Según la senadora Nancy King, el gran problema de la falta de maestros en las escuelas es que…¡terminarían leyendo tebeos! ¡Qué horror! Porque ya se sabe, de ahí a las drogas, la delincuencia y matar a los padres con una katana, sólo hay un paso…

Supongo que al ver esto, llamaría a la Guardia Nacional, a los marines y Chuck Norris, por lo menos…
País.
El de los USA, claro…
(Via The Beat)

Les recuerdos a ustedes, lectores y lectoras de tebeos, que hoy, 93 aniversario del nacimiento de Jack Kirby, se celebra el Día de Lectura de Tebeos en Lugares Públicos. Vamos, que salgan ustedes del armario de una vez y que lean tebeos allá dónde puedan (y manden fotos!)

Si el podía…¡tu también puedes!

Alberto Breccia
Cargado por pointgmagazine. – Videos web independientes.

_Via Forbidden Planet

- 75 Years of DC Comics: The Art of Modern Mythmaking, de Paul Levitz. Tapa dura, 29 x 39.5 cm. 664 páginas Pvp:150.00€
(más…)

Tal día como hoy, hace 100 años, en la parte inferior de The Family Upstairs, aparecían dos pequeños personajes invitados, un gato (o gata) y un ratón. Sin nombres, sin títulos, sólo con una acción: el ratón le tiraba una piedra al gato (o gata). Después supimos sus nombres Krazy e Ignatz. Y que no eran piedras, sino ladrillos.
Nunca supimos era si era gata o gato, pero lo que es seguro es que comenzaba el periplo de una de las obras más fascinantes de la historia del tebeo.

Pinchar para ver completa…

ACTUALIZACIÓN: El Mundo dedica una animación especial…

El Viernes 25 de Junio, a las 19:00, se presentará en la librería Generación X de MAdrid (C/Puebla 15) el álbum Silhouette, de Jesus Alonso Iglesias y Víctor Santos.

Los veteranos premios Diario de Avisos llegan a su XXXIII edición, con la siguiente lista de premiados:
Guión de historieta realista: Antonio Altarriba
Dibujo historieta realista: Marcial Toledano
Guión Historieta Humor: Lalo Kubala
Dibujo Historieta de Humor: Kim
revista del año: Amaniaco
Editor del año: Ediciones La Cúpula
Mejor labor prohistorieta: Tebeosfera
Mejor comentarista: Javier Mesón
Totalidad obra de humor: Tunet Vila
Totalidad obra realista: Julio Vivas
¡Enhorabuena a todos!

(**)- Colibrí #1, de VArios autores. Portada a Color, Guardas a una tinta rosa. 64 páginas. 12 x 16. Tirada de 300 ejemplares. PVP: 3€
(más…)

Decía en la anterior entrada que el catálogo de la exposición 100×100 cómic es espectacular… y complicado de obtener. La limitadísima tirada hace que sea desde ya todo un objeto de coleccionista (por si no hubiera razones: excelentes textos, gran formato, reproducción exquisita…).
Una tarea difícil que gracias a La Alhóndiga Bilbao puede ser un poco más sencilla, ya que amablemente ha cedido cinco ejemplares para que sean sorteados en La Cárcel de Papel.
Para participar, nada más sencillo: rellenar este formulario, contestando a un simple pregunta: indica una de las parejas de autores intérprete/interpretado. Podéis participar hasta el 10 de junio a las 23:59h.

(Los datos personales se utilizarán única y exclusivamente para este sorteo. Una vez acabado el mismo, serán borrados y no se mantendrá copia de los mismos.)

Os paso un comunicado de la AACE:

Estimado compañero:
En coordinación con el SNAC (Sindicato Nacional de Autores de Cómic) francés, y como parte de la colaboración de la AACE con las distintas asociaciones de autores de la Comunidad Económica Europea, te hacemos llegar el siguiente comunicado agradeciéndote, previamente, nos ayudes en su mayor difusión posible con el fin de llegar a todos los autores de cómic de nuestro país.
Este documento es una recogida de firmas, por parte del sindicato francés, en busca de conseguir una situación justa para el autor de cómics y del reconocimiento de sus derechos de autor en las futuras ediciones digitales de su obra.
Se puede firmar el comunicado sin necesidad de estar publicando en Francia, siendo una muestra de apoyo al movimiento francés, cuyo resultado final, con toda seguridad, también acabará afectándonos a nosotros.
Los autores interesados pueden apoyar el mismo con su firma en el siguiente link:
http://jesigne.fr/appeldunumerique
Y aquí podrán encontrar una traducción del manifiesto:
http://llamamientodigital.blogspot.com/
Un afectuoso saludo
AACE
(Asociación de Autores de Cómic de España)

Me siento abrumado (bueno, la verdad, lo que me siente es con un sueño que no veas…) por las muestras de cariño…¡hasta en la wikipedia!
De verdad, muchísimas gracias a todos. Madre e hijo, en perfectas condiciones.
Por cierto… ¿alguien sabe dónde tienen el botón de off?¿y por dónde se le cambiarán las pilas???

De una entrevista a Fernando Trueba hoy en La Contra de La Vanguardia:

P.- Buscamos la ejemplaridad perdida.
R.- Y no la hallaremos sin la épica. Pero hoy no tenemos héroes, sino superhéroes, que son todo lo contrario de la épica.
P.- ¿Superman no es un personaje épico?
R.- Un superhéroe es un imbécil vestido de forma estrafalaria, un fracaso de la ficción.
P.- Si los efectos especiales son buenos…
R.- Serán lo que sean, pero no son cine. El superhéroe carece de aliento épico, de grandeza: es fruto barato de esta época sin héroes pero con supergilipollas con superpoderes.
P.- A ratitos son humanos…
¡Sandeces! Un héroe de verdad es un cínico capaz de tragarse hasta su propio cinismo para jugárselo todo en un instante por los demás sin esperar nada a cambio.
P.- ¿Dónde están hoy los héroes?
R.- Los he visto cuando rodé El milagro de Candeal. Son niños y viejos luchando día a día por mejorar su comunidad, cada metro cuadrado donde viven…

[Gracias Carles!]

Más de 180 votantes y, a fe mía, con buen gusto. Los lectores de La Cárcel de Papel han elegido con sus votos en los comentarios, facebook, twitter y correo electrónico que el mejor álbum del año es:

El arte de volar, de Kim y Antonio Altarriba (Edicions de Ponent)

¡Gracias a todos por participar! (Más tarde, mi lista personal)

La lista de los diez primeros es:
1.- El arte de volar, de Antonio Altarriba y Kim
2.- George Sprott, de Seth
3.- Catálogo de Novedades Acme, de Chris Ware
4.- Las calles de Arena, de Paco Roca
5.- Diario de un ingenuo, de Emile Bravo
6.- Génesis, de Robert Crumb
7.- Ombligo sin fondo, de Dash Shaw
8.- All Star Superman, de Grant Morrison y Frank Quitely
9.- El gusto del cloro, de Bastien Vives
10.- Los muertos vivientes, de Robert Kirkman y Charlie Adlard

El recuento de los más de 180 votantes es el siguiente:
(más…)

Se acaba ya el año (lo de la década va a gustos) y esa pulsión que nos lleva a confeccionar listas de todo tipo se dispara hasta el infinito. ¡Mira que nos gusta la cosa! Y el caso es que -hay que reconocerlo- es adictivo. Eso sí, servidor, para evitar olvidarse de aquello publicado el último día del año, tiene la costumbre de esperar unos días para no olvidarse de nada y que ninguna de las lecturas todavía pendientes se escape (que ya me ha pasado alguna vez…).
Pero mientras termino de repasar y repensar el listado, algo que no había hecho nunca en estos siete años: ¿por qué no hacer una “consulta popular” entre los lectores de La Cárcel? Así que, allá va la pregunta: ¿Cuál es vuestra lista de los cinco mejores del año?. Ponedla en los comentarios o mandádmela por mail.

ACTUALIZACIÓN: Recuento de 105 votos por comentarios, mail, tweenty y facebook
(más…)

Aprovecho la nueva edición por parte de Apa Apa Cómics de la obra de Felipe Almendros para una nueva lectura y reconozco que las sensaciones y vibraciones mejoran con el tiempo. Un año después, Save Our Soul sigue manteniendo intactas sus virtudes y, de paso, encuentro nuevos puntos de conexión.
Reciclo la reseña que hice en su día:

Poco puedo decir del autor, del que no he leído Pony Boy, pero me pareció intrigante que reconozca no leer tebeos y desconocer prácticamente el medio y, acto seguido, no sólo lo use para expresarse, sino que se embarque en una autoedición cuidada y limitadísima (sólo 100 copias). Uno de esos casos donde puede ser interesante hasta qué punto el lenguaje secuencial nace de una forma natural, sin necesidad real de un aprendizaje de recursos propios. Almendros se desprende de todo tipo de artificio para contar su viaje a Colima (México), acompañando a su hermana en los primeros días de maternidad. Un punto de partida argumental aparentemente simple y compatible con el relato autobiográfico, sobre el que Almendros pronto construirá un mensaje formal rabiosamente rebelde: el dibujo es marcadamente feísta, infantiloide; reniega de forma decidida de las perspectivas e incluso de la viñeta tradicional, descomponiendo la página en ocho espacios constantes que, muchas veces, pueden incluir en su interior más de una escena, en una ruptura completa con la tradición compositiva. Una serie de elecciones que parecen querer rechazar al lector, pero que permiten a Almendros narrar su historia de una manera completamente original. Pese a que ha declarado abiertamente que plantea sus historietas de forma cinematográfica, la realidad es que esa idea inicial se ve corrompida desmentida casi de inmediato por el uso de recursos propios de la historieta, jugando con simbolismos, deformaciones, espacios en blanco y transiciones, que le permiten maximizar la expresividad de su relato y caer en la exploración profunda de sus obsesiones y complejos.
Si bien a priori de la sinopsis argumental cabría esperar un relato costumbrista de “choque de civilizaciones” al estilo Delisle, lo que tenemos en Save Our Souls es el retorcido testimonio de una personalidad difícil, una apertura completa hacia las angustias, complejos y pesadillas del autor. El alejamiento se traduce en aislamiento que actúa como elemento de enfrentamiento entre “El autor” y ese “Felipollas” autosatirizado que lo sustituye.
Una obra muy interesante (2+)
Más información.

La noticia la da El Jueves: Ramoncín consigue cerrar su canal en YouTube
[Visto en La tebeoteca de Fali]

Definir Scott Pilgrim implica aceptar que es posible combinar en igualdad de condiciones el manga, los videojuegos, el slice of life, el cine de acción, las series americanas de TV para adolescentes descerebrados y el toque inteligente de sitcom humorística (con el referente claro de Friends o la excelente Cómo conocí a vuestra madre). No parece fácil, más que nada por lo inmiscible de algunos de los elementos y la dificultad de equiparar lenguajes: el videojuego es una cultura profundamente interactiva que precisa de una intervención que es imposible en historieta y parece complicado mezclar los intereses de los treintañeros con los de los adolescentes, por poner sólo dos ejemplos. Sin embargo, Brian Lee O’Malley logra una fusión de todos ellos aplicando como único aglutinante descaro y frescura en cantidades industriales. Sin prejuicios ni preconcepciones, cuenta esta historia de grupo de amigos y sus relaciones sentimentales centrándose en la figura del atolondrado Scott Pilgrim, que para conseguir el amor de ramona deberá enfrentarse a las iras de sus siete novios anteriores. Eso sí, traduciendo “enfrentamiento” por una lucha al modo de los videojuegos en la que se incorporan desde las batallas épicas a lo Dragon Ball al encuentro de ítems mágicos en la mejor tradición de los juegos de Nintendo. Todo asimilado dentro de la narración con absoluta naturalidad, asumiendo que en un momento se puede estar discutiendo sobre chicas y al otro reconvertido en luchador de alto nivel. La estética del manga y el uso de muchos de sus recursos actúa tan sólo de referente formal: sus contenidos tienen más que ver con el “slice of life” tradicional americano, tanto en el tratamiento de los personajes como en el de las situaciones, pero sin miedo a romper esquemas ni costumbres preestablecidas.
El único problema que encuentro a la serie, reconozco, es particular: Scott Pilgrim es un producto generacional, tanto en su forma como su fondo. Es una apuesta decidida por lanzar un mensaje que cohesiona todos los referentes obligados y reconocibles para la generación que vive ahora su veintena, pero en la que me resulta difícil entrar. Esas vivencias y esas referencias son ajenas a mí, supongo que la diferencia de edad ya es un abismo irreversible, y la única vía de enganche con la serie es esa desvergüenza formal que sí que me ha sorprendido y agradado, hasta el punto de hacerlo entretenido pese a la distancia generacional.
En cualquier caso, es evidente que ha llegado el slice of life del siglo XXI. (1+)

Como todos sabemos nos encontramos en plena crisis. Nuestra labor durante estos años nos ha permitido publicar grandes obras de autores de la talla de Jiro Taniguchi, Aurelia Aurita, Emmanuel Guibert o Étienne Davodeau. Creemos que podemos continuar con nuestra línea editorial, pero para ello necesitamos la ayuda de vosotros: los lectores.

Sólo te pedimos que te acerques a tu librería habitual y compres cualquiera de los títulos de Ponent Mon o, si lo prefieres, puedes comprarlos en nuestra web. Tienes la oportunidad de ayudarnos adquiriendo ese libro que tanto has postergado o haciendo un presente muy especial al regalar aquel cómic que te entusiasmó. Tu ayuda nos permitirá publicar Cerebus de Dave Sim, más títulos del maestro Jiro Taniguchi y otros libros que estamos seguros que serán de tu agrado.

Aprovechamos para anunciar que Barrio lejano (versión integral) y El sueño de Meteor Slim se retrasarán hasta la tercera semana de noviembre. A comienzos de diciembre podremos disfrutar de Un zoo en invierno, la autobiografía de Jiro Taniguchi. Cerebus queda emplazada para principios de 2010.

Saludos de Ponent Mon

Uderzo acaba de desvelar el título y características del nuevo volumen de Astérix que se pondrá a la venta el 22 de octubre. El libro de oro recopila una serie de historietas cortas guionizadas inéditas por Goscinny y será el mascarón de proa de todo un asalto mediático para conmemorar el 50 aniversario del personaje.
Un acontecimiento en toda regla desde cualquier perspectiva que se mire: económica, la primera, porque cada nueva aparición del galo irreductible supone un récord de ventas (estamos hablando de millones de ejemplares). Mediática, porque su aparición será noticia (le pese a quien le pese) en todos los periódicos. Y morbosa, porque seguramente estamos ante el último álbum de la serie dibujado por Uderzo, justo en medio de una tormenta sobre el paso de los derechos de publicación de Albert René a Dargaud, la autorización para continuar la serie con otros autores y el enfrentamiento personal con su hija. La verdad es que, tras el decepcionante (por ser educados) ¡El cielo se nos cae encima!, la vuelta a Goscinny es todo un gesto por parte del dibujante, un regreso a los orígenes para cerrar un ciclo fundamental en la historia del tebeo francés en las bodas de oro del pequeño galo.

Poco que decir a la respuesta de Vicente Molina Foix en la revista Tiempo de esta semana. Resumiendo el texto: Molina Foix reescribe la columna de la semana pasada en los términos en los que tuvo que escribirla la primera vez, expresando su poca querencia por la animación y la historieta, pero esta vez evitando despreciar el medio, simplemente alegando su poco interés hacia él y, sobre todo, sin generalizaciones absurdas. Afirmaciones como que le parece que Boris Vian o Ionesco son superiores a Astérix, desde la complejidad de la comparación, son razonables. E incluso las comparto en este caso, pero no derivan en la conclusión de la inferioridad del medio. Sólo es una apreciación personal sobre determinadas obras y autores.
Personalmente, creo que todo este asunto se acabó en aquél momento y que esta respuesta no era necesaria, por mucho que se exigiera.
La revista aprovecha para acompañar la respuesta con un artículo sobre la consideración de la historieta con interesantes intervenciones de Pepo Pérez y Max Vento y otra columna de Ignacio Vidal Folch en defensa de la historieta que me temo le pilló con el pie cambiado.
Después de todo esto, paadójicamente, me quedo con las palabras de Vicente Molina Foix:
No es sólo cosa del verano, sino que parece que la consideración del tebeo como una de las bellas artes está ahí para quedarse.

Recto fue una exquisitez. Un fanzine predestinado por su diminuto formato a cumplir aquello de la buena esencia y los frascos pequeños, reuniendo a los tres autores más inteligentes (con permiso de Santiago Valenzuela) de su generación: Paco Alcázar, Miguel Brieva y Miguel B. Núñez. Cada uno con estilos e intenciones diferenciadas, pero que en conjunto se erigían en una trinidad laica de la razón pura usada a modo de arma brutal santo. El tiempo consagró a Brieva y Alcázar, que siguieron destilando ironía ponzoñosa y hoy comparten espacio cada semana en El Jueves, pero dejó un poco de lado a Núñez, demostrando que Cronos sabría de relojes y de tiernos retoños en steak tartar pero de tebeos, poco. Aunque también algo de culpa tendrá el Sr. Núñez, que en todo este tiempo ha dejado a sus acólitos huérfanos de obra, alimentados tan sólo un puñado de libritos. Eso sí, qué libritos. Porque desde aquél primario M hasta Muertemanía, Núñez se permite hacer repaso a todo lo humano: comenzó despedazándose a sí mismo (M), para seguir con las mujeres (Soy una chica), los hombres (Stroszek), quedándose al final sólo al más puro estilo Matheson (El último hombre), obligándole en lógica obvia a enfrentarse a lo único irrebatible, la temible parca (Muertemanía). Su visión siempre dura, jugando con los simbolismos desde un racionalismo que rallaba la misantropía cruel, obligando al lector a que la dura perspectiva autocrítica del autor se transformase en un espejo de las imperfecciones y dudas de uno mismo. Historietas que militaban en la reivindicación de lo intelectual como necesario peldaño inicial de cualquier catarsis individual o colectiva, que sin embargo ejercían una fina ironía descreída como vacuna ante posibles egomanías. Usa referentes densos y prolijos, de la literatura a la filosofía, pero no cae en la tentación de la exhibición infantil de muchos otros: él los trabaja no para deslumbrar con sus conocimientos, sino para lograr destilar un mensaje propio e incitar a la reflexión.
Muertemanía parecía cerrar un ciclo lógico de reflexión, que coronaba la exposición de la filosofía de Núñez. No dejó de hacer viñetas, pero en este largo lustro sus entregas se contaron por acontecimientos: una historieta aquí, otra acullá… tan separadas y dispersas que parecían simplemente ejercicios de nostalgia de una autor que se resiste a dejar los lápices pese a desearlo. Una impresión que afortunadamente se demuestra completamente errónea al verlas todas agrupadas ahora en El corazón de los árboles, regalo que nos hace Polaqia y que nos asegura que Núñez ha seguido una pauta marcada, afilando los lápices y el ingenio para demostrar que sigue teniendo mucha guerra que dar. Recopiladas, las historietas de este Greco de la línea clara adquieren la fuerza de la unidad y demuestran que la moral del ser humano sigue siendo la gran incógnita y reto del pensamiento racional. Hurga en la herida buscando contradicciones e incoherencias del ser humano, se la juega con un Hitler casi adorable o encuentra historias tras una pintura de Brueghel el Viejo. Tan a gusto está con lo medieval como con los furry animals, transitando por los géneros con la coherencia de su marcada personalidad como autor. Un álbum brillante que no precisa de la coartada de las apariencias “grim & gritty” para ser provocador e inteligente y que nos deja con la esperanza de que esas anunciadas incursiones en el western y en el terror no se demoren demasiado. (4)

Nueva editorial que da el salto a la historieta, y esta vez con tanto prestigio y tradición consolidada como Parramón. Su colección Novela Gráfica se inicia con tres líneas: adaptaciones de clásicos, infantil-juvenil y contemporáneo. Y atentos a los nombres que incluye porque encontramos a Meritxell Ribas, Jorge García y Pedro Rodríguez, entre otros.
Más información en el PDF promocional.

Por si a alguien le interesa: he creado una página de Elementos compartidos de Google Reader, en la que podréis encontrar todo lo que vaya encontrando interesante por ahí en los más de 200 blogs que sigo en Reader. Aunque el sistema de microentradas es cómodo y rápido, muchas veces no tengo tiempo para compartir por aquí todo lo que encuentro por los peligrosos ciberespacios, pero mediante este sistema, cualquiera puede acceder (en una curiosa cabriola autoreferencial, se puede seguir también mediante RSS).
Espero que os sirva…

Hoy Jack Kirby hubiera cumplido 92 años. Buen día para leerse el excelente Kirby, el rey de los cómics, de Mark Evanier que editó Rossell cómics.

Una curiosa anécdota del mundo del tebeo y de la investigación en historieta que me recuerda esta noticia sobre Bonvi…

Primero: busquen por internet (es decir, en Google), “Al Levin” Disney. Encontrarán decenas de referencias a este dibujante, considerado uno de los más importantes y brillantes que tuvo Disney junto a Gottfredson y Barks.

Segundo: lean esta entrevista al gran estudioso y guionista Alfredo Castelli. Traduzco un párrafo en particular…
BSJ: Hablando de las influencias de Disney. Mis fuentes me dicen que usted es un ávido fan de Disney, tanto que una vez consiguió enloquecer a los aficionados y críticos italianos, incluso al editor de Disney, haciéndoles creer que existió un dibujante de Mickey Mouse llamado Al Levin que, realmente, nunca existió. Hablénos un poco sobre ese asunto.

AC: Mmm… No es algo de lo que estar orgulloso… En 1965, fui el confundador del primer fanzine sobre cómics en Italia, “Comic Club 104″. Uno de los números estaba dedicado a los personajes Disney y sus autores. En ese momento, nadie tenía ni la menor idea de quiénes eran los artistas americanos que había dibujado a los personajes Disney! Yo identifiqué correctamente a Carl Barks (triste anécdota: Barks fue tan amable que me envió una autocaricatura firmada, la famosa en la que él aparece con la cabeza de Tío Gilito y Tío Gilito con su cabeza… Se perdió en alguna imprenta algunos años después!), Paul Murry, Tony Strobl y otros muchos. Pero fui incapaz de identificar a Floyd Gottfredson, por lo que – ¡Dios me perdone! – inventé un nombre, Al Levin, y le atribuí las historias de Gottfredson. Estaba en contacto con muchos fanzines americanos de la época (escribí un extenso artñiculo sobre ellos en “Linus”): “Alter Ego” “Rocketblast Comicollector”, “Vanguard”, “Capa Alpha”, la posterior línea de reediciones de Edwin April, etc., por lo que envié una copia del número dedicado a Disney Issue a Mike Barrier y Malcolm Willits, de “Funnyworld”. Ellos corrigieron mis errores y me dieron los datos exactos, y yo corregí mi información lo más pronto que pude. Pero el asunto “Al Levin” se había extendido y en muchas enciclopedias sobre cómic (e incluso algunas publicaciones Disney) todavía se puede encontrar el nombre de este artista “fantasma”, en el sentido más literal de la palabra.

Tercero: Vuelvan a la búsqueda en Google anterior y comprueben cómo, más de cuarenta años después, Al Levin sigue vivo….

Menuda se está armando con la polémica Lanza en astillero, ya sabéis esa versión pornográfica de El Quijote que casi un lustro después de su aparición está removiendo conciencias de todo tipo porque “tiene imágenes más propias del kamasutra”. Ahora se ha sumado hasta Losantos, que asegura en su programa radiofónico de hoy -según nos indica Belano en los comentarios – que este tebeo “era una basura que no valía para nada, que los dibujos eran grotescos y que aquello ni siquiera valía para poner soldadito al personal. y que le asombraría que aumentase la natalidad viéndolo”.
Recordemos un poco que Lanza en astillero es un proyecto colectivo, dirigido por Jesús Cuadrado, con motivo del IV centenario del Quijote y con financiación de la Comunidad de Castilla La Mancha. Los grotescos dibujantes que participaron, ilustrando diferentes pasajes de la obra de Cervantes, fueron: Filipe Abranches, Pablo Auladell, Miguel Calatayud, Marta Cano, Denis Deprez, Lorenzo Díaz, Luis Durán, Anke Feuchtenberger, Antoni Garcés, Esther Gili, Jorge González, Raquel Jiménez, Andrés G. Leiva, Luis Manchado, Francisco Marchante, Max, Micharmut, Carlos Nine, Álvaro Ortiz, Miguel Ángel Ortiz, Pere Joan, Miguelanxo prado, Stefano Ricci, Karim Taylhardat y Fernando Vicente.
Por si sirve, lo que dije de esta obra, allá por Junio de 2005:
Y terminada la lectura de Lanza en Astillero, sólo puedo que descubrirme. Pese a que toda obra colectiva tiene el peligro de caer en la irregularidad, el nivel medio de las historias de este álbum es excelente, alcanzando pese a la disparidad estilística una extraña coherencia que hace todavía más valorable el resultado. Es muy difícil destacar la contribución de alguno de los autores implicados, y sería injusto señalar a uno sobre otro, pero me gustaría hacer notar el impacto que me han producido las colaboraciones de Auladell, Leiva, Nine y, sobre todo, Micharmut, quizás el que más se aparta del literalismo de la obra de Cervantes para darnos una reflexión sorprendente e interesante de la locura de amor de Alonso Quijano. Pequeños matices de un conjunto extraordinario que cumple fielmente su cometido de acercar una visión plural y respetuosa de la mítica obra de Cervantes. Aunque como bien decía uno de los autores “lo teníamos fácil, el que escribía los guiones lo hacía bastante bien”, la adaptación de un capítulo del Quijote era algo mucho más complejo y difícil, una tarea hercúlea que los autores han sabido afrontar, consiguiendo evocar el espíritu de la magna obra cervantina sin perder su personalidad. Una interesante experiencia, producida con excelencia por sin sentido (¡y qué portada de Fernando Vicente!).
Os pongo también algunas páginas de esta perversa obra (atentos a la de Jorge González….¡se ve una teta!¡cuidado lectores viriles y masculinos!¡os podéis poner soldaditos!¡cuidado lectoras!…¡¡¿os podéis poner soldaditas?!):

ACTUALIZACIÓN:
Lo que dijo Losantos (Programa Federico a las 6): “ahora tengo los dibujos… no es que sean obscenos, pse, aspiran… es que son tan malos que prácticamente te pueden quitar la afición, vamos, me asombraría que aumentase la natalidad viendo esto. Tiene ganas de retirarse uno a una cueva, la cueva de montesinos.. Uh que feo, una cosa grotesca y ridícula. [...] La misma basura que en todas partes.
(Qué lástima, no dijo lo del soldadito…)

Si hace poco la bomba era que Astérix volvía a Dargaud, con culebrón familiar incluido, ahora la noticia es la contraria: Moulinsart, la sociedad que controla los derechos de Tintín quiere quitarle los derechos de edición a Casterman, la editorial que publica las aventuras del personaje desde sus inicios. Tras la cortina de declaraciones que los responsables de Moulinsart han efectuado, lamentando la poca comunicación entre editorial y herederos, es evidente que subyace la contundencia de las cifras: 16 millones de euros de negocio y más de 800.000 euros de beneficio neto. A lo que hay que sumar el estreno de las películas de Spielberg y Jackson, que multiplicaría el negocio hasta el infinito.
Y el negocio es el negocio…

Ups, perdonen ustedes, que guardo los kleenex y despejo un poco el moquerio lloroso que he montado tras ver esta entrada de The Bronze Age of Blogs dedicada a la revista 1984/1994 de Warren. Porque ha sido ver esa portada y recordar ipso-facto que ya hace 30 añitos que salió su versión hispana, 1984 revista llamada a revolucionar por completo nuestra percepción de la historieta. Servidor, que en esa época era un preadolescente, recuerda perfectamente que el primer número que compró motu proprio era el número 14, con esa fantástica e impactante portada de Richard Corben que daba paso a una historieta suya que puedo describir todavía viñeta por viñeta, “Cuidado con el mundo real, Howie”. El impacto fue brutal y ese día decidí que dejaba atrás la infancia y abrazaba la madurez. Que los tebeos de Vértice eran ya el pasado y que el futuro me aguardaba en 1984, Creepy, TOTEM, Bumerang, Blue Jeans…
Descubrí a Richard Corben, por supuesto, pero también a Fernando Fernández (ah! que número el 22, con el inicio de Den y Zora), a Toppi, Josep Mª Beà, Bonvi, Font, Maroto… Pronto conseguí todos los números que me faltaban (¡benditas librerías de viejo!) y el 84 pasó a ser la estrella (única por aquella época) de mi colección.
Hoy, quizás, valore mucho más revistas como Comix Internacional, TOTEM Calibre 38 o TOTEM, pero ninguna puede igualar el cariño que siento por esa vieja colección de 1984, con las portadas ya destrozadas por centenares de lecturas, casi al punto de la desintegración, pero que recuerdo perfectamente, viñeta por viñeta, portada por portada.
Snif. Halaaaaa más mocos….

El próximo martes 24, a las 19h, se presentará el Club de lectura de cómics de la Biblioteca Pública de Valencia (Antiguo Hospital, C/Hospital 13). El club está dirigido por Álvaro Pons y contará en esta primera sesión inagural con la presencia de Paco Roca, Premio Nacional de Cómic por la obra “Arrugas”, con el que se mantendrá un debate informal y abierto entre el autor y los asistentes sobre todo aquello que rodea al mundo del tebeo.

Curioso: parece ser que Hergé se inspiró en un personaje real para crear a su famoso reportero: Palle Huld, un joven danés de 15 años que dio la vuelta al mundo en solitario en 1928.

Leo (mejor, paladeo) la reciente (y exquisita) edición de Tres novelas en imágenes, de Max Ernst. Una obra realizada para la fascinación de los sentidos, con una potente carga simbólica en cada collage, pero que se realza y refuerza con una estructura narrativa que bebe, evidentemente, de las fuentes de la historieta. Si bien el componente surrealista/dadaísta de estas propuestas puede y debe rechazar cualquier organización argumental compatible con una lógica sencilla, las composiciones de Ernst logran una corrosiva visión de la sociedad y tradición burguesa precisamente a través de collages realizados partiendo de ilustraciones de folletines y obras didácticas. El impacto visual de cada una de las imágenes busca evitar la respuesta ortodoxa, para entrar precisamente en una provocación de mecanismos inconscientes de respuesta, en continua yuxtaposición de contrarios e imposibles. Una obra de infinitas lecturas y sugerencias, que permite entrar directamente en el debate de qué es la historieta. Un debate seguramente estéril, porque si bien existe la tentación de calificar esta narración gráfica como una protohistorieta, basta escarbar un poco en su génesis para comprobar que la tentación de etiquetar esta obra como antecedente de la historieta más que errónea, es una típica conclusión del sentimiento de inferioridad del noveno arte, porque lo que ocurre, como bien indica Juan Antonio Ramírez en el excelente epílogo, es una influencia contraria, desde la historieta hacia el arte gráfico. La obra de Ernst entronca con facilidad con experiencias previas como las de los grabados de Frans Masereel a principios de la década de los 20 (Pasionate Journey en 1919, The Sun en 1920 o The Idea en 1920 – esta última con edición en castellano-) o con los antecedentes directos, casi coetáneo, de Lynn Ward en God’s Man (1929).

El exacerbado surrealismo de las imágenes compuestas de Ernst deriva con fluidez del expresionismo violento de Masereel y muchas de sus propuestas ideológicas se pueden encontrar en los grabados en secuencia gráfica del belga, que con seguridad conocería. Incluso obras incluidas en este recopilatorio, como La mujer 100 cabezas tienen una curiosa correlación conceptual y cronológica con la posterior Destin, de Otto Nuckel (también editada en España por IMHO), que parece reinterpretar las propuestas de Ernst desde una perspectiva de mayor ortodoxia lógica. Obras que han sido consideradas explícitamente como antecedentes de la novela gráfica (como hace David A. Beronä en Wordless Bookd) en un claro intento de establecer vínculos entre la historieta y un arte “superior” pictórico. Intentos claramente erróneos a poco que se haga una mínima correlación cronológica: entre 1929 y 1930, años de aparición de la obra de Ernst y de Ward y Nuckel, con varias obras de Masereel ya publicadas previamente, el lenguaje de la historieta ha alcanzado ya una sofisticación indudable. A finales de la década de los 20, autores como Winsor McCay, George Herriman, Frank King, Geo McManus, Billy DeBeck o Cliff Sterret han desarrollado ya la parte más importante de su producción, que coincide con el asentamiento de las bases del lenguaje historietístico en una complejidad muy alejada de las propuestas pictóricas de Masereel, Ernst o Ward, que se encuentran más cercanas, en ese sentido, con la narración gráfica de la protohistorieta real de Hogarth, Töpffer o Busch.
Es posible que la identificación de “antecedentes” de la historieta pudiera tener una justificación en tanto en cuanto los recursos narrativos son coincidentes con los de los pioneros de la historieta en Europa, pero es evidente que la dirección de la influencia tiene un sentido claro: son las historietas (ya sea las protohistorietas de los antes citados o las ya reales publicadas en la prensa americana y que se publicaban con cierta celeridad en Europa) las que realmente definen una influencia sobre las propuestas pictóricas, permitiendo a los pintores/ilustradores trabajar en una zona limítrofe de la ilustración tradicional, ampliando el juego narrativo monodimensional de la imagen única a una propuesta secuencial de mayor posibilidad formal y conceptual. A partir de aquí, la brillantez de las propuestas de Ernst, Masereel o Ward cran una clara retroalimentación sobre la historieta, que se nutrirá del estilo gráfico y narrativo en el futuro, tanto de los trazos expresionistas como del complejo simbolismo icónico. No es difícil rastrear estas influencias incluso en la actualidad, desde casos evidentes como los de Thomas Ott o Peter Kupper a otros quizás más sutiles, como Charles Burns, que juega con la fuerza del claroscuro, del contraste negro y blanco, con ciertas similitudes a lo que se puede encontrar en la obra de Ward. Y no sólo ahí, sino indirectamente a través de la influencia que ha tenido en otros movimientos pictóricos, como la figuración narrativa, que a su vez han tomado préstamos de la historieta y han dejado impronta en ella.
La historieta influye y es influida en un constante toma y daca entre el noveno arte y el resto de formas artísticas. Muchas veces, nos centramos en análisis de influencias derivados únicamente de la historieta, pero basta un rápido repaso a la historia del arte para encontrar en estilos de dibujante de tebeos que calificamos de “modernos” o “rompedores” estilos gráficos o pictóricos que tienen ya décadas sobre sus espaldas, reproduciendo en la historieta debates ya ampliamente superados.
En cualquier caso, sea cual sea la influencia, no os perdáis esa joya que es Tres novelas en imágenes, con edición cuidada de Atalanta.

Hace ya unos años di cumplida cuenta de este maravilloso corto, pero aprovecho que los chicos de Fantagraphics lo vuelven a colgar para recordarlo (Gracias a Entrecomics y a Kiko).

Los próximos días 6 y 7 de diciembre se celebrarán en el Casinet d’Hostafrancs de Barcelona las jornadas benéficas Ayudar Jugando.
Entre otras muchas actividades, se celebrará una subasta presencial de lotes relacionados con el mundillo, juegos, novelas, comics, ilustraciones, etc.
Como subasta en vivo está limitada, asi que desde hace algunos años hemos creado tambien una subasta online centrada casi por completo en el cómic. Esta subasta está abierta hasta el domingo a las 00:00:00.
En la subasta online se podrá pujar por:
- El último Deseo y La Espada del Destino (Saga de Geralt de Rivia I y II), de Andrzej Sapkowski, firmadas “for the smile of a child”
- Comic, Minimonsters (2 vol.) de David Ramírez, firmados “para Ayudar Jugando”
- Pack ilustraciones Magic: Rebecca Guay, Terese Nielsen, James Nelson (3), Ron Spencer
- Comic, Favole nº1 de Victoria Francés, dedicado “Para Ayudar Jugando y por la sonrisa de un niño, con amor” + * Lámina de Sasha numerada
- Comic, Giacomo C. de Dufaux y Griffo, con dibujo a lápiz de Griffo y dedicatoria “por la sonrisa de un niño”
- Libro de ilustraciones, Feelings de Rebeca Saray, con “Para Ayudar Jugando con muchísimo cariño”
- Comic, Bardín el Superrealista de Max, con dibujo y dedicatoria “para la sonrisa de un niño”
- Comic, La Parejita – Cazadores de Ofertas de Manel Fontdevila, con dibujo y dedicado “Para Ayudar Jugando, salut!”
- Comic, Luuna de Crissé, con dibujo a acuarela y dedicatoria “for the smile of a child”
- Comic, Sky-doll, de Babucci con dibujito y dedicatoria “per el sorriso de un bambino!”
- Comic, Piel de Dragón de Jordi Bayarri, con dibujo y dedicatoria “por la sonrisa de un niño”
- Comic, Jóvenes dibujantes Y Tom en los Ángeles, de Daniel Torres, dedicado “para Ayudar Jugando” con dibujo
- Comic, Subversive Beatuy de Luis Royo, con dibujo a lápiz y dedicado “por la sonrisa de un niño”
- Comic, Wassalon de Clara-Tanit, con dibujo y dedidicado “para Ayudar Jugando, con cariño”
- Comic, Djinn nº5 de Dufaux y Miralles, con dibujo y dedicado por Miralles “por la sonrisa de un niño, cordialmente”
- Comic, El Ángel Caído nº4, de Peter David y David López, con dibujo y dedicatoria de David López “por la sonrisa de un niño”
- Comic, El gabinete del Doctor Salgari de Santiago Valenzuela, con dibujo y dedicado “Para Ayudar Jugando, un abrazo”
- Comic, Cruz del Sur de Raquel Alzate, con dibujo y dedicatoria “Para Ayudar Jugando, con mucho cariño”
- Comic, Wolverine – The Punisher, Revelation nº1, numerado 158 de 500, firmado por Golden. Sniegoski y P.Lee
Se puede acceder a la subasta online en: http://ayudarjugando.omercenario.org/web/forum/59

El programa para las jornadas: http://ayudarjugando.omercenario.org/web/node/690

Atentos a la nota que me pasan de El Jueves:

Ayer, lunes 10 de noviembre, la redacción de El Jueves recibió un comunicado del Juzgado de primera instancia nº9 de Sevilla, por cortesía de los abogados de la Récord Guiness en títulos nobiliarios Doña María del Rosario Cayetana Fitz-James Stuart y Silva, XVIII Duquesa de Alba.
Dicho comunicado no es otra cosa que un auto en el que, aunque nos ha costado un rato, nos hemos enterado que se ha solicitado “la adopción de medidas cautelares de SECUESTRO DE PUBLICACIÓN Y PROHIBICIÓN DE HACER (así, en mayúsculas), para asegurar la efectividad de la pretensión a ejercitar la demanda que se propone promover a EDICIONES EL JUEVES S.A., ÓSCAR NEBREDA, J.L.MARTÍN Y PEDRO VERA y consistente en PROTECCIÓN DE DERECHOS FUNDAMENTALES” (más mayúsculas).
Por ahora, la cosa está tal que así: el señor juez ha denegado la adopción de medidas cautelares solicitada por la procuradora de la Duquesa de Alba, eso sí, aún pueden interpner recurso de apelación.
¿Lo interpondrá?¿No lo interpondrá?

Manía esta de la aristocracia de secuestrar publicaciones…

Arrugas, el álbum de Paco Roca ha ganado en el Festival Internacional de Lucca el premio a la mejor historia larga., el más importante concedido por este prestigioso evento italiano.
Más información, aquí. 

¡Enhorabuena Paco!

¡Felicidades!

Leyendo el excelente Rebel Visions de Patrick Rosenkranz (que Fantagraphics reeditó hace unos meses tras varios años inencontrable), caigo en el curioso olvido que se tiene desde este país de la figura de Víctor Moscoso. Mientras que otros ilustres exiliados a los EE.UU. como Sergio Aragonés o José Luis García López son reivindicados de forma continuada por los aficionados españoles, el gallego Víctor Moscoso es prácticamente desconocido por estos lares. Una ignorancia imperdonable, porque tanto su vertiente comiquera como, sobre todo, en la ilustradora, Moscoso es uno de los autores más influyentes que ha tenido el mercado USA. Parte indispensable de la revolución underground que supuso Zap, su nombre es indisoluble a los de Robert Crumb, Spain Rodríguez, S. Clay Wilson o Rick Griffin y sus historietas son una experimentación estilística continuada. Como ilustrador, su exploración de la psicodelia y su particular uso del color influenció de forma notable a toda la generación de los 70, siendo recordado por sus pósters y portadas de discos y revistas.
Algunos ejemplos clásicos de este autor, como sus portadas:

Sus lisérgicos pósters:

O sus historietas (pinchando accederéis a un escaneado completo del número):

Por no hablar de su versión de Krazy Kat:

¿Alguien reivindicará alguna vez a este autor español? ¿Quizá el Salón de A Coruña aprovechando que fue convecino suyo?¿Se editará alguna vez en España el lujoso Sex, Rock & Optical Illusions. The Art of Victor Moscoso? Por lo menos, al mismo nivel que nos apropiamos de otros autores que también nacieron a este lado del charco pero emigraron tempranamente a América…
Y para acabar, un extracto de la larga entrevista que le dedicó The Comics Journal en su número 246.

Señoras y señores, servidor echa el cierre de La Cárcel durante una semanita. Hala, no se detengan por aquí, circulen, circulen…

¡Nos vemos en una semana!

Curiosidad veraniega donde las haya: Mauro Entrialgo ha preparado un minipasatiempo de preguntas sobre editores de tebeos españoles para el videojuego Buzz! de la PS3. Para jugar, se puede acceder desde el propio juego, con toda la parafernalia propia o de él (sección “Mybuzz”, apartado “Cultura general”, subapartado “Cómics y diseño gráfico”) o bien de una forma más sencilla desde cualquier navegador, desde la web de MyBuzz.

Fin de semana marcado por las adaptaciones literarias a la historieta. En primer lugar Fugitivo, de Laurent Maffre (sins entido), que parte del trabajo de uno de los padres del periodismo de investigación, Albert Londres. Londres narra la injusticia de las cárceles que Francia mantenía en la Guayana a través de la historia de Dieudonné, un militante anarquista injustamente condenado a diez años de trabajos forzados. Maffre realiza un cuidadoso trabajo de traslación a la historieta de esta contundente crítica a la terrible realidad de unos presos olvidados del mundo, que dejaban su vida para la expansión colonialista y que sólo vivían con la esperanza de la “bella”, la ansiada libertad que tomaba forma de mujer inalcanzable.
Una labor rigurosa que permite transmitir al lector el exhaustivo trabajo de Albert Londres, consiguiendo dotar de la contextualización necesaria para poder comprender su importancia, sin dejar en ningún momento de transitar con acierto entre la ficcionalización y el ensayo periodístico. Con su estilo gráfico a medio camino entre Tardi y Comés, Maffre logra que la lectura sea siempre interesante, componiendo una obra de indudable atractivo. (3)
Bien diferente es Tres veces uno, de Gabrielle Piquet (La Cúpula), que adapta tres relatos breves de Tonino Benacquista. Sirva como primera impresión que, pese a que desconocía por completo la obra de este escritor, tras la lectura de este álbum pasa a ser objetivo prioritario de mis próximas lecturas. Las tres historias que componen el libro editado por La Cúpula me recuerdan en cierta medida a esa narración carveriana de realidad de giros inesperados, sazonadas con un sanísimo punto de humor soterrado mediterráneo. Es verdad que existe una matiz de previsibilidad en los giros finales de las historias, pero el desarrollo de las mismas me parece fresco y sugerente, perfectamente ejemplificado en “La pajarera”, esa historia que abre el álbum y que nos cuenta la dificultades que un sobrino tiene para cumplir las últimas voluntades de su tío. Historias atractivas que se ven potenciadas por la espléndida labor de Gabrielle Piquet, una joven autora que debuta aquí con un estilo perfecto para la obra de Benacquista. Un trazo limpio, de línea fina, que elude el marco de las viñetas para conseguir un flujo del dibujo realmente acertado y que se permite, en algunos momentos, interesantes experiencias tomando préstamos de la ilustración clásica y satírica de los años 20.
Un excelente libro que me ha descubierto a un escritor que debo explorar y a una autora que hay que seguir en el futuro (3+).

Ya hay ganadora de la primera beca La Alhóndiga de Bilbao: Clara Tanit Arqué. La joven dibujante catalana disfrutará de un año de beca en La Maison des Auteurs de Angouleme para poder desarrollar una obra de historieta.

¡Enhorabuena!

Esto debía ser allá por 1980. Servidor era entonces un preadolescente imberbe de apenas 13 años, lector de superhéroes (¡ay!¡pecados de juventud!), que se nutría habitualmente de los tebeos que llegaban al quiosco de la esquina. Una rutina de visita diaria que un día encontró algo diferente, una portada. Era espectacular: un hombre desnudo saltaba sobre una especie de reptil antropomorfo, mientras una voluptuosa mujer miraba toda la escena. La portada tenía unas formas y colores hipnóticos. Tonalidades naranjas y verdes que componían un mundo fantasmagórico y distinto. Era la portada de la revista 1984, en su número 22, donde se anunciaba a bombo y platillo el estreno de una serie: Den, de Richard Corben.
Y ese día, el mundo, mi mundo, cambió. Ese día descubrí que el mundo del tebeo era otra cosa, que era un mundo de adultos al que yo podía pertenecer. Era el paso definitivo que todo preadolescente quiere dar, el de la consideración adulta. En esa época se solía dar con el primer Ducados, pero servidor lo hizo con el número 22 de la revista 1984 y con Richard Corben. Es evidente que mis alborotadas hormonas le hicieron mucho caso a las rotundas formas desnudas femeninas que poblaban la historieta, pero había mucho más. Había un dibujo como nunca antes había visto. Una concepción de la forma de contar la historia que me era completamente ajena. Por mucho que rebuscaba en mis tebeos de Dólar, Novaro y Vértice, no encontraba nada que se asemejara a lo que Corben hacía.
Ese día, también decidí que iba a coleccionar tebeos. Ya lo hacía, de facto, tenía centenares, pero ese día decidí que coleccionaría el 1984. Poco a poco fueron aumentando las revistas, pero por esas épocas, uno de los ejes comunes era siempre Richard Corben. Comprábamos Delta u otras revistas por el simple hecho de que tenían una paginita de Richard Corben. Y en nuestra ingenuidad, contábamos las páginas que teníamos de cada dibujante para descubrir siempre que Corben dominaba todas las estadísticas. Era nuestra guía absoluta. De hecho recuerdo perfectamente mi primer álbum, comprado con el sudor de mi frente ahorrando cada mísera peseta: era un álbum recopilatorio de historias de Edgard Allan Poe, con un portada espeluznante de Corben y, lógico, varias historietas suyas en su interior (incluyendo la sensacional adaptación de El Cuervo). Me costó la fortuna de 400 pesetas, un dineral de la época.
Pero todo adolescente está abocado a renegar de sus orígenes. Por mucho que se quiera evitar, siempre llega un momento en que despreciamos nuestro pasado y abrazamos la novedad y lo distinto como indicativo de madurez. Y yo lo hice con Corben.
Allá por el 83 o así (¡ay! 17 o 18 añitos, ¡quién los tuviera!), decidí que Corben era el pasado y que lo que realmente me interesaba era la nueva estética que llegaba de Francia. La línea clara y los Humanoides, el nuevo Metal Hurlant y el Cairo…
Menudo gilipollas.
Afortunadamente, años después, volví a releer dos historias cortas que me demostraron hasta qué punto la impulsividad adolescente es peligrosa. Porque sí, la línea clara es maravillosa, y los Humanoides o el Cairo fueron unas experiencias inolvidables, que hoy siguen encantándome… Pero Corben es Corben. Descubrí con esas dos historias que su espectacular dibujo era tan sólo la tapadera de una concepción de la narrativa soberbia, magistral, que entendía el oficio de contar visualmente como muy pocos autores lo han concebido nunca. Esas dos historias fueron Cidopey y Profundo.

Cidopey es una preciosa historia circular, un cuento, una fábula que habla del amor entre Cid y Opey. La historieta se abre con un violento contraste de cromatismos, rojos y azules, y va desarrollando una historia paralela, donde Corben consigue ir generando una trama que va cambiando desde la celebración paradisiaca del amor entre los dos protagonistas hasta un durísimo y contundente final, desolador, en el que la historia adquiere nuevas dimensiones, que la llevan a una conclusión radicalmente diferente.

Con la sencillez de la celebración de la felicidad y desgracia de Cid y Opey, casi ingenua, Corben plasma con magistralidad en apenas unas viñetas el resumen más condensado e impactante de la desgracia humana, de la imposibilidad de salir de nuestra cárcel corporal.

Profundo es el otro extremo, es un tour de forcé narrativo. Dos protagonistas, en medio de la anda. Un naufragio y una pareja atados a un salvavidas. No hay diálogos. Sólo un narrador que va contando la historia. Y una concepción narrativa simplemente única. Un drama que va creciendo en fuerza y potencia a cada viñeta, consiguiendo transiciones de una potencia inerranable, difícilmente equiparable en cualquier otro medio. Donde vemos cómo la desesperanza se transforma en pura locura, en un crescendo dramático perfectamente orquestado. Corben va alternando la realidad con la narración del episodio que les llevó a tan desesperada situación, consiguiendo un perfecto equilibrio, que llevará, inevitablemente a una conclusión terrible.

Cuando releí estas dos historias, que aparecían en aquellos volúmenes de El extraordinario Mundo de Richard Corben que editara Toutain, me di cuenta de hasta qué punto Corben era y es un genio absoluto de la narrativa. Durante años estuvimos obnubilados sólo por su capacidad gráfica, por su extraño color de fotomecánica, pero nos olvidamos de por qué nos atraían sus historias con esa fuerza. Esa capacidad única de atrapar al lector en la historia, de magnetizarlo a la página y de saber dosificar cada paso, cada viñeta, de componer la página con sabiduría en función de cómo quiere llevar al lector por ella. De cómo su dibujo de personajes deformes o hipervigoréxicos era tan sólo parte de todo un gigantesco abanico de recursos narrativos que tenían como único fin contar una historia con eficacia. ¡Y vaya si lo conseguía! Leer la obra de Corben debería ser recomendable para todo aficionado, pero casi una obligación para cualquiera que quiera dedicarse a la historieta. Páginas que debería estudiar con fruición, con rigurosidad, buscando destilar la esencia de la historieta, de la narración gráfica.

Pupurrí de lecturas saloneras:
- Mouse Guard, de David Petersen (Norma), era uno de esos tebeos que habían conseguido colarse entre la lista de tebeos que me interesaba leer, gracias tanto a las muchas recomendaciones que de él se han dado como a un nutrido currículum plagado de premios, entre los que se incluye el Eisner a autor revelación. Petersen ha construido una historia clásica de aventuras, con claras inspiraciones en el ciclo artúrico o las historias de caballerías: cortes de aguerridos hombres que deben guardar con sus vidas la paz y sosiego de los demás. Con una pequeña diferencia, eso sí: los protagonistas de Mouse Guard son ratoncillos.
En teoría, un punto de partida original que permitiría desarrollar todo un despliegue imaginativo que, por desgracia, apenas explora. Si bien Petersen podría haber desarrollado ese mundo de ratoncillos siguiendo la excelsa línea de “furry animals” del tebeo americano, opta por utilizarlo únicamente como una opción estética –con apenas algunos apuntes más relacionados con el tamaño-. Se centra en la historia heroica, con un entretenido argumento de traiciones seculares y valientes caballeros, que si bien tiene momentos confusos y baches de ritmo, quedan compensados por el impresionante trabajo gráfico del autor. Petersen brilla especialmente en este apartado: un grafismo elegante y muy adecuado a la historia, un interesante uso del color y una indudable solidez narrativa se conjugan acertadamente, consiguiendo que, al final, se pase un agradable momento de lectura. (1)
- Koma 4. El Hotel, de Wazeem y Peeters (dibbuks). A estas alturas, recomendar encarecidamente la lectura de esta obra de Peeters debería sobrar. Encontraremos exactamente lo mismo que en los tres anteriores: un guión sólido, perfectamente orquestado por los dos autores, que va enredándose y abriendo nuevos y sugerentes caminos en cada álbum; personajes atractivos y perfectamente definidos, como la deliciosa Addidas o el intrigante monstruo; un dibujo extraordinario, con un dominio de la narrativa al mismo nivel…Y la única pega, la misma que en los anteriores: que las 48 páginas del álbum se quedan en nada. Siguiendo la tónica de los últimos años en el tebeo francobelga, cada álbum de Koma es apenas un suspiro que obliga a esperar ansioso la siguiente entrega…dentro de un año. Por desgracia, el modelo de álbum anual tan propio del tebeo francés casa con mucha dificultad con un estilo narrativo basado en pocas viñetas por página y una mayor dilatación de la acción. Una lástima, porque con una serie como Koma, la espera se hace insufrible. (3)
- Aya de Yopougon 2, de Marguerite Abouet y Clément Oubreríe (Norma). Poco puedo decir que no repita lo ya dicho para el primer volumen de la serie. Un entretenidísimo tebeo, que si bien podría encasillarse dentro de la moda “Persépolis”, tiene suficientes méritos propios como para destacarse. Abouet y Oubrerie crean un retrato costumbrista que nos habla de la vida en Costa de Marfil sin caer en la anécdota fácil o en la visión habitualmente reduccionista del extranjero, equilibrando con acierto la historia de las tres amigas Aya, Adjoua y Bintou con el relato de las particularidades de la vida y sociedad marfileña, siempre con humor y frescura. Un cóctel de National Geographic, Sfar y “slice of life” de lo más atractivo. (2)