel, o Mike Ratera, entre otros) publicadas en Francia en editoriales tan prestigiosas como Dupuis, Casterman, Glénat, Delcourt, Dargaud o Soleil. Con esta iniciativa se pretende subrayar la presencia activa de nuestros autores en el mercado del cómic francés, el más importante de Europa.

En la rueda de prensa realizada hoy, Yannick Rascouët, director del Instituto Francés de Barcelona, ha señalado que “la exposición Un puente hacia Angulema es un premio a la fidelidad de la Escuela Joso hacia el Festival de la BD de Angulema”. A lo que ha añadido que además se muestra la proyección del talento de los autores de la Escuela en Francia.

Según Josep Maria Polls, director de Estudios de la Escola Joso, “nuestra relación con Angulema surgió de forma involuntaria. Hace veintiséis años nos enteramos que en Francia se realizaba una feria de cómic muy importante y quisimos verla personalmente. Y cuando la vimos el impacto fue tan impresionante que desde entonces acudimos año tras año”. Polls concluyó que “lo que era una viaje para conocer otro tipo de ferias se transformó en una oportunidad para presentar el trabajo de nuestros alumnos en un mercado tan importante como es el francés”.

Carles Santamaria, secretario general de FICOMIC, afirmó que “se trata de una exposición que servirá para contextualizar el origen de muchos autores que son conocidos en Francia y explicar como han llegado allí. Uno los valores de la exposición es que surge desde la base, desde los profesionales de la industria del cómic como es en este caso la Escuela Joso”.

Por su parte, Àlex Susanna, director adjunto del Institut Ramon Llull, ha destacado que “se trata de un proyecto que celebra más de un cuarto de siglo de la promoción y difusión del cómic hecho en Cataluña en un mercado internacional tan importante como el francés”. No ha dudado en referirse a los autores de la Joso como “la Masía de nuestro cómic”.

La exposición Un puente hacia Angulema, que se inaugurará el próximo 27 de enero en el hall de la Cámara de Comercio de Angulema, nace con vocación itinerante y podrá verse por diferentes ciudades francesas a lo largo del presente año.

20 enero 2012  Leave a comment

Novedades de Glénat de febrero

Ya se puede consultar el PDF de novedades de febrero de Glénat (novedades en castellano y en catalán)

19 enero 2012  Leave a comment

Novedad de Luces de Galibo

(**)- Pessoa & Cia, de Laura. 48 págs. Color. PVP:20€

«Pessoa es el gran hipnotizador del siglo xx: leer un texto suyo, por mínimo que sea, le hace a uno entrar en un trance del que no podrá salir nunca. Desde entonces será, llámese como se llame, viva donde viva y se dedique a la actividad creativa a la que se dedique, otro heterónimo de Pessoa, otra de las líneas de fuga esbozadas por él para dibujar los planos de un universo que él no quería conocer sino rectificar. [...]
Laura Pérez Vernetti, por tanto, responsable de este libro extraordinario (un libro que es una delicadísima exhumación, un profundo homenaje y una sabia comprehensión natural del autor del Libro del desasosiego), es, también, un heterónimo de Fernando Pessoa, quizá el heterónimo que este más necesitaba para dar el salto definitivo al siglo xxi: el que le permite asomarse, con ojos y cuerpos dibujados pero no menos reales, a lo que vamos haciendo con su legado, es decir, a lo que vamos haciendo con un mundo que todavía necesita el tutelaje de uno de sus genios más incontestables para seguir teniendo sentido». [Del prólogo de Jesús Aguado]
Laura Pérez Vernetti empezó a publicar en 1981 en la revista El Víbora, junto a guionistas como Carlos Sampayo, J. M. Lo Duca, Felipe Hernández Cava y Antonio Altarriba. Su obra trata preferentemente los temas de la literatura adaptada a la historieta, el cómic experimental, el cómic erótico y los temas sociales y políticos. Ha adaptado al cómic a escritores como Maupassant, De Quincey, C. G. Jung, Kafka…
El álbum 11-M, once miradas (2005, Edicions de Ponent), sobre el atentado en Madrid, donde Laura publicó la historieta “Centelleante universo”, con guión de Felipe H. Cava, recibió en Roma el premio Yellow Kid 2005 por el valor de este libro en la investigación de nuevas vías en la narración gráfica.
Laura ha publicado y expuesto sus ilustraciones y cómics en España, Italia, Alemania, Francia, Inglaterra, Suecia, Portugal, Argentina, México y Suiza, en diarios, revistas y editoriales como El País, La Vanguardia, El Periódico, La Jornada (México), El Víbora, Medios Revueltos, Medio Muertos, El Ojo Clínico, Nosotros Somos los Muertos, Reporteros sin Fronteras, Ikusager, Marie Claire (Italia), Dominique Leroy (Francia), Glamour (Italia), Bagatelle (Francia), Quadrado (Portugal), Pox (Suecia), Lápiz Japonés (Argentina), Amok (Francia), Edicions de Ponent, Astiberri, Dibbuks, Assirio & Alvim (Portugal), Grrrzetic (Italia), Inguine Magazine (Italia), Konkursbuch (Alemania)…

19 enero 2012  Leave a comment

La bande dessinée espagnole: un contexte européen

El 30 de enero, a las 19:00h, el centro Pompidou de París acogerá la mesa redonda La bande dessinée espagnole: un contexte européen, con la participación de Juanjo Guarnido, Max y Sonia Pulido. El encuentro estará dirigido por el periodista Christian Marmonnier

19 enero 2012  Leave a comment

Novedad de Amaníaco

- Amaníaco #19 Especial fin del mundo Revista de humor trimestral VV.AA. 64 páginas + cubiertas (color y B/N), 24 x 16,8 cms, encuadernación rústica PVP: 6 euros


Aprovechando que los más agoreros pronostican que este año será el último, acaba de llegar también a las librerías de cómic el último número de Amaníaco, un especial fin del mundo, no sea que luego esto se acabe y ya no tengamos tiempo de sacarlo.

Como siempre, en las 64 páginas interiores de la revista podrás encontrar nuevas páginas de La Amparo contratada, Trasnochados, Cirilo, Las historias del Bar Tolo, Don Claroquesí, Secretos Arcanos, Candoroso ciudadano voluntarioso, Fargons & Gorgons, Eddy Tor, Doble Cero, la delirante serie de Vicente Montalbá, autor de la apocalíptica portada de esta entrega, o los Drift Boys.

Estrenamos una nueva serie: Los Peketrefes, de Maribel Carod. Y nuevas aventuras de El capitán Vallecas de Pepe Macías y Javier Monsalvett, las desternillantes aventuras de Súper Bobo de Tamayo, más tiras de Picapolla y Chocholoco y también de El niño que ama la crema de espárragos.

Y con las colaboraciones de Ozeluí, Gras, José Orcajo, López Rubiño, Fer, Víctor Araque, Jan, Enrique Bonet, L’Avi, Yayu o Ricard Soler.

Como siempre apostamos por entretener y por el humor… el buen humor.

Corre, que no se acabe el mundo y te quedes sin tu ejemplar de Amaníaco. ¡Búscalo ya en tu librería de cómics!

Más información sobre este número en:

http://www.amaniaco.com/noticias/amaniaco-especial-fin-del-mundo.html

19 enero 2012  Leave a comment

Novedad de Cátedra

(**)- Antes de la novela gráfica: Clásicos del cómic en la prensa norteamericana, de José Manuel Trabado. Colección: Signo e imagen. 13,5 x 21 cm. 288 Páginas Rústica Hilo PVP: 15,00


Índice
Introducción. El efecto novela gráfica y la recuperación de los clásicos.
Primera parte. Arquitecturas narradas. Gramáticas dibujadas.
Capítulo I. Little Nemo o cómo soñar la realidad;
Capítulo II. Más allá de la viñeta. El espacio ágora en «Gasoline Alley», de Frank King;
Capítulo III. Variaciones sobre un tema. Minimalismos líricos o el blues de Krazy;
Capítulo IV. Tras los ojos del asesino: Spirit y el género negro.
Segunda parte. Más allá del entretenimiento. Fórmulas de legitimación del cómic.
Capítulo V. Metalenguajes del cómic;
Capítulo VI. Narración gráfica vs. narración literaria.
Tercera parte. Arqueologías de la novela gráfica.
Capítulo VII. Mauschwitz o Nemo en el World Trade Center;
Capítulo VIII. Nostalgias de un coleccionista de cómics;
Capítulo IX. La formación del artista. Autorretratos con «cartoon» al fondo.
Bibliografía.

Contenido
Grandes autores de la novela grá­fica actual como Art Spiegelman, Chris Ware, Eddie Campbell o Seth han reclamado la importancia de aquellas páginas publicadas en la prensa en las primeras décadas del siglo XX. Winsor McCay, Frank King, George Herriman o Will Eisner no sólo fueron pioneros en la exploración de un lenguaje que estaba buscando su identidad, sino que, además, gozaron de la aprobación popular. Aquellas historias, devoradas con fruición por miles de personas, fueron también una vanguardia que sigue siendo la inspiración de los creadores más arriesgados. Es hora de abordar sus secretos gráficos y sus lo­gros estéticos.

19 enero 2012  4 Comments

Cine y viñetas en Caixa Forum de Madrid

El martes 14 de febrero el Caixa Forum de Madrid acoge las charlas y proyecciones La línea de fuga: Corto Maltés y la aventura y El sueño y la historia: el espejo de las viñetas. Más información en la web de Caixa Fòrum

19 enero 2012  2 Comments

Colibrí 4

Atentos, muy atentos, a Colibrí 4:

Uno de los mejores fanzines actuales, que incorpora color a sus páginas para dar cabida a un plantel de verdadero lujo: Alexis Nolla, Cristina Daura, Clara Tanit, Martin Romero, Jessica Boston, Chema Peral, Aisha Franz, Judit Armengol, Broadley, Albert Aromir, Martin Ernstsen, Elisa Riera, Sergi Puyol, Felipe Almendros y Clara Artigas.
Se pueden ver imágenes de números anteriores en su tumblr

18 enero 2012  3 Comments

Presentación de Colibrí 4

El jueves 19, a partir de las 21.30h, se presenta la cuarta entrega del fanzine Colibrí. Será en el bar Heliogábal de Barcelona.

[Nota de prensa]
Hemos vuelto a tener la suerte de contar con participaciones de lujo. Por primera vez el fanzine es en color y con traducciones al inglés a pie de página. Los participantes:
Alexis Nolla
Cristina Daura
Clara Tanit
Martin Romero
Jessica Boston
Chema Peral
Aisha Franz
Judit Armengol
John Broadley
Albert Aromir
Martin Ernstsen
Elisa Riera
Sergi Puyol
Felipe Almenros
Clara Artigas

Para la ocasión tocarán SON BOU y NORMAN BAMBI.

SON BOU es un grupo nuevo. El de Rosa (de Sam & Cooke) y Sergi (Le Pianc, Viva Ben-Hur). Sólo guitarra y bateria. Twee pop y garaje. Supongo que tenéis curiosidad ya que SE ESTRENAN mañana.

NORMAN BAMBI: es Luc, francés afincado desde hace poco en Barcelona que tiene mil hits divertidísimos. Además tiene un LP compartido con INTERNET 2 buenísimo. Es su primer concierto desde que está en Barcelona.

SHAMY DJ: Shamy es Andrea, la novia de Luc Bambi. Pondrá música entre conciertos y también luego.
A los 15 primeros se les regalará un CD-R con algunos de los hits que pondrá.

Los 30 PRIMEROS que lleguen a la fiesta tendrán de regalo un mini fanzine que le editamos a MARÇAL FORÉS con una historia corta. Numerados y firmados. Marçal un dia estrenará la peli de ANIMALS i el fanzine lo podréis vender por lo menos por 500€ aunque sea fotocopiado.

FANZINE COLIBRÍ #4 + SON BOU + NORMAN BAMBI + CD-R + MINIFANZINE = 6€

¡Os esperamos a todos en el Heliogábal! ¡Venid!

18 enero 2012  3 Comments

Brieva

Miguel Brieva responde a las preguntas de Sonaste Maneco

18 enero 2012  Leave a comment

Valiente en Oporto

Atentos a los que se puedan pasar por Oporto en Marzo: dentro de las actividades del MAB – Festival Internacional de Multimédia, Artes e Banda Desenhada hay prevista una exposición dedicada a los 75 años de Príncipe Valiente comisariada nada más y nada menos que por Manuel Caldas.

17 enero 2012  1 Comment

Novedades de Dolmen

- Dolmen #197 Varios autores Revista. 68 págs. Color. 2,99 euros.
Ezequiel Himes: Zombie Hunter, de Víctor Santos y Alberto Hernández Cartoné. Bitono. 72 páginas. 15,95 euros.
(*)- La Mansión de los Susurros, de Javi Montes y Tirso Cons. Cartoné. Color. 144 páginas. 24 euros
- Los Muertos Revivientes #5: El club de los tarugos muertos, de José Miguel Fonollosa Comic-book. 36 páginas. 3,50 euros
(*)- LA EXPLOSIÓN MARVEL: HISTORIA DE MARVEL EN LOS 70 (Colección Pretextos Dolmen nº 18), de José Joaquín Rodríguez Libro. 280 páginas. B/N. 18 euros.



- Dolmen #197 Varios autores Revista. 68 págs. Color. 2,99 euros.
Ezequiel Himes: Zombie Hunter, de Víctor Santos y Alberto Hernández Cartoné. Bitono. 72 páginas. 15,95 euros.
El popular creador Víctor Santos, como ya sucediera con Silhouette, sigue centrado en la realización de guiones para otros talentos nacionales, en este caso para el dibujante canario Alberto Hernández, que en este caso se unen para realizar el volumen autoconclusivo Ezequiel Himes: Zombi Hunter.
Ezequiel Himes sobrevive en un mundo lárgamente dominado ya por los zombis, unos muertos vivientes organizados en una estructura piramidal que encabezan los denominados “los padres”, y en la que el ser humano no es si no la base de la cadena alimenticia. A medio camino entre el thriller de acción postapocalíptico y el universo zombi tan de moda en estos últimos años, nos llega esta obra trepidante, con personajes altamente carismáticos, que está llamada, sin duda, a ser una de las más gratas sorpresas del 2012.

(*)- La Mansión de los Susurros, de Javi Montes y Tirso Cons. Cartoné. Color. 144 páginas. 24 euros
Una nueva muestra del talento español triunfando fuera de nuestras fronteras es este volumen integral de La Mansión de los Susurros, que recopila los tres volumenes originales que integraron esta saga en su edición original en Francia por parte de Delcourt, una obra escrita por David Muñoz (Miedo o Rayos y Centellas en cómic, El Espinazo del diablo o Lena en cine, por citar unas pocas), extraordinariamente dibujada por Tirso Cons (El ojo del Diablo) y coloreada con mucha personalidad por Javi Montes, que de momento ya ha sido aplaudida en países como Italia, Alemania o Estados Unidos, entre otros. Este volumen recoge, además, interesantes extras que complementan a la perfección la lectura de esta obra, uno de los best seller de su editorial los pasados años.
La Mansión de los Susurros nos cuenta la historia de un grupo de niños huérfanos, que comparten estancia en un misterioso caserón y a los que rodea un secreto, un secreto que a medida que se va desvelando nos arrastrará a una historia llena de sectas secretas, vampiros, hombres lobo y otros seres, siempre al servicio de una historia muy cinematográfica, repleta de acción y sorpresas.

- Los Muertos Revivientes #5: El club de los tarugos muertos, de José Miguel Fonollosa Comic-book. 36 páginas. 3,50 euros
Con esta quinta entrega se cierra el primer arco argumental de LOS MUERTOS REVIVIENTES, una parodia escrita y dibujada por JOSÉ FONOLLOSA (Miau, El viaje de Darwin, etc…) en la que partiendo de la serie de televisión y el cómic de Los Muertos Vivientes, el autor ha acabado diseccionando en clave de humor todo el fenómeno zombi, y en la que ha sabido añadir gags de todo tipo con el amplio elenco de personajes que tenía entre las manos.
(*)- LA EXPLOSIÓN MARVEL: HISTORIA DE MARVEL EN LOS 70 (Colección Pretextos Dolmen nº 18), de José Joaquín Rodríguez Libro. 280 páginas. B/N. 18 euros.
Todo cambió en 1968. Aquel fue el año de la explosión de Marvel Comics: una explosión de títulos, de nuevos personajes y de nuevos autores. En poco más de una década, Marvel había revolucionado una vez más el mundo del cómic y se había convertido en la editorial más importante del sector. Ésta es la historia de aquellos años.
Es la historia de sus personajes, de los nuevos héroes como Estela Plateada, Capitán Marvel, ROM, Luke Cage, Puño de Hierro, Howard el Pato, Hombre Cosa, Shang Chi, Caballero Luna, los Defensores, los nuevos X-Men o los Micronautas; pero también de temibles villanos como Drácula, Korvac, Fénix Oscura, el Imperio Secreto o la Corona Serpiente.
Es la historia de sus autores, de jóvenes guionistas como Roy Thomas, Len Wein, Marv Wolfman, Archie Goodwin, Jim Shooter, Steve Englehart, Steve Gerber, Doug Moench, Bill Mantlo o Chris Claremont; y de jóvenes dibujantes como Neal Adams, Jim Steranko, Herb Trimpe, John Brunner, Paul Gulacy, John Byrne o Frank Miller.
En estas páginas se cuentan aquellos años caóticos pero llenos de creatividad: cómo se trabajaba y vivía en las oficinas de Marvel, el origen de sus sagas y personajes más importantes, las disputas entre los autores y la editorial, la razón por la que Marvel prosperó mientras otras muchas editoriales iban cayendo en el olvido y el papel que los aficionados jugaron en aquellos años.
José Joaquín Rodríguez Moreno (Cádiz) es licenciado en Historia y posgraduado en Estudios Hispánicos y Género. Su ámbito de estudio es el cómic estadounidense, sobre el que ha publicado en diversas revistas científicas y divulgativas como Dolmen, Investigaciones Históricas, Revista de Historia Ubi Sunt?, Revista de Literatura, Tebeosfera y Trocadero. En 2008 guionizó el cómic Don Juan Tenorio y Halloween, un año después fue comisario de la exposición La violencia de género en el mundo del cómic y en 2010 publicó su primera monografía, Los cómics de la Segunda Guerra Mundial. Otros libros de historia en los que ha participado son Marginados, Disidentes y Olvidados en la Historia (2009) y Los animales en la Historia y la Cultura (2011), que coordinó junto a los historiadores Santiago Moreno Tello y Arturo Morgado García respectivamente. Actualmente compagina su trabajo como asesor histórico y corrector de estilo con la coordinación del Programa Tebeoteca de la Universidad de Cádiz, un proyecto pionero en Andalucía para integrar la historieta en el mundo universitario, y que ha dado como resultado la revista de investigación sobre el mundo del cómic Historietas.

16 enero 2012  1 Comment

Raule

Entrevista a Raule

16 enero 2012  Leave a comment

Club de lectura IDECOMIC

El próximo miércoles 18 de enero de 2012, a las 19:30 h, se inician en Picnic (C/ Minas 1, Madrid) las actividades del CLUB de LECTURA de NOVELA GRAFICA, una iniciativa impulsada por IDECómic (Instituto para la Divulgación y Estudio del Cómic y la Ilustración). Toda la información, aquí.

16 enero 2012  Leave a comment

Mesa redonda sobre humor en Cádiz

El próximo viernes 20, a las 18:30, en Colophon (Plaza Jesús Nazareno, 13, local) MESA REDONDA SOBRE HUMOR GRAFICO (GADITANO). Invitados: Mel (El Jueves; Diario de Cádiz…), Isaac Casanova & Julio Videras (La Guarida de Leviatan; Ella siempre me quiso por mi cerebro) y Francisco (Diario de Cádiz; El Conciso)
Moderador: José Luis Vidal

16 enero 2012  Leave a comment

Novedad de El Patito Editorial

- Engurras, de Paco Roca 17 x 24 cm 114 páxinas a cor Encadernación cartoné Prezo 15 euros

O recoñecido debuxante Paco Roca (Valencia, 1969)
consegue artellar en Engurras unha narración baseada
na humanidade dos personaxes, de aí que poida interesar
a lectores de calquera idade malia falar da dexeneración
senil e do alzhéimer. Emilio, un antigo empregado da
banca, é internado pola súa familia nunha residencia de
anciáns e aos poucos vai aceptando ese novo domicilio,
as súas regras e as rutinas diarias. Mais a súa memoria
comeza a se borrar, por moito que tente contrarrestar ou
agochar os efectos da enfermidade. Engurras conta con
precisión e dende unha ollada intimista non exenta de
dureza esa batalla contra a vellez, ata que as súas
páxinas se volven pouca a pouco brancas. Unha
conmovedora historia, que mereceu o Premio Nacional
de Cómic en 2008 e que conta xa con adaptación ao
cinema. Recomendado para os amantes da historieta
con corazón.

16 enero 2012  Leave a comment

Novedades de sinsentido de febrero

Ya se puede consultar el PDF de novedades de sins entido de febrero. Atentos al Wimbledon Green de Seth y al corrosivo Teoría del arte versus la señora Goldgruber de Nicolas Mahler.

16 enero 2012  Leave a comment

Próximas novedades de La Cúpula

(*)- Otra puta novela gráfica, de Jorge de Juan 116 páginas blanco y negro 17 x 24 rústica P.V.P.: 14,00 €
(*)- Reencuentrom de ascal Girard 116 páginas blanco y negro 17 x 24 rústica P.V.P.: 16,00 €
(**)- Casi Completo, de Joost Swarte 152 páginas color 17 x 24 cartoné P.V.P.: 25,00 €


- Otra puta novela gráfica, de Jorge de Juan 116 páginas blanco y negro 17 x 24 rústica P.V.P.: 14,00 €
Gus Pena es un mediocre dibujante de cómics que recibe un ultimátum de su editor: su única oportunidad de triunfar en el mundo del cómic es adaptarse al formato de moda, y hacer UNA NOVELA GRÁFICA.
Totalmente agobiado y superado por la responsabilidad de tener que hacer ?algo serio?, cuenta sólo con una semana para dar con un buen drama social que le sirva como argumento.
Desesperado, intentará recurrir a personas en teoría desfavorecidas socialmente, con la esperanza de encontrar la inspiración: una hermana lesbiana y alcohólica, un anciano con demencia senil, un antiguo compañero de escuela sudamericano, un amigo yonki de la infancia… Y así, uno tras otro, irá desfilando ante él una serie de personajes cuyas lamentables vidas deberían proporcionarle la desgarradora historia que toda buena novela gráfica que se precie necesita…
Sin embargo, Gus nunca ha tenido demasiada suerte en la vida, y aunque se las promete muy felices… ¡¡¡si te llamas Gus Pena nada puede salirte todo lo bien que cabría esperar!!!


- Reencuentrom de ascal Girard 116 páginas blanco y negro 17 x 24 rústica P.V.P.: 16,00 €
Pascal lleva una vida tranquila en Québec hasta que recibe una invitación para una fiesta de reencuentro con sus antiguos compañeros de secundaria, a los que hace más de diez años que no ve. ¡La ansiedad va en aumento! Se siente viejo y gordo, lejos de la imagen de éxito que le gustaría proyectar ante sus antiguos compañeros y, sobre todo, ante Lucie Côté, de la que estuvo secretamente enamorado. Ejercicio, dieta, nuevo vestuario, Pascal lo da todo para estar a la altura. Pero cuando llega el gran día parece estar sujeto a una maldición…

- Casi Completo, de Joost Swarte 152 páginas color 17 x 24 cartoné P.V.P.: 25,00 €
Recopilación de historietas desde sus primeras colaboraciones en “Tante Leny Presenteer”, su libro “Modern Art”, sus colaboraciones en “A Suivre”, sus páginas para “Raw” y algunas historietas sueltas.

16 enero 2012  Leave a comment

Las dificultades del tebeo en el aula

Las dificultades del tebeo en el aula

15 enero 2012  Leave a comment

Max en la Universidad de Cádiz

El próximo jueves 19 de enero, a las 19:15h, el ciclo Presencias Literarias origanizado por la Universidad de Cádiz contará con la presencia de Max. La charla será en la Sala Argüelles (Edificio Constitución 1812) del Campus de Cádiz y será presentada por Paco Cerrejón.

15 enero 2012  Leave a comment

Chester Brown

The Watcher traduce una larga entrevista a Chester Brown

14 enero 2012  Leave a comment

Adiós a Kalikatres

Ha fallecido Kalikatres, uno de los grandes de La Codorniz. Descanse en paz.

14 enero 2012  4 Comments

30 años de oscuridad

30 años de oscuridad, la “novela gráfica-documental”

14 enero 2012  Leave a comment

Los problemas de Jijé, Franquin y Morris

Parece que la próxima edición de Gringos Locos, un álbum de Yann y Schwartz editado por Dupuis que recuerda el viaje que Jijé, Morris y Franquin hicieron por los EE.UU. en los años 50, tiene serios problemas. Lo que en principio era sólo un retraso en la edición podría ser realmente la retirada y destrucción definitvia de toda la tirada, aparentemente por desaveniencias con los herederos de Jijé… (gracias por el aviso, Pepe)

12 enero 2012  6 Comments

Premios

De todas las noticias de la nueva edición del Salón del Cómic de Barcelona destaca sobre todo, a mi entender, la muy esperada y demandada reformulación de los premios del Salón. Durante años, el Salón ha arrastrado unas categorías ya caducas en la forma de entender la historieta, que se han ido engordando sin funcionalidades, objetivos o definición clara. Empezando por el Gran Premio del Salón, que abandona su oscurantismo anterior para tener un unívoco fin: reconocer una dilatada trayectoria profesional por parte de los gremios afines a la historieta. Importante también dejar por fin las divisiones artificiales a dibujo, guión, etc, que podían hacer caer los premios del Salón en ese absurdo que son los Eisner y Harvey, con decenas de categorías que atomizan su importancia. Un sólo premio y, además, muy bien dotado económicamente, que coloca al premio del Salón a la altura de los premios más importantes del Noveno Arte. Un premio a la mejor obra extranjera, que tiene una finalidad promocional de cara a librerías y editoriales, igual que el premio del público a la mejor obra y, creo, un gran acierto al mantener el premio al mejor fanzine, como expresión clara del futuro de la historieta.
Es verdad que se podrían haber puesto muchas más categorías, que muchas que se han perdido eran reivindcaciones antiguas de diferentes colectivos de la historieta (librerías, divulgación…), pero lo lógico es lo que ha hecho Ficomic. Y ahora, si hace faltar premiar a un autor revelación, una librería, a un divulgador, al dibujo, al guión o a la mejor labor editorial, deberían ser otras instituciones las que propusiesen esos premios, que se podrían dar simultáneamente en la misma ceremonia de entrega de premios del Salón de Barcelona. La Asociación de Críticos podría dar el premio a la mejor labor de divulgación (al que propongo desde ya el nombre de “Premio Juanjo Sarto”); la asociación de librerías podría hacer lo propio con las tiendas; la de editores reconocer la excelencia editorial de sus compañeros; la FADIP por ejemplo dar el premio al mejor dibujo o al autor revelación… Y, por qué no, que estas mismas instituciones negociaran con mecenas privados (ahora que parece que va a ser lo que se llevará) para conseguir que estos premios tengan dotaciones económicas.
El camino iniciado por Ficomic es el correcto para que los premios de Barcelona tengan importancia y reconocimiento real. No estaría de más indicar también los listados de votantes con “voz” en estos premios, enterrando de una vez todas las dudas que muchas veces se lanzan sobre ese famoso listado. Sinceramente, no creo que ese listado esconda ninguna sorpresa: autores, libreros, críticos, editores, distribuidores…gente con nombre y apellidos que forman parte de esta profesión y que, creo, tienen derecho a votar como parte de este gran gremio de la historieta.

12 enero 2012  10 Comments

Arranca el XXX Salón del Cómic de Barcelona

[Nota de prensa]
LOS ROBOTS INVADIRÁN EL 30 SALÓN DEL CÓMIC DE BARCELONA
El certamen contará con grandes autores venidos de todo el mundo

El 30 Salón Internacional del Cómic de Barcelona ha anunciado hoy un avance de su programa en un acto celebrado en la Universitat Politècnica de Catalunya, que este año tendrá un carácter cultural, lúdico y científico con motivo de la exposición Los robots en su tinta.

El certamen, organizado por FICOMIC que tendrá lugar del 3 al 6 de mayo en Fira de Barcelona, aprovecha su aniversario para montar “la edición más espectacular de su historia”, tal como ha señalado el director del certamen, Carles Santamaria. No en vano, durante los días del certamen, se intentará reunir al mayor número de robots autónomos y humanoides que se han concentrado nunca en España, puesto que uno de los ejes temáticos de esta edición es de la relación entre los robots y el mundo del cómic y la cultura popular.

La exposición Robots en su tinta, comisariada por el profesor de la UPC Jordi Ojeda, tratará no sólo de reflejar “de qué manera el cómic ha intentado explicar el mundo de los robots”, en palabras del propio Ojeda, sino también “fomentar el interés científico entre los jóvenes” y dejar claro que “la robótica va a ser el ocio del futuro”. Para todo ello, contará no sólo con la exposición central, sino con diversas exhibiciones en vivo en las que los visitantes podrán interactuar con robots reales.

“La robótica forma parte del imaginario colectivo de la ficción y puesto que aquí contamos con un instituto de robótica pionero nos pareció una buena idea dedicar esta edición de aniversario a los robots, y poder contar con el rigor que nos daba la UPC”. En la muestra colabora el Instituto de Robótica Industrial, IRI (CSIC-UPC). Alberto Sanfeliu, su director y catedrático de la UPC, indicó que “la robótica va a tener un gran impacto en esta década” hasta el punto de que podría “crear un nuevo modelo socioeconómico”. El Salón va a realizar una doble tarea de divulgación entre el gran público y de creación de vocaciones científicas.

Entre las novedades del Salón, Carles Santamaria explicó la redefinición de los premios del Salón “reduciendo el número de categorías y creando dos premios con una gran dotación económica para promocionar a nuestros autores y editores”. Los galardones del Gran Premio del Salón en reconocimiento a la trayectoria profesional de un autor español y el de mejor obra de autor nacional tendrán cada uno 10.000 euros de dotación. Además, para celebrar el aniversario del Salón todos los nacidos en 1982, o sea que cumplen este año los 30, tendrán la entrada gratuita.

Respecto al programa provisional ha explicado que se dedicará una exposición a los 50 años de vida Spiderman, uno de los superhéroes más populares del mundo. También se dedicarán muestras a los ganadores de los premios de la pasada edición, como la de Jordi Longarón Gran Premio del Salón del Cómic 2011 cuyo nombre va asociado a la popular serie Hazañas Bélicas; Juanjo Guarnido, dibujante de Blacksad; o Paco Roca, que obtuvo los premios a Mejor Obra y Mejor Guión con El invierno del dibujante y que además es autor del original cartel de este año.

Roca aseguró que el cartel, en el que puede verse a un dibujante y a un lector compartiendo el mismo cómic, “pretende mostrar las dos caras de la misma hoja, el dibujante y el lector. No existe el uno sin el otro y el lugar en el que se encuentran es precisamente el Salón”, dijo. Este reconocido autor recordó la época en la que él mismo era “aún un lector” e iba “al Salón a conocer a los autores que admiraba”. Para señalar a continuación que “ahora es una buena oportunidad para conocer a aquellos que me leen”. Roca protagonizó una de los momentos divertidos del acto al descubrir con la ayuda de la robot Tibi el cartel del certamen. Paco Roca está de plena actualidad por la nominación a los premios Goya de la película de animación Arrugas basada en su comic.

Por su parte, el presidente del Gremi d’Editors de Catalunya y de FICOMIC, Xavier Mallafré, aseguró que el Salón sigue gozando de “buena salud” y en ese sentido, de “una vitalidad, una fuerza y una proyección exterior envidiables”. Además, afirmó que “el cómic es un medio indispensable para generar nuevos lectores”. Pere Mayans, representante del Departamento de Enseñanza de la Generalitat de Catalunya, coincidió con Mallafré en apuntar que el cómic “puede ayudar a mejorar los resultados escolares de nuestros alumnos”, puesto que “aporta más de una manera de leer”. Añadió que “este es el quinto año consecutivo que colaboramos con el Salón del Cómic y estamos muy contentos con esta relación porque consideramos el cómic una herramienta pedagógica muy importante”.

La lista provisional de invitados extranjeros incluye a reconocidos autores como Go Nagai, creador de Mazinger Z; Milo Manara, uno de los maestros del cómic europeo; Guy Delisle, autor de novelas gráficas como Pyongyang y Crónicas de Jerusalén; y Sergio Aragonés, un clásico de la revista MAD. Destacados autores de la revolución de los superhéroes de DC estarán presentes como Paul Cornell, guionista de Doctor Who y de la nueva serie de Action Comics; Rags Morales, dibujante de Action Comics; y Scott Snyder, guionista de las nuevas series de Batman y La Cosa del Pantano.

El Salón cuenta con el apoyo de la Generalitat de Catalunya, Ayuntamiento de Barcelona y Ministerio de Educación, Cultura y Deportes. Además este año el certamen retoma la colaboración con el Instituto Francés de Barcelona. El Salón se celebrará en el palacio número 8 del recinto de Fira de Barcelona, donde ocupará 19.000 metros cuadrados. Este es el octavo año consecutivo que tiene lugar en Fira de Barcelona.

Os recordamos que está abierto el periodo de solicitud de acreditaciones para el Salón del Cómic. Éste finalizará el lunes 23 de abril, fecha a partir de la cual no se tramitarán más pases. Para solicitar las acreditaciones es necesario facilitar todos los datos del medio, así como la cobertura realizada durante el año anterior. En caso de ser el primer año al que se acude al Salón es necesario enviar algún trabajo publicado recientemente relacionado con el cómic o la cultura. Esperamos contar con tu asistencia. Para cualquier aclaración no dudes en ponerte en contacto con nosotros o consultar nuestra web www.ficomic.com. Muchas gracias por tu atención.

El Dossier del salón:

INTRODUCCIÓN GENERAL
30 SALÓN INTERNACIONAL DEL CÓMIC DE BARCELONA
El Salón Internacional del Cómic de Barcelona, consolidado ya como una de las citas mundiales más importantes del sector, celebra este año su 30 edición del 3 al 6 de mayo en el Palacio 8 de Fira de Barcelona Montjuïc. El certamen organizado por FICOMIC aprovechará su aniversario para presentar un atractivo programa de exposiciones, contar con la participación de destacadísimos autores de cómic nacionales e internacionales y numerosas actividades culturales y lúdicas.
Uno de los ejes temáticos del 30 Salón versará sobre la relación de los robots con el cómic, el cine y la literatura. Robots en su tinta es el título de una gran exposición que pretende hacer un recorrido de la ficción a la realidad, donde los visitantes podrán interactuar con robots reales. Para dicha actividad el Salón cuenta con la colaboración y asesoramiento de la Universitat Politècnica de Catalunya. BarcelonaTech (UPC).
El avance del programa cuenta con exposiciones dedicadas a los ganadores de los premios de la pasada edición del Salón, como la del Gran Premio del Salón del Cómic 2011 Jordi Longarón o Paco Roca que ganó los premios a la Mejor Obra y Mejor Guión del pasado Salón del Cómic con El invierno del dibujante. Con motivo de la celebración del 50 aniversario de la creación de Spiderman se realizará una muestra dedicada a este popular superhéroe.
La lista provisional de invitados extranjeros incluye reconocidos autores como Go Nagai, uno de los autores más populares del manga por ser el creador de Mazinger Z; Milo Manara, uno de los grandes maestros del cómic europeo; Guy Delisle, renombrado autor de obras como Pyongyang y Crónicas Birmanas; el británico Paul Cornell, guionista en la serie Doctor Who y responsable de la nueva serie de Action Comics; Scott Snyder, guionista de las nuevas series de Batman y La Cosa del Pantano; Rags Morales, el aclamado dibujante de Crisis de Identidad y del relanzamiento de Action Comics. Y no podemos olvidarnos del brillante Sergio Aragonés, artífice del éxito de la revista MAD y de la creación del bárbaro más divertido de los cómics: Groo the Wanderer.
El Salón, que se celebrará del 3 al 6 de mayo de 2012, cuenta con el apoyo de la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona y el Ministerio de Educación, Cultura y Deportes. El encuentro se ubicará en el palacio número 8 del recinto de Fira de Barcelona, donde ocupará unos 19.000 metros cuadrados. Éste es el octavo año consecutivo en el que el Salón se celebra en Fira de Barcelona.
El Salón mantiene un año más, y ya van siete, los precios de las entradas al público. La entrada general cuesta 6 euros. La entrada de descuento es de 4 euros y de ella se podrán beneficiar los titulares del Carnet Jove y aquellos con carnet de cualquier biblioteca pública de Catalunya. La entrada para grupo escolar es de 2 euros por alumno. Además, este año para celebrar el aniversario del Salón, todos los nacidos en 1982, y que por tanto cumplan 30 años en 2012, tendrán una entrada gratuita.
LISTA PROVISIONAL DE INVITADOS
Gô Nagai (Wajima, prefectura de Ishikawa, Japón. 1945)
Inicia su carrera en el mundo del manga en 1965, con la colaboración de Shotaro Ishinomori. Es en 1967 cuando crea Meakashi Porikiki, su primer manga. Al año siguiente debuta con Gakuen Harenchi (La escuela indecente, revista Shōnen Jump de Shueisha). Desde entonces ha trabajado en una amplia gama de géneros. En la actualidad trabaja en la serie Gekiman para la revista Goraku (editado por Nihon Bungeisha). Entre sus trabajos más representativos destacan Meakashi Porikiki, Devilman, Mazinger Z, Violence Jack o Cutie Honey, entre otros. En el 2005 comenzó a dar clases de Arte y Diseño en la Universidad de Osaka. En 2009, el Go Nagai Memorial Hall se inauguró en Wajima, en Ishikawa, lugar de nacimiento del autor.
Guy Delisle (Quebec, Canadá. 1966)
Una vez culminados sus estudios de artes plásticas en Sainte-Foy y en Toronto comienza a trabajar en 1986 en el estudio CinéGroup en Montreal. Tras cerrarse el estudio un año después, Delisle emprende un largo periplo por Europa. Trabaja durante seis meses en Múnich y, posteriormente en Berlín, Valence y, finalmente, Montpellier, localidad en la que reside desde 1991. En 1993 enseñó animación en la isla de La Reunión y en 1994 realizó un cortometraje para niños titulado Trois petits chats. Su primer libro fue publicado por L’Association en 1996. Astiberri ha publicado sus obras Cómo no hacer nada, Shenzhen, Pyongyang y Crónicas Birmanas, nominada para el premio de los álbumes “esenciales” del Festival de Angulema 2008. Su última obra es Crónicas de Jerusalén, una crónica dibujada del año que pasó en esta conflictiva zona de Próximo Oriente. Su página web oficial es www.guydelisle.com. Guy Delisle viene al Salón en colaboración con Astiberri.
Milo Manara (Bolzano, Italia. 1945)
Se interesó por el cómic cuando rondaba los 20 años, gracias al vanguardismo presente en obras como Barbarella y Jodelle. En una primera etapa, a principios de los setenta, en su producción se combinan diversas historietas eróticas de bolsillo con trabajos de militancia izquierdista. Tras un período durante el cual realiza proyectos artísticamente más ambiciosos junto a diferentes guionistas, en 1978 Manara inicia su carrera como autor completo con HP y Giusseppe Bergman, primer paso de una ascendente progresión donde la aventura y – de nuevo – el erotismo, juegan un papel central. A este periodo – que se prolonga hasta la actualidad – pertenecen el resto de episodios de Las aventuras de Giuseppe Bergman, las diversas entregas de El Clic y El perfume del invisible y también historias como Gulliveriana y Kamasutra. Junto con su producción como autor completo, Manara ha realizado colaboraciones con autores tan destacados como Hugo Pratt (Verano indio, El gaucho), Federico Fellini (Viaje a Tulum) y Alejandro Jodorowsky (Los Borgia). Coincidiendo con la presencia del autor, Norma Editorial lanzará el integral de Los Borgia. La página oficial del autor es www.milomanara.it. Milo Manara viene al Salón en colaboración con Norma Editorial.
Paul Cornell (Gran Bretaña. 1967)
Paul Cornell es un escritor de ciencia-ficción y fantasía en novela, cómic y televisión y el único autor que ha sido nominado para el Premio Hugo en las tres categorías. Ha escrito tres episodios para la serie de televisión Doctor Who, además de varias novelas del personaje, entre ellas la premiada Human Nature. Otras series de televisión en su currículum serían Primeval, Robin Hood o Coronation Street, por ejemplo. Como guionista de cómics ha trabajado en series como Capitán Britania y el MI-13 y Jóvenes Vengadores para Marvel, y Action Comics, Knight and Squire, Demon Knights y Stormwatch para DC, y su nueva serie para el sello Vertigo Saucer Country. Puedes visitar su blog en www.paulcornell.com. Paul Cornell viene al Salón invitado por la editorial ECC.
Rags Morales (Manhattan, Nueva York, 1966)
Ralph “Rags” Morales realizó su primer trabajo como dibujante en la serie de rol Forgotten Realms para DC Comics. Después de diecinueve números la dejó para crear, junto al guionista Brian Augustyn, la encarnación de Black Condor en los 90. Posteriormente, Morales dibujó varias series para Valiant, incluyendo Turok Dinosaur Hunter, Archer & Armstrong y Geomancer. A su regreso a DC se encargó de los lápices de las series Hourman y Hawkman, esta última junto al guionista Geoff Johns. Gracias a su gran trabajo en este último título, DC le ofreció dibujar la exitosa serie limitada Crisis de identidad. Tras esta dibujó Nightwing, Superman / Batman, First Wave y la miniserie de Green Lantern Corps vinculada con la saga La noche más oscura. Rags Morales es el dibujante del relanzamiento de Action Comics junto al guionista Grant Morrison. La página web oficial de Morales es http://ragsagainstthemachine.net. Rags Morales viene al Salón en colaboración con la editorial ECC.
Scott Snyder (Nueva York, Estados Unidos. 1976)
Scott Snyder se dio a conocer en 2006 con el recopilatorio de cuentos Voodoo Heart. En 2009, Snyder comenzó a escribir para Marvel Comics. Su primera incursión en el género de superhéroes fue un especial centrado en la Antorcha Humana que formaba parte de las celebraciones del 70 aniversario de Marvel. A continuación se hizo cargo de la miniserie de cuatro números, Iron Man: Noir, con lápices del español Manuel García. Para la línea Vertigo de DC Comics crea American Vampire, una serie basada en una historia de Stephen King. Su trabajo en Detective Comics, la serie principal de Batman, comenzó en su número 871 y fue el inicio de su contrato de exclusividad con DC Comics. También ha guionizado la miniserie Batman: Puertas de Gotham. Snyder forma parte del relanzamiento del nuevo universo de DC escribiendo las nuevas series de Batman y La Cosa del Pantano. Snyder es profesor de escritura en la Universidad de Columbia, Universidad de Nueva York, Sarah Lawrence College y SUNY Southampton. Scott Snyder viene al Salón invitado por la editorial ECC
Sergio Aragonés (San Mateo, Castellón.1937)
Sergio Aragonés Doménech es un dibujante de cómics de origen español residente en Ojai, California. Legendario dibujante de la revista MAD, es conocido por dibujar pequeños chistes en los márgenes de la revista. También es autor de su propio cómic Groo the Wanderer (Groonan el vagabundo), protagonizado por un guerrero no muy inteligente. Groo fue el primer cómic publicado en EE.UU. por una editorial comercial manteniendo los autores la propiedad legal sobre el personaje. Su página oficial es www.sergioaragones.com.
LISTA PROVISIONAL DE EXPOSICIONES
ROBOTS EN SU TINTA
La exposición Robots en su tinta está concebida como un proyecto de divulgación riguroso y al mismo tiempo divertido sobre la robótica y el cómic, que mostrará como se han dibujado los robots en las viñetas. También habrá apartados sobre la robótica en otros ámbitos de la cultura popular como la literatura de ciencia-ficción, la animación y el cine. La muestra está dirigida al gran público y pretende tener un carácter pedagógico y, a la vez, reivindicar la historieta como medio de divulgación.
La muestra tendrá un espacio de exhibición y divulgación donde se podrá interactuar con robots reales cedidos por diferentes departamentos de la UPC y por empresas del sector. Uno de los objetivos de la muestra es precisamente contribuir a fomentar nuevas vocaciones científicas y tecnológicas entre el público que visite el Salón.
La exposición será un espejo del imaginario colectivo que está lleno de robots nacidos del cómic. Los mangas Astroboy de Osamu Tezuka, Dr. Slump de Akira Toriyama o Mazinger Z de Go Nagai, han traspasado fronteras. En el cómic europeo encontramos a RanXerox de Tanino Liberatore, o Carlitos Fax de Albert Monteys. En los Estados Unidos se han producido series míticas como Magnus Robot Fighter de Russ Manning, o The Big Guy and Rusty the Boy Robot de Frank Miller y Geof Darrow, sin olvidarnos de superhéroes de metal como Iron Man creado por Stan Lee o villanos como Eradicator de Roger Stern, el robot enemigo de Superman.
El cine también ha contribuido decisivamente y nos ha presentado desde la Maria de Metrópolis, hasta el Terminator T-800 modelo Cyber Dyne 101, aquel que tomó la fisonomía de Arnold Schwarzenegger, pasando por el mítico Robby de Planeta Prohibido. La cultura moderna y los robots forman un tándem inseparable en el cual robots como Bender de la serie de dibujos animados Futurama se han convertido en iconos modernos. Incluso, desde el sector del juguete se han incorporado los Transformers que han sido llevados al cómic, la televisión y el cine. La exposición dedicará un espacio destacado a los robots de la saga de Star Wars, que tiene como iconos a R2-D2 y C-3PO, coordinado por la Asociación Star Wars Barcelona. Dicho espacio llevará como nombre Droides de las galaxias, y allí se podrán ver cómics de la saga, así como figuras de personajes de diferentes tamaños y unas cuantas sorpresas que todavía no podemos desvelar.
El programa de actividades de la exposición también incluye talleres de robótica durante los cuales se enseñarán los fundamentos del funcionamiento de los robots, y se harán clases para aprender a dibujar robots, además de conferencias y mesas redondas con científicos y dibujantes.
El comisario de la exposición Robots en su tinta es Jordi Ojeda, profesor de la Universidad Politécnica de Catalunya. BarcelonaTech (UPC), doctor ingeniero industrial y divulgador de la ciencia y la técnica empleando las viñetas como instrumento pedagógico. En este sentido, la UPC tendrá una participación relevante en la exposición a través de diversas actividades paralelas que han estado programadas y entre las cuales destaca la participación del Instituto de Robótica e Informática Industrial, IRI (CSIC-UPC), dirigido por el profesor e investigador Alberto Sanfeliu.
SPIDERMAN. 50 AÑOS ENREDÁNDOSE
Uno de los superhéroes más populares celebra en 2012 su cincuenta aniversario, hecho que además coincide con el estreno de una nueva película basada en el personaje. Creado por Stan Lee y Steve Ditko en 1962 en el número 15 de Amazing Fantasy, este personaje ha pasado por las manos de guionistas tan remarcables como Gerry Conway, Len Wein, Bill Mantlo, Marv Wolfman, Mark Millar o Brian Michael Bendis, y de dibujantes como John Romita Jr., John Byrne, Al Milgrom, Ross Andru, Sal Buscema, Phil Jimenez, Todd McFarlane, Tony Harris o Salvador Larroca, por citar sólo unos pocos nombres.
La muestra pretende dar a conocer los orígenes y evolución del personaje en el cómic, además de detenerse en algunos de los personajes más destacados de la serie. Los villanos, siempre claves en el éxito de una serie de superhéroes, tienen en Spiderman un rol destacado con personajes como Duende Verde o El Doctor Octopus.
EXPOSICIONES PREMIOS DEL SALÓN 2011
HAZAÑAS GRÁFICAS DE JORDI LONGARÓN
Muestra antológica dedicada a la trayectoria del dibujante e ilustrador Jordi Longarón (Barcelona, 1933), ganador del Gran Premio del pasado Salón del Cómic. Longarón es un historietista, pintor e ilustrador, conocido sobre todo en los años setenta por sus westerns y sus tebeos bélicos, fue uno de los primeros autores españoles que trabajó para mercados internacionales. Además de trabajar para editoriales de diferentes países europeos, Jordi Longarón fue el primer autor español que dibujó, entre 1970 y 1974, una tira de prensa para un diario de Estados Unidos, en este caso el Chicago Tribune que la distribuyó en otros periódicos norteamericanos. La serie, titulada Friday Foster y con guiones de Jim Lawrence, fue una avanzada a su tiempo al dar el protagonismo a una joven afroamericana, lo que provocó entonces rechazo en estados con tendencias segregacionistas.
En la misma época colaboraba en publicaciones tan importantes como la revista francesa Pilote. Los lectores españoles disfrutaron de lo mejor de su trabajo gracias a los célebres cuadernos de Hazañas Bélicas, del mítico sello Toray, para los que realizó además magníficas portadas que forman parte de la memoria sentimental de varias generaciones. El diseñó la imagen del soldado que se convirtió en el icono gráfico de la serie. Longarón también realizó numerosas contribuciones a otras publicaciones de la misma editorial, en cabeceras como Hazañas del Oeste, El Pequeño Mosquetero o Serenata Extra. Aunque nunca abandonó la ilustración, con el tiempo fue dedicándose cada vez más a la pintura hasta convertirse en un valorado paisajista.
DIBUJANTES DE PACO ROCA
Muestra dedicada a Paco Roca (Valencia, 1969), autor del cómic El invierno del dibujante, que ganó los premios a la Mejor Obra y Mejor Guión del pasado Salón del Cómic. La muestra quiere ser una reflexión del oficio del dibujante a través de obras como Emotional World Tour, Memorias de un hombre en pijama y la obra galardonada el pasado año que narra las vicisitudes de algunos de los autores más destacados de Bruguera que intentaron montar su propia revista al margen de la editorial a finales de los años 50.
Paco Roca ha ganado el Premio Nacional del Cómic por Arrugas, obra por la que también recibió los galardones a Mejor Obra y Mejor Guión en el Salón del Cómic. La adaptación en dibujos animados de Arrugas ha recibido muy buenas críticas en los festivales que se ha presentado y acaba de ser nominada a los premios Goya en la categoría de largometraje animado. Paco Roca, que empezó su trayectoria profesional a mediados de los años 90, es uno de los autores más interesantes de los últimos tiempos y con mayor proyección internacional del cómic español.
EL ARTE DE BLACKSAD POR JUANJO GUARNIDO
El dibujante Juanjo Guarnido (Salobreña -Granada- 1967) ganó el premio al Mejor Dibujo del pasado Salón por el álbum Blacksad. El infierno, el silencio con guión de Juan Díaz Canales. Se trata de una serie que ha sido repetidamente premiada en el Salón del Cómic de Barcelona, además de otros certámenes internacionales como el Festival de la BD de Angulema. También recibió el pasado año un premio Eisner en la Comic Con de San Diego.
La exposición tiene por objetivo descubrir el proceso artístico de la serie, a través de bocetos, story-boards e ilustraciones del dibujante que ayuden al visitante a conocer mejor los secretos de Blacksad. Esta serie de animales antropomorfos en clave de serie negra es uno de los mayores best-sellers del cómic europeo.
TÚ ME HAS MATADO DE DAVID SÁNCHEZ
David Sánchez (Madrid, 1977) es ilustrador y Tu me has matado (Astiberri, 2010) es el primer cómic que publica, parcialmente prepublicado en la revista El Manglar (Dibbuks). Por dicha obra ganó el premio Josep Toutain al Autor Revelación de la pasada edición del Salón del Cómic. Sánchez es el creador de la marca de camisetas Mong T-Shirts y se encarga del diseño de colecciones de la editorial Errata Naturae, para la que ilustra todas sus características portadas.
NAUFRAGUITO
El ganador del premio al mejor fanzine de la pasada edición del Salón del Cómic fue Naufraguito, una singular publicación de formato minúsculo. Este fanzine tendrá una exposición para conocer mejor su idiosincrasia.
CONCIERTOS EN EL SALÓN DEL CÓMIC
El 30 SALÓN INTERNACIONAL DEL CÓMIC DE BARCELONA volverá a tener mucho ritmo. Desde el escenario del Salón del Cómic, ubicado en el mismo pabellón 8, diversos grupos españoles actuarán en directo ante el público asistente. El programa de actuaciones que se dará a conocer en marzo pretende que los grupos participantes tengan algún tipo de vínculo con el mundo del cómic, ya sea por alguno de los temas de su repertorio que hagan referencia a la historieta o por la estética de algunos de sus videoclips.
TALLERES DE CÓMIC
La Escuela de Cómic Joso desarrollará los talleres de cómic, organizando diversas actividades relacionadas con las técnicas narrativas y de dibujo. Además, dará cabida a destacados autores invitados que ofrecerán clases magistrales en las que mostrarán los secretos de su arte. El objetivo es acercar la historieta al gran público, explicando los secretos de la creación gráfica y narrativa.
ACTIVIDADES PEDAGÓGICAS
El Salón Internacional del Cómic de Barcelona y el Departamento de Enseñanza de la Generalitat de Catalunya colaboran por quinto año consecutivo para acercar el cómic a las escuelas. Con tal objetivo se desarrollan toda una serie de actividades dirigidas a profesores y alumnos que coordina Oriol Borrás.
El cómic como medio de expresión artístico y narrativo tiene diversas aplicaciones en las diversas etapas formativas, siendo su utilización clave para la comprensión lectora además de formar parte de la bibliografía recomendada en diversas materias. FICOMIC participa de las actividades organizadas por la Generalitat de Catalunya para impulsar la lectura y considera que el cómic debe jugar un papel protagonista en ellas.
Respecto a las actividades dirigidas a los alumnos, se ha preparado un concurso de cómics titulado Los robots del futuro, concebido para alumnos de ciclos mediano y superior de primaria, y de ESO de centros escolares catalanes. También se realizarán visitas guiadas para grupos escolares los días 3 y 4 de mayo, así como talleres de cómic específicos dichos días.
Por otra parte, dedicada a los profesores, se celebrará una nueva edición de la jornada El cómic una herramienta pedagógica el jueves 3 de mayo por la tarde. En dicha sesión se explicarán experiencias que permiten a los enseñantes utilizar el cómic como un elemento pedagógico. Además, se realizará una visita guiada por el Salón del Cómic para aquellos profesores que quieran conocer la variedad de opciones que ofrece la historieta.
ACTIVIDADES PARALELAS
Fuera del Salón del Cómic acontecen durante los días del certamen una serie de actividades relacionadas con la historieta. Aunque todavía se están trabajando en diversas propuestas, podemos avanzar que el jueves 3 de mayo a las 21 horas en el Teatro Zorrilla de Badalona se estrenará el espectáculo visual y musical El vals del Gulag, basado en el cómic de Rubén Pellejero y Denis Lapière. La dirección de dicho montaje corre a cargo del artista francés Tony Canton.
PREMIOS 30 SALÓN INTERNACIONAL DEL CÓMIC DE BARCELONA
FICOMIC está comprometido con la promoción de nuestro cómic y de nuestros autores. Por ello con motivo de la celebración del 30 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, que tendrá lugar del 3 al 6 de mayo de 2012, transforma totalmente sus premios precisamente para que sirvan de promoción y recompensen a nuestros talentos, a la vez que reconozcan la labor de los editores que apuestan por ellos. Los galardones también quieren mostrar la riqueza y diversidad del cómic que se publica en España. Por otra parte se quiere reconocer específicamente en los premios el trabajo de los fanzines como auténtica cantera de nuestro cómic. Los premios que otorga el Salón Internacional del Cómic de Barcelona los diferencia de otros festivales nacionales e internacionales por el hecho de que tienen una importante dotación económica.
El Comité Organizador del Salón del Cómic ha acordado en este sentido reformular los premios y sus correspondientes dotaciones.
Gran Premio del Salón del Cómic de Barcelona.
En reconocimiento a la trayectoria profesional de un autor español con un mínimo de 25 años de trabajo publicado. Para optar a este premio el autor debe estar vivo y no puede haber ganado este galardón previamente. Los profesionales del cómic (autores, editores, libreros, distribuidores, traductores, periodistas especializados…) votarán a cinco autores. No hay nominados y de dicha votación saldrá directamente el ganador con el mayor número de votos. El nombre se dará a conocer en la entrega de premios.
Dotación del premio: 10.000 euros
Mejor obra de autor español publicada en 2011.
Premio para la mejor obra de autor español publicada en España en el año 2011. La mecánica para escoger al ganador tendrá dos fases. En la primera, los profesionales del cómic (autores, editores, libreros, distribuidores, traductores, periodistas especializados…) votarán hasta un máximo de diez obras. De dicha votación saldrán las diez obras con más votos. En una segunda fase, los mismos profesionales votarán al ganador entre los nominados.
Dotación del premio: 10.000 euros
Mejor obra extranjera publicada en España en 2011
Premio para la mejor obra de autor extranjero publicada en España en el año 2011. La mecánica para escoger al ganador tendrá dos fases. En la primera, los profesionales del cómic (autores, editores, libreros, distribuidores, traductores, periodistas especializados…) votarán hasta un máximo de diez obras. De dicha votación saldrán las diez obras con más votos. En una segunda fase, los mismos profesionales votarán al ganador entre los nominados.
Sin dotación económica.
Mejor fanzine español 2011
Premio en reconocimiento al mejor fanzine publicado en España en el año 2011. La mecánica para escoger al ganador tendrá dos fases. En la primera, los profesionales del cómic (autores, editores, libreros, distribuidores, traductores, periodistas especializados…) votarán hasta un máximo de cinco fanzines. De dicha votación saldrán los cinco fanzines con más votos. En una segunda fase, los mismos profesionales votarán al ganador entre los nominados. No podrá resultar ganador un fanzine premiado al menos cinco años antes.
Dotación del premio: 1.500 euros.
Premio del público al cómic del año
Premio que se otorga por votación popular a través de la web de FICOMIC donde cualquier persona puede escoger la mejor obra de cómic del año, ya sea de autor español o extranjero. No hay nominados y el ganador se da a conocer directamente en la entrega de premios del Salón.
Sin dotación económica
Desde que se hagan públicas las nominaciones hasta que se otorguen los premios durante el Salón del Cómic, se realizará una campaña promocional con las obras nominadas en las categorías de mejor obra de autor español y mejor obra extranjera en librerías y centros comerciales y de ocio.
ENCUENTROS DE AUTORES CON EDITORES
El 30 Salón Internacional del Cómic de Barcelona quiere continuar siendo un punto de encuentro profesional con resultados tangibles para los autores. Por ello, un año más organiza las entrevistas de autores con editores extranjeros. Con tal motivo, el Salón habilita un espacio y se encarga de establecer las agendas de editores con los dibujantes. Los editores extranjeros que este año participarán pertenecen a las editoriales Marvel y DC. Resta por concretar el editor francés o belga que asistirá. Los editores españoles también podrán tener contactos con los autores en dicha zona.
CARTEL 30 SALÓN DEL CÓMIC
EL AUTOR
Paco Roca
El cartel del 30 SALÓN INTERNACIONAL DEL CÓMIC DE BARCELONA es obra del dibujante Paco Roca (Valencia, 1969), uno de los autores más reconocidos los últimos años con obras tan premiadas como Arrugas o El invierno del dibujante. Precisamente del primer cómic se estrena su adaptación en dibujos animados a la gran pantalla. Roca ha querido hacer en el cartel un homenaje al autor y al lector de cómic, en una ilustración que muestra un juego de espejos con los personajes.
Paco Roca es un versátil autor de cómic e ilustración. Comenzó a realizar trabajos de publicidad y acabó montando un estudio de ilustración en su ciudad natal. Pronto empezaría a compaginar los trabajos con los que se ganaba el sustento con la creación de relatos de cómic. Entre sus cómics en formato novela gráfica destacan Arrugas, Las calles de arena, Emotional World Tour, esta última realizada a cuatro manos con Miguel Gallardo, y El invierno del dibujante, obra merecedora de los premios al mejor guión y mejor obra en el SALÓN DEL CÓMIC DE BARCELONA 2011. La gestación de esta última novela gráfica coincidió parcialmente en el tiempo con la publicación semanal de Memorias de un hombre en pijama, que ha sido recopilada en un cómic.
Paco Roca también se ha pasado al cine con la adaptación de Arrugas como película de animación clásica. Producida por Perro Verde Films (ganadores del Goya de animación con El lince perdido) junto con Cromosoma (Las tres mellizas), está dirigida por Ignacio Ferreras. Paco Roca es uno de los guionistas y ha realizado el diseño de personajes. La película acaba de ser nominada a los premios Goya en la categoría de largometraje de animación. Puedes visitar la web del autor en www.pacoroca.com.
INSTITUCIONES
El 30 SALÓN INTERNACIONAL DEL CÓMIC DE BARCELONA cuenta con el apoyo de la Generalitat de Catalunya, del Ayuntamiento de Barcelona y del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes. La dilatada trayectoria, importancia industrial y creativa, junto a la gran repercusión mediática y popular, convierten a nuestro Salón en la gran fiesta del cómic en nuestro país de referencia internacional.
INFORMACIÓN GENERAL
FIRA DE BARCELONA. PALACIO NÚMERO 8. Del 3 al 6 de mayo de 2012
El 30 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar en el palacio 8 de Fira de Barcelona. El acceso se realizará por Avenida Reina María Cristina. El recinto del certamen contará con unos 19.000 m2.
Horarios:
Jueves 3 de mayo: de 10:00 a 21:00 h.
Viernes 4 de mayo: de 10:00 a 21:00 h.
Sábado 5 de mayo: de 10:00 a 21:00 h.
Domingo 6 de mayo: de 10:00 a 20:00 h.
Precios:
- Entrada general: 6 €
La entrada se podrá adquirir en las taquillas del Salón del Cómic. La venta anticipada se realizará a partir del 20 de marzo. La entrada será válida únicamente para una persona y un día.
- Entrada Descuento: 4 €
De venta únicamente en las taquillas del Salón del Cómic. Los titulares del Carnet Jove y con carnet de cualquier biblioteca pública de Catalunya podrán adquirir las entradas al precio de 4 €. Esta promoción no es acumulable a otros descuentos. La entrada será válida únicamente para una persona y un día.
- Entrada Grupos Escolares: 2 €
De venta únicamente en las taquillas del Salón del Cómic. La escuela debe presentar en las taquillas una carta del centro en la que se especifique el número de asistentes. Esta promoción no es acumulable a otros descuentos. La entrada será válida únicamente para una persona y un día.
Las personas nacidas en 1982 tendrán una invitación gratuita. Para ello tendrán que presentar en las taquillas del Salón su DNI, pasaporte o carnet de conducir para obtener dicha invitación.

12 enero 2012  Leave a comment

Al Salón

Os lo dije, el cartel de Paco Roca para la XXX edición del Saló de Barcelona es impresionante…

Y luego hablamos de los nuevos premios… :)

12 enero 2012  18 Comments

ASDFG

ASDFG, un fanzine de Pernan Goñi, Demasiadopoco y Silvia G.Guzmán.

12 enero 2012  1 Comment

Adiós a Mariano Ayuso

Joan Navarro confirma que el 28 de diciembre falleció en Madrid Mariano Ayuso, toda una institución de la historieta en España, uno de los grandes teóricos del tebeo. Descanse en paz.

12 enero 2012  6 Comments

Novedad de Edicions de Ponent

- Cuatro sueños, de Txemacantropus. 132 páginas en B/N y portada a color. Encuadernado en cartulina gráfica con solapas, Plastificado mate a una cara. Medidas (17cm x 23,50cm). PVP.- 18 euros.


- TXEMACANTROPUS:Mi seudónimo es Txemacantropus , nací en Valencia hace 49 años.Dibujante e ilustrador. He colaborado con las revistas, fanzines y editoriales; “Como vacas mirando al tren”, “Saumon”, “Ganadería Transhumante”, “Idiota y diminuto”, “El dominical”, “Media vaca”, “El Mundo”, “Eines”, “Imaginarium”, “Edicions de Ponent”, “Editions L’Oeuf”. Cortos de animación: “la piel de la voluntad”, “Azul”, El experimento”. Exposición de escultura con el grupo “La Cuadra” en Arco de Cuchilleros en Madrid 1996 y en Drap Art en 1996-97. Exposición de ilustración en el MUCBE de Benicarló (Castellón) “El meu esquelet” 2007. “Almanaque comestible” (Ponent 2009). “Baila la luna” poemario ilustrado en compañía de mi amigo Paco Sánchez,2010. “Almanaque fin del mundo” (Ponent), 2010). Exposición colectiva Galería Mr Pink “Duets 2011. “La más bella” Playa 2011. Editions L’Oeuf “Campanero” 2012.

SINOPSIS ARGUMENTAL:Julio Cortázar decía;
“Sólo en sueños, en la poesía, en el juego -encender una vela, andar con ella por el corredor- nos asomamos a veces a lo que fuimos antes de ser esto que vaya a saber si somos”. Cuatro sueños ha surgido como una erupción volcánica, escapando de forma anárquica. La mezcla surrealista de cuatro historias que tienen que ver con el duermevela del autor y sus más predilectas historias vividas por otros inventores de sueños. Su pequeño secreto que tiene con los conejos no consigue esconderlo durante mucho más tiempo. Una gran organización de seres grises que desean pinchar el letargo
y deshacer la imaginación, a pesar de que se hipnotizan con el cine.

12 enero 2012  Leave a comment

Bus

Por favor, por favor, que alguien publique esto en España (aunque, todo sea dicho, es mudo… no digo más) (Gracias Tio Berni!)

12 enero 2012  7 Comments

Novedades de febrero de Astiberri

Ya se puede consultar el PDF de novedades de febrero de Astiberri. Ojo al nuevo Rabagliati, a mi entender el mejor de la serie de Paul.

11 enero 2012  Leave a comment

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