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Habibi

Álvaro Pons — Wed, 05 Oct 2011 10:13:23 +0000

“Hay defectos en esta vida que, según cómo se mire, pueden ser a la larga virtudes”. No sé dónde leí o escuché esta frase, pero a medida que avanzaba en la lectura del monumental mamotreto que Craig Thompson ha construido con Habibi, me venía una y otra vez a modo de mantra machacón al que intentaba no hacer caso peroy que, tras pasar la última de las casi 700 páginas que conforman el libro, me parece tremendamente adecuada para describirlo.
Hay mucho que hablar y mucho que reflexionar sobre este libro, que difícilmente se puede separar de las anteriores creaciones del autor (tanto Adiós Chunky Rice como Blankets o sus minicómics y Cuaderno de viajes), en tanto plasma la obsesiva personalidad del autor hacia su obra, en la que parece involucrarse de forma total. Así ha sido con Habibi, una novela gráfica que le ha llevado nada más y nada menos que siete años de trabajo al autor, un largo periodo que es fácil de creer ante las casi 700 páginas que resultan de él, abigarradas en lo gráfico y con evidentes pruebas de profundas tareas de documentación. Sin embargo, creo que en la lectura de Habibi es todavía más importante la mimetización profunda que se produce entre obra y autor. Durante esas 700 páginas, no asistimos a la lectura de una obra consiste y sólida, sino a la confección de una compleja y sofisticada vidriera de inquietudes e intereses del autor, apenas sostenidas por una débil excusa argumental. No es difícil ver a lo largo de la obra cómo el autor iba zambulléndose en la cultura islámica y ampliando poco a poco sus intereses, creando nuevas preguntas a las que va buscando respuesta, utilizando a sus dos protagonistas como extensiones propias que le permiten explorar y reflexionar sobre sus dudas. Y aparece aquí el primer problema: es evidente que Thompson buscaba desesperadamente compartir su fascinación por la cultura del Islam, sabía de qué cosas quería hablar, pero no cómo cohesionarlas en un único flujo. La historia de Dodola y Zam, aislada de todo su contexto gráfico, es un culebrón exagerado, que alarga una historia de amor imposible a través de esos excesos melodramáticos que tanto lastran por ejemplo la filmografía almodovariana. Ridículos incluso, si se quiere. Intenta trasladar la fascinación de la leyenda de Scheherezade a un entorno actual, para dar lugar a un escenario extraño de indefinición temporal que más sugiere el anacronismo que la leyenda, generando dos partes diferenciadas en su escenario de fondo (la primera, de fábula, la segunda, realista) que no llegan a cuajar. La ya conocida ingenuidad del autor, que tan bien funcionaba en sus dos obras anteriores, actúa aquí de forma contraria: la historia se resquebraja, no tiene cohesión y resulta pobre.
Un buen carro de defectos. Muchos, demasiados.
Y, sin embargo, la obra funciona. “E la nave va”.
Creo que la razón se encuentra precisamente en esa dispersión y diversificación temática de la que hablaba antes: Habibi es un cúmulo de historias a través de un nexo común que, en la práctica, es olvidable. Si dejamos de lado ese relato vertebrador, cada una de sus ramas adquiere presencia propia y resulta especialmente interesante, mucho más que el conjunto, ayudada por una labor gráfica simplemente espectacular.
Es entonces cuando comienzan a aparecer los temas que de verdad interesaban a Thompson, que creo que se pueden centrar en la fascinación por la palabra, tanto como elemento básico de la iconografía árabe como parte constitutiva del cuento como elemento basal de la imaginación, la sublimación de la sexualidad y un cierto mensaje de denuncia social.
Vayamos por partes:
Sin duda, si en algo destaca Habibi es por su aspecto formal. Thompson explora a lo largo de toda la obra la rica iconografía simbólica islámica, que sin la posibilidad de desarrollarse en la imagen naturalista por imperativo religioso, se vuelca en los elementos geométricos y caligráficos. Durante toda la obra, esa presencia es total, y Thompson vuelca con verdadero acierto el análisis y fijación por el simbolismo alegórico de los elementos de la iconografía islámica, trasladando al lector la belleza de la caligrafía árabe, imbricándola en composiciones gráficas que explotan esa elegancia, logrando el difícil equilibrio de ser tan didácticas como hermosas en su conjunto. Hay un profundo trabajo de investigación detrás de cada página, de minuciosa exploración de las raíces históricas y religiosas de los símbolos, de las letras, de las estructuras geométricas, así como de su significado y uso. Thompson entiende a la perfección la potencia de la composición gráfica de la página como elemento fundamental de la capacidad pedagógica del lenguaje de la historieta, pero se muestra como alumno aventajado de David B. para añadir a esa capacidad la traslación de emociones y sentimientos al lector a través de la metáfora gráfica. Sobre todo, resulta fascinador cómo Thompson consigue combinar la iconografía musulmana con la tradición gráfica ilustrativa occidental. Las formas repetitivas geométricas, la caligrafía omnipresente o la línea recta como elemento axial se unen a la representación naturalista para generar una imaginería propia, reconocible desde las dos perspectivas, pero propia y definida en su particularidad. Imágenes de gran belleza y de un inusitado impacto visual, que Thompson borda a lo largo de toda la obra.

Y es precisamente de esa fascinación por el simbolismo de la palabra como elemento gráfico de donde deriva otro de los defectos reconvertidos en virtudes del libro: el uso del referente a las mil y una noches puede ser inconsistente en su globalidad, pero es tremendamente evocador y sugerente en lo individual. Dodola, la protagonista, toma el lugar de Scheherezade para fabular, para crear bellísimas historias que sirven al autor para explorar tanto el Corán como la mitología oriental, con especial atención a las reescrituras de la tradición cristiana. Y el resultado no puede ser más afortunado: cada una de las historias profundiza en el sentido de la fábula clásica como elemento transmisor de una moral, esbozando como la compleja estructura de la Biblia o el Corán es tan sólo una consecuencia de su función como garante del paso de esas enseñanzas de una generación a otra. Pero, también, lanzando una reflexión muy interesante sobre la relación existente entre la fábula popular y las leyendas (representadas claramente por la figura de Scheherezade) y la génesis de las religiones, tanto monoteístas como politeístas.
El segundo de los aspectos que se desarrolla en Habibi entronca directamente con Blankets: el desarrollo de la sexualidad. Aquella vivencia de los inicios sexuales marcada por los complejos de culpa de origen religioso que conformaba el núcleo fundamental de Blankets, se desarrolla en Habibi y toma forma de tesis fundamental a través de la sublimación de la sexualidad. El sexo como fuente de impureza pero, a su vez, como elemento necesario de la relación de amor. Una difícil dualidad que Thompson resuelve a través de la exaltación de la sexualidad hacia lo espiritual para dejar atrás lo físico y corpóreo, en un planteamiento quizás excesivamente ingenuo. A lo largo de la obra, Thompson repite y remacha esa visión pecaminosa del sexo, tanto desde la represión consciente del deseo (casi representado de forma incestuosa) como de la representación del acto sexual físico como una forma de violación constante, forzada y rechazable (hasta el punto de dar una imagen inicial casi sucia de la maternidad, como una especie de consecuencia del acto sexual representada desde una visceralidad opresiva). Dos ideas que encontrarán en la clásica figura de la cultura oriental del eunuco una forma de canalización en la historia, que le dará excusa a Thompson para desarrollar su visión ascética y elevada del sexo como una especia de nivel máximo de espiritualidad dentro de la relación de pareja. Quizás dentro del entorno de fábula que plantea el autor, pueda perdonarse la candidez de la propuesta, pero dentro del desarrollo de la obra, esta idea llega precisamente en un momento de contraste con una supuesta realidad actual donde puede chirríar todavía más.

De hecho, esa realidad actual supone el tercer mensaje claro que lanza Thompson y, quizás, el que entra con más dificultades dentro de la historia que plantea: si en la primera mitad de la obra todo parece indicar que estamos inmersos en una fábula de las mil y una noches situada en un indeterminado tiempo pasado, la segunda mitad del libro se traslada a un presente de podredumbre y deterioro donde, de nuevo, la sencillez de planteamientos de Thompson le pasa factura: la representación de la destrucción medioambiental o de la avidez de la sociedad neocapitalista están tan plagadas de tópicos que, sin dejar de ser completamente reales (desamparo de la infancia, poblaciones famélicas que viven en vertederos, la completa devastación de la naturaleza reconvertida en vertederos venenosos, la esclavitud del trabajador o las diferencias de clases cada vez más acentuadas son constantes de los telediarios), en su acumulación resultan tan maniqueas como increíbles. Y es que la denuncia de la realidad se debe basar, precisamente, en la realidad: no es necesario acentuarla para hacerla dramática. La comparación con la obra de Joe Sacco, por ejemplo, viene al caso: sus novelas gráficas hacen una representación angustiosa de la terrible situación del Oriente Medio, que en ningún momento necesita acudir a la exageración o a redundar en la dureza de lo que allí ocurre para sobrecoger al lector. Sin embargo, Thompson abusa de la reincidencia continuada en el dramatismo, de amontonar desgracias y horrores hasta un punto en que, decididamente, echa al lector de esa realidad, ayudado por ese difícil equilibrio que intenta mantener entre fábula y actualidad.
Pero pese a los defectos, es indudable que la obra funciona, que la lectura es fluida aún a pesar de todos esos defectos argumentales. Como ya he comentado, esa dispersión de ideas juega a favor del autor en todo momento: posiblemente si hubiera planteado su obra de forma más sólida, los defectos habrían pesado demasiado, pero esa improvisación constante, ese cambio continuado de foco de atención, hace que los defectos se vayan diluyendo, que antes de que frunzamos el ceño por uno de esos episodios que pueden resultar frustrados, estemos ya inmersos en una nueva parte que hace olvidar la anterior, siempre ayudado por una labor gráfica extraordinaria, brillantísima.
En el fondo, Habibi no es la exploración de la cultura árabe, sino el reflejo de la personalidad de un autor, con sus ambiciones, inquietudes, imperfecciones y sus virtudes, con sus luces y oscuridades. Personalmente creo que eso ya es suficiente para darle una oportunidad, pero si no es suficiente, sigue quedando ese fascinante trabajo de exploración de la iconografía árabe. Cualquiera de las dos razones justifica su lectura.
Enlaces:
- Blog de Craig Thompson
- Process Gallery

Novedades de Astiberri de septiembre

Álvaro Pons — Tue, 16 Aug 2011 10:40:36 +0000

(**)- MEMORIAS DE UN HOMBRE EN PIJAMA, de Paco Roca Cartoné. 140 págs. 17×20 cm. Color. PVP: 16€
(**)- HABIBI, de Craig Thompson. 672 págs. Cartoné. 17×24 cm. BN. PVP: 39 € (edición en catalán y castellano)
- PARKER VOL 2: LA COMPAÑÍA, de Darwyn Cooke 160 págs. Cartoné. 17x24cm. Bitono. PVP: 18€
Basado en la novela original de Richard Stark
(*)- El juego de la luna, de Enrique Bonet y José Luis Munuera. 136 páginas. Bitono y BN. Cartoné. 23,5 x 31 cm. PVP: 21 euros 2.ª edición

(**)- MEMORIAS DE UN HOMBRE EN PIJAMA, de Paco Roca Cartoné. 140 págs. 17×20 cm. Color. PVP: 16€
Paco Roca aborda la vida cotidiana de un cuarentón que por fin ha conseguido su sueño infantil: quedarse en casa todo el día con el pijama puesto. Con una considerable carga autobiográfica y un referente en la serie televisiva Seinfeld, el autor valenciano apela más a la sonrisa que a la carcajada.
Estas Memorias de un hombre en pijama, donde en ocasiones también tienen cabida reflexiones de corte más serio y que han sido prepublicadas semanalmente durante año y medio –de marzo de 2010 a julio de 2011– en el periódico valenciano Las Provincias, describen en todo caso a Paco Roca como un atento observador de comportamientos propios y ajenos.
“En esta obra –apunta en el prólogo Julián Quirós, director de Las Provincias– encontrará a un autor que se ríe sobre todo y por encima de todo de sí mismo (…), de las aventuras amorosas de sus amigos (a mitad de camino entre el triunfo y lo ridículo), las comeduras de cabeza que provoca el trabajo solitario y casero, y hallará una mirada festiva sobre todo esto, tierna, primeriza, como intentando ver las cosas por primera vez, como lo haría un niño”.
Y es que el humor ha estado siempre de manera más o menos evidente en la obra de Paco Roca, incluso en las obras más graves. Pero es en Memorias de un hombre en pijama donde el gag, el apunte jocoso, está más presente: “siempre he tenido que “morderme los chistes” para no meter más humor en las historias. Así que hacer algo puramente de humor siempre me ha apetecido. Llevo muchos años haciendo una tertulia radiofónica de humor, he hecho sketches para televisión y siempre –concluye– he querido hacer una comedia en cómic”. Y lo ha conseguido.

(**)- HABIBI, de Craig Thompson. 672 págs. Cartoné. 17×24 cm. BN. PVP: 39 € (edición en catalán y castellano)
Un total de siete años han sido necesarios para que Craig Thompson, el celebrado autor de Blankets (Astiberri, 2004), haya terminado Habibi, su nueva y ambiciosa novela gráfica. A través de un paisaje de desiertos, harenes y un revoltijo de modernos desechos industriales, Habibi cuenta la historia de Dodola y Zam, una pareja de esclavos refugiados unidos por la casualidad, las circunstancias y el amor que surge entre ellos.
A la vez contemporánea e intemporal, Habibi nos ofrece una historia de amor conmovedora, una parábola sobre nuestra relación con la naturaleza, la división cultural entre el primer y el tercer mundo, la herencia compartida entre cristianismo e islamismo y la magia de contar historias.
El lanzamiento de Habibi ha generado un considerable revuelo en los medios de comunicación estadounidenses. La nueva obra de Thompson se publica simultáneamente en Estados Unidos, España, Francia, Alemania, Holanda, y el autor, tras una gira de presentación por Estados Unidos, hará lo propio en Europa.

- PARKER VOL 2: LA COMPAÑÍA, de Darwyn Cooke 160 págs. Cartoné. 17x24cm. Bitono. PVP: 18€
Basado en la novela original de Richard Stark
Tras arreglar las cuentas con los que le habían traicionado, Parker, el truhán surgido de la pluma de Richard Stark (seudónimo de Donald Westlake), se ha arreglado la cara y disfruta de las comodidades de la vida alojándose en buenos hoteles. Hasta que un chivato lo descubre ante La Compañía para conseguir la recompensa. El intento de eliminarle sale mal y Parker recurre a diversos contactos de los bajos fondos que le deben favores para ir a por la cabeza de la organización que quiere quitarle de en medio.
La Compañía es, tras El cazador (Astiberri, 2010), que le valió a Darwyn Cooke los premios Eisner y Harvey al mejor autor de cómic, la segunda adaptación de Cooke de las novelas de Parker, en esta ocasión mezclando partes de la segunda y tercera novelas de la serie: El hombre que cambió de cara y La Compañía.
Esta nueva entrega de Parker le ha valido a Cooke el premio Eisner al mejor guionista y dibujante en la San Diego Comic-Con de 2011.
(*)- El juego de la luna, de Enrique Bonet y José Luis Munuera. 136 páginas. Bitono y BN. Cartoné. 23,5 x 31 cm. PVP: 21 euros 2.ª edición

Novedades de Astiberri de agosto

Álvaro Pons — Thu, 04 Aug 2011 17:01:45 +0000

(**)- La mano del diablo, de Brais Rodríguez.
(*)- Wáluk, de Ana Miralles y Emilio Ruiz.
(**)- Lupus. Tomo integral, de Frederik Peeters.
- Blankets 5.ª edición, de Craig Thompson.

- La mano del diablo, de Brais Rodríguez Blanco y negro. Rústica con solapas 72 páginas. Tamaño 17 x 24 cm. 10 euros

Los efectos de la guerra
La ópera prima del coruñés Brais Rodríguez es un sólido alegato contra la sinrazón de la guerra, que consiguió el Premio Castelao de cómic 2010
Un grupo de soldados recorre el territorio asignado destruyendo pueblos y eliminando a los supervivientes hasta que uno de los miembros del grupo resulta herido en una emboscada. Obligados a buscar ayuda para su compañero, acaban encontrando refugio en la casa de unos campesinos que, en otras circunstancias, hubieran sido el blanco de sus acciones… En la esencia de La mano del diablo está un sólido alegato contra la sinrazón de la guerra y la forma en la que ésta afecta al comportamiento de quienes participan en ella.
A Brais Rodríguez, ganador del premio Injuve 2010 en el apartado de cómic e ilustración, y del Premio Castelao 2010 por La mano del diablo que ahora se publica, le interesaba hacer una historia bélica, donde los protagonistas, que deben penetrar en un lugar ajeno a ellos y completar una misión, demuestran pasividad moral en sus violentas acciones, masacres ante las que ni siquiera revelan un ápice de piedad.
Con un dibujo en blanco y negro que dota de dinamismo a la lectura, el autor coruñés plantea una narración marcada por escenas elípticas tendente a evitar una explicación constante de los sucesos y que busca la colaboración del lector en la interpretación de la historia; asimismo, le resultó interesante darle un papel antagonista a la naturaleza, al azar y al destino: “La intención fue que, en el viaje de los soldados, sus enemigos (muy débiles, pero existentes) y el entorno pusiesen en tela de juicio su comportamiento y sus actos”, confiesa Brais Rodríguez.
Brais Rodríguez (Brión, A Coruña, 1980) estudió Bellas Artes en Pontevedra, donde coincidió con otros dibujantes de cómic como Diego Blanco, Roque Romero, Miguel Porto, Jano, Bernal Prieto o Alberto Vázquez. Junto a ellos y otros dibujantes gallegos, comenzó a colaborar en fanzines y entró a formar parte del colectivo Polaqia.
Sus tebeos han sido publicados en fanzines y revistas como Barsowia, Fanzine Enfermo, ARGH!, Dos Veces Breve, Monográfico, Lunático, Buendolor, Usted está aquí, Ragú, Desde el abismo, El Dios Mofeta, Condorito Muerto, La cultura del duodeno o El visitante, que le han llevado a cosechar múltiples premios. También se pueden encontrar algunos de sus tebeos en las recopilaciones de Barsowia (Barsowia en llamas, Dolmen) o del Fanzine Enfermo (Enfermo, Astiberri).

Wáluk, de Emilio Ruiz y Ana Miralles Color. Cartoné. Formato apaisado 56 páginas. Tamaño 29 x 21 cm. 15 euros

Dos osos polares buscan su lugar en el mundo
Este cuento delicado y emocionante, con un mensaje que trasciende la fábula ecologista, se publicará también en Francia antes de fin de año
Un osezno polar es abandonado por su madre y se pega a un viejo oso gruñón que le va a enseñar a desenvolverse ante los avatares de la vida. Admiración y miedo. Belleza y agilidad, aspecto, a veces, humano. Los osos polares son unos animales irresistibles y ejercen un influjo irrefrenable, también en Ana Miralles y Emilio Ruiz, que crean con Wáluk un relato delicado y emocionante, del que ya se han vendido los derechos para su publicación en Francia por la editorial Delcourt antes del fin de 2011.
Ana Miralles, una dibujante con tres décadas de experiencia publicando cómics en el mercado internacional, y Emilio Ruiz, un contrastado guionista multidisciplinar, se sirven de la lucha por la supervivencia de dos osos polares capaces de hablar y de emocionarse como los humanos, para dar un repaso a sus problemas como especie, a la actualidad medioambiental y al impacto del hombre sobre el destino de estos animales.
Pero la pareja creadora va más allá. Wáluk habla de carencias, de la ausencia de una total autonomía del individuo a cualquier edad, de cómo en cada etapa de la vida se disfruta de un variable desequilibrio entre mermas y virtudes: “Nuestras capacidades físicas e intelectuales por sí solas no son suficientes para asegurarnos la felicidad o una positiva evolución personal. Mejoramos integralmente al convivir entre individuos de diferente edad y experiencia. La persona se enriquece”, reconoce Emilio Ruiz.
Para Ana Miralles ha sido un verdadero reto gráfico dotar a los osos de expresiones y rasgos humanos.
Las bromas sobre lo fácil que sería hacer una historia de osos polares en el Ártico se rompieron en pedazos al ver los colores que se iban desplegando en su paleta. El resultado es un sorprendente mundo multicolor que amplía la gama de ciertos lugares paradigmáticos como la siempre verde selva tropical.
Emilio Ruiz (Santander, 1960), licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, comienza su actividad profesional como fotógrafo en 1982. En principio, en el mundo de la publicidad, posteriormente en el entorno de la danza y del teatro. Más adelante se especializa en la realización de audiovisuales de diapositivas aplicados a fondos escenográficos para teatro, danza y exposiciones. También realiza diversos documentales y propuestas de videoarte, al tiempo que como diseñador y documentalista trabaja en la serie de televisión Cuéntame cómo pasó (2001-2003).
En el mundo del cómic ha hecho varios guiones junto a Ana Miralles: publica en 1990 El brillo de una mirada (Casset) y la trilogía En busca del unicornio (Glénat, 1996-1999), esta última, adaptación de la novela homónima de Juan Eslava Galán (premio Planeta 1987), que consigue el premio del Diario de Avisos 1998 al mejor guión.
Tras publicar en 2009 De mano en mano (De Ponent), Ana Miralles y Emilio Ruiz repiten colaboración con Wáluk. Actualmente realizan juntos la serie Muraqqa, una historia de una mujer artista en la corte mogola del rey Jahangir, a comienzos del siglo XVII, prevista inicialmente en cuatro entregas.
Ana Miralles (Madrid, 1959). Se dedica profesionalmente al cómic y a la ilustración desde el año 1982. Publica en revistas como Rambla, Madriz, Cairo, Marca Acme, Blue Press, Marie-Claire España, Vogue España y Je Bouquine, entre las más importantes. Autora inquieta y prolífica, su obra, en los primeros años de su carrera profesional, se puede seguir en libros infantiles y juveniles, de texto, carteles, portadas, secciones de revistas, álbumes colectivos, publicidad, folletos, serigrafías y en todo tipo de trabajos vinculados a la comunicación gráfica, sin olvidar el teatro y el cine, como diseñadora de vestuario, fondos escenográficos y realización de varios guiones gráficos.
Publica álbumes y series tanto para el mercado interno como el francés. Marruecos, mon amour y la trilogía Eva Medusa (Glénat) cuentan con guión de Antonio Segura, amén de las diversas colaboraciones con Emilio Ruiz. Con el nuevo milenio, crea, junto al guionista Jean Dufaux, la serie Djinn (Norma), de la cual ya se han publicado 10 entregas, de un total de 13 álbumes previstos. Ana Miralles recibe el Gran Premio del Salón de Barcelona 2009, en reconocimiento a su larga trayectoria en el mundo del cómic, con la consecución de una exposición antológica en la siguiente edición

Binky Brown encuentra a la Virgen María

Álvaro Pons — Fri, 13 May 2011 10:57:34 +0000

Escribí hace seis años….
“Justin Green cuenta a través de Binky Brown la influencia de la religión y la opresiva tradición puritana religiosa americana en su juventud, del trayecto desde su niñez hasta que consigue despegarse del trauma de culpa católico. Pero mientras que Blankets trata un tema similar desde la perspectiva del adolescente, Green estudia todo el proceso desde una perspectiva mucho más reflexiva y análitica, consciente de ser víctima de un desorden obsesivo compulsivo (él mismo lo reconoce) que se transforma en la historieta en una brutal mezcla de surrealismo y denuncia social. Con gran inteligencia, Green hace uso de los delirios compulsivos de Binky para mostrarnos una sociedad que basa su educación y su cultura en la represión excusada en la religiosidad, que hace uso de los símbolos como cadenas que atan la libertad del individuo, que es ferozmente atacado por sus propios sentimientos de culpa. Es sorprendente cómo Justin Green analiza las ataduras del sistema desde dentro del mismo. A diferencia de otros autores del momento como Robert Crumb o Gilbert Shelton, que usaron personajes como Los Freak Brothers o Mr. Natural que representaban precisamente el arquetipo de lo considerado “antisistema”, Binky Brown es un buen chico, políticamente correcto, pero que ve cómo la influencia de la sociedad destroza su vida. Casi 33 años después de su publicación, su lectura permite entender perfectamente el camino que siguió el cómic americano independiente en los 80 a través de autores como Chester Brown, Joe Matt, Gary Panter y muchos otros.”
Y hoy, al releer la magna obra de Justin Green que publicaba (¡por fin!) La Cúpula, creo que me quedé corto. Me quedé cortísimo en los valores propios de la obra, porque la reflexión que hace el autor sobre su trastorno obsesivo-compulsivo (T.O.C.) nace de la catarsis terapéutica, sí, pero consigue proyectarse como uno de los análisis más lúcidos –y radicales- que uno recuerde sobre las consecuencias de entender el hecho religioso no como una opción privada, sino como una norma pública y social tan estricta y severa en su puritanismo que puede llegar a condicionar la existencia. El joven Binky, un buen chico en los términos que la sociedad de la época consideraba, queda completamente destrozado ante una pubertad y una sexualidad naciente que interpreta como un insulto a los valores de ortodoxia católica en los que se había educado. Ese sentimiento de culpa que Nietzsche acusaba de estar propiciado por la religión judeocristiana se amplifica a través de la TOC hasta convertirse en un delirio completo que la pacata mentalidad del joven Binky es incapaz de procesar. La interpretación simbólica que lanza Brown de las visiones y alucinaciones provocadas por esta colisión de morales es un paso adelante que organiza y da sentido a las propuestas visuales que los entonces nacientes cómics undergrounds estaban lanzando, convirtiendo en recurso narrativo lo que hasta ese momento eran inspiraciones lisérgicas.
Y me quedé corto, también, en la influencia e importancia que esta obra ha tenido en el noveno arte: como dice Art Spiegelman en su prólogo, Binky Brown conoce a la Virgen María es el origen de todo un género dentro de la historieta, de una traslación de las experiencias autobiográficas de la generación beat a la narración gráfica que apuesta decididamente por la catarsis como terapia, diferenciándose de las experiencias previas del cómic underground, donde la autorrepresentación, habitual, es una forma de provocación y de denuncia. “Sin Binky Brown no existiría Maus” dice Spiegelman. Y, posiblemente, sin la obra de Justin Green no hubiese existido toda una forma de usar la historieta que se proyecta desde Crumb (inspirador y, a la par, inspirado) hasta David B., pasando por Chester Brown, Joe Matt, Linda Barry y tantos y tantos otros que han encontrado en la autobiografía su forma de expresión. Una influencia brutal a la que hay que añadir que cambia también la ambición de esa narrativa: Binky Brown es entendida por muchos como la primera “novela gráfica”, en tanto es la primera manifestación en los EEUU de cómic de autor dirigida a un público adulto que se aparta de la tradición de relato corto para articularse como una narración larga y autocontenida con formalismos propios.
Ya sea por sus valores intrínsecos, ya sea por la incuestionable influencia que ha proyectado, una obra maestra. Todo un acierto de La Cúpula, que firma además una excelente edición.
Enlaces:
- The ABC of autobiographical comix, por Patrick Rosenkranz
- Introducción de Art Spiegelman (en inglés)

Novela gráfica, segundo intento

Álvaro Pons — Wed, 22 Sep 2010 07:46:47 +0000

Federico Reggiani vuelve a reflexionar sobre el concepto de novela gráfica y mete el dedo en la llaga de los problemas asociados a su definición. Acierta, evidentemente, en negar el uso de “novela gráfica” como sinónimo de “historieta”, pese a que en el fondo de la cuestión, en el uso social del término, puede atisbarse que sí existe esa equiparación, aunque se aprovecha el término de forma eufemística: “no son tebeos“, pero porque son diferentes..¿o porque las novelas gráficas han saltado la valla de la segregación humillante de leer un tebeo? Es decir, como me sorprende que un adulto pueda leerlos sin avergonzarse, no pueden ser los mismos tebeos que leía de niño. Es la famosa frase que he oído hasta la saciedad: “yo no leo tebeos, yo leo novelas gráficas”, que en el fondo tan sólo está haciendo un uso diferenciador del término entre tebeo infantil y adulto. Como siempre, el tebeo sufre de un serio problema de esquizofrenia terminológica: historieta, tebeo, cómic, cómix, arte secuencial, novela gráfica, literatura dibujada…
Y acierta, también, en indicar los problemas que tiene cualquiera de sus aproximaciones: ya sea por la extensión (como bien indica, hay álbumes franceses de 64 páginas que “jibarizados” se han reconvertido en novelas gráficas) o por la unidad argumental (la novela por entregas ha existido desde siempre, no parece muy diferente recopilar una obra previamente serializada en comic-books, por ejemplo). Es posible que la novela gráfica no admita una definición unívoca por lo borroso de sus límites: los extremos son muy evidentes, todo el mundo tiene claro que, por ejemplo, Blankets es una novela gráfica y que un cómic-book de Batman de los años 50 no, pero… ¿es la reciente edición de ACME Novelty Libray una novela gráfica? Se afirma como tal, pero rompe todos los esquemas anteriores: no hay unidad argumental, la extensión no es excesiva, el formato no es el tradicional de libro… sin embargo para muchos lo es. Las posibilidades e interpretaciones de esa línea que une los extremos parecen, a día de hoy, infinitas.
Personalmente, lo tengo muy claro: en el fondo me da igual. La etiqueta, formato, corriente, género o movimiento de “novela gráfica” le ha hecho mucho bien al tebeo. Ha conseguido romper barreras que parecían insalvables y promete romper muchas más, aportando una nueva forma de acercarse a la historieta. Es verdad que, a mi entender -con todas las borrosidades que se le quieran añadir-, la novela gráfica no es más que un formato de tebeo, pero muy afortunado tanto en lo creativo como en lo comercial. En lo primero porque ha supuesto traer total libertad para el autor tanto en contenidos (que ya existía) como en continente (tradicionalmente ligados a una forma definida de comercialización), permitiendo que el concepto de “tebeo de autor” adquiera una extensión y literalidad casi real, muy superior a la que en su día tuvo la etiqueta nacida en el cine (aunque, también, ha abierto puertas de nuevas formas de imposición creativa a los autores, para qué negarlo). En lo segundo, porque es evidente que el formato ha roto toda la resistencia de las librerías generalistas, grandes superficies y medios, que lo han equiparado automáticamente al libro, aumentado su presencia, promoción y estima. Es decir, que se mire por dónde se mire, se defina cómo se defina, creo que los resultados no pueden ser más fructíferos.
Yo seguiré leyendo tebeos, que es lo que he leído siempre, lo que leo hoy y lo que leeré mañana. Pero si tengo que llamarlos novelas gráficas, libros dibujados o fabadas gráficas para que tengan este momento de ebullición creativa y comercial, sin problemas. :)

Un coleccionable a la italiana

Álvaro Pons — Sat, 04 Nov 2006 12:31:21 +0000

No, no voy a hablar del famoso coleccionable de Superman que edita Planeta directamente en Italia, sino de un coleccionable que se estrena hoy en Italia, aprovechando la celebración del Festival de Lucca (que, por cierto, por allí estaban los responsables de Planeta promocionando su desembarco italiano), uno de los más veteranos del continente. El diario L’Espresso, junto con Coconino Press, han puesto en marcha un coleccionable de auténtico lujo: todas las semanas, junto con el diario, se podrá comprar una novela gráfica editada a todo lujo, en edición especial para la ocasión y con extras al precio de 9.90EUROS. La selección de títulos es, simplemente, espectaular: Maus (art Spiegelman), Blankets (Craig Thompson), Ciudad de cristal (Auster, Mazzucchelli y Karasik), 5 el número perfecto (Igort), Palestina (Sacco), Baci dalla provincia (Gipi), Fuegos (Mattotti), La autopista del sol (Baru), Una trilogía inglesa (Floc’h y Riviere) y David Boring (Dan Clowes).

Casi, casi, lo mismo que se hace aqui. Aunque, todo sea dicho, hace un par de años se movió entre varias editoriales españolas la posibilidad de hacer un coleccionable para diarios de obras españolas. Quizás no era el momento, pero con la actual situación, cada vez más interesante, quién sabe, a lo mejor sólo es cuestión de tiempo.

Por cierto que, según me informa el corresponsal especial de La Cárcel en Lucca :) , impresionante el aspecto del certamen, que ha pasado a celebrarse en la parte vieja de la ciudad con un espectacular despliegue que honra la imagen creada por Gipi para el festival, basada en las aventuras de piratas. El cartel, desde luego, es precioso…

Adaptando al cine

Álvaro Pons — Sat, 18 Mar 2006 16:47:44 +0000

Como todos los años, se celebra el Forum internacional de cine y literatura de Mónaco, en el que se estudian las relaciones entre ambas disciplinas, con multitud de invitados internacionales. Este Forum entrega una serie de premios, entre los que se encuentra el de “mejor BD adaptable al cine” y que , en años anteriores, ganaron Blankets o Barrio Lejano.
Este año, los nominados son:
- Abdallahi de Dabitch & Pendanx (Futuropolis)
- Aya de Yopougon de Abouet & Oubrerie (Gallimard)
- Cuervos de Durand & Marazano (Glénat)
- Le Combat ordinaire de Manu Larcenet (Dargaud)
- Lucille de Debeurme (Futuropolis)
No creo que se sigan las recomendaciones de estos expertos, pero mucho ojito a la reestrenada Futurópolis, que ya está comenzando a coleccionar nominaciones varias. Un éxito para Soleil y un dolor de cabeza para J.C.Menu…

Ah!…l’amour

Álvaro Pons — Mon, 13 Feb 2006 22:08:29 +0000

14 de Febrero: día consensuado por los grandes almacenes de todo el mundo para aprovechar la débil voluntad de los enamorados para sumergirlos en vorágines consumistas.
Reconozcámoslo, es cierto… ¡el amor nos derrite las meninges! ¡Qué se le va hacer! Los duros más duros del universo hincan rodilla en tierra y de los labios de sus caritas de cordero degollado sale una lánguida retahíla de diminutivos cursis y horteras para definir a aquella que estimula sus receptores feromónicos con potencia inusitada. Churrimirri, cari, alelí, corazoncito… y si no existen, nos los inventamos, convirtiendo un código churrigueresco en el ejemplo máximo de complicidad eterna entre dos amantes.
Así que si unos grandes almacenes nos retan a demostrar que queremos a nuestro amado/amada, toda una serie de mecanismos genéticos y etológicos se disparan, el animal que se esconde en nuestro cerebro de reptil lanza todas las alarmas y nos dirigimos raudos, entre gritos y atronadores golpes de pecho, a comprar el regalo más grande que encontremos, por aquello de caballo grande, ande o no ande o por vaya usted a saber qué extraña identificación entre las proporciones de lo gastado y el tamaño gonádico.
En resumen: que no se sientan ustedes/as acomplejados por sucumbir a la llamada de la selva, que esto del amor es cosa importante para la estabilidad de la psique y el gustirrinín del cuerpo y lo del emparejamiento provoca un estado bastante próximo a la felicidad.
Pero claro, en los frikiobsesos/as de los tebeos confluyen en franca contradicción dos amores: el obvio de los tebeos (¡ay, que no nos los toquen!) y el de la amada/o en cuestión (¡ay, que nosotros lo/la toquemos!), lo que lleva a momentos de extraña lucidez: “¿Que no podré mezclar ambas cosas?” Pensamiento falaz, pero útil, ya que si la cosa tiene éxito, habremos arrastrado al lado oscuro a nuestra pareja, lo que evitará discusiones futuras sobre la fluctuante masa tebeil invadiendo todos los aposentos del hogar conyugal. Y si no lo tiene…¡qué narices!, un tebeo más nunca viene mal y siempre estamos a tiempo del perfume/corbata de marras.
Y entre medio de esos menesteres propios de los enamorados, me meten a mí, enviándome mails para preguntarme sobre esto de los regalos comiqueros.
Oigan, que es cosa compleja, a fe mía. Pero aunque ya tengo yo mis propios problemas valentineros como para meterme en los de los demás, la vena docente vocacional sale con fuerza y consigue que me meta en camisas de once varas.
Por cuestiones de tradición personal, me centraré en el caso de chico regalando a chica (me perdonarán las lectoras de La Cárcel, pero nunca me he visto en el trance de regalarle un tebeo a un amado, aunque conociendo lo viciosillos que son los que rondan por aquí, con que tenga dibujos y letras, ya vale). Difícil problema, repito, porque en esto de los gustos es casi imposible acertar a menos que se tenga un conocimiento profundo de la que va a recibir el óbolo amoroso. Lo fácil es caer en el reduccionismo de pensar que a las chicas les gustan los tebeos de chicas, es decir, aquellos que los hombres pensamos que son para chicas. El prejuicio fácil.
Sí, es cierto que tebeos que tratan el amor como Blankets (Craig Thompson, Astiberri), Un poco de humo azul (Lapiere/Pellejero, Glenat) o Píldoras Azules (Frederick Peeters, Astiberri) gustan a las mujeres, pero no menos cierto es que mi experiencia me dice la cosa es bastante más amplia. Porque igual que disfrutan de éstos, muchas son las que han complacido de lecturas más reflexivas como El Gato del Rabino (Sfar, Norma) o Pollo con Ciruelas (Marjane Satrapi, Norma), o que se han visto reflejadas en la progresión de vida que marca el inefable Señor Jean de Dupuy y Berberian (Norma, Bang!). Y de la misma forma que la pasión y el arrebato las subyuga en El Viaje de Baudoin (Astiberri) o El Circo del desaliento de David Rubín (Astiberri), el sentimiento contenido de Taniguchi en El olmo del Caúcaso (Ponent Mon) o de Boilet en La espinaca de Yukiko (Ponent Mon) y Mariko Parade (Ponent Mon) les llega al corazón. Y ojito, que a muchas también les gusta que la historia destile erotismo con gusto y sentido, como el de los Amores Locos de Laura y Altarriba (Ponent) o que sencillamente lo busque en la lejanía, como La Torre Blanca de Auladell (Ponent) o incluso en la acera que no transitan, divirtiéndose con la acidez de K�nig (La Cúpula).
Claro que también están aquellas que se dejan sorprender ante personajes femeninos con fuerza y personalidad, desde las mujeres de Beto Hernández en Palomar o Río Veneno (La Cúpula) a la dulce Peculia (Recerca) pasando por la fuerza vital de los personajes de Julie Doucet (inrevés), sin olvidar a aquellas que optan por contar su vida con sinceridad, como Phoebe Gloeckne en Vida de una niña (La Cúpula) o Debbie Dreschler en La niña de papá (La Cúpula).
Pero si nuestra amada es comprometida, quizás se decante por la odisea de El Fotógrafo (Guibert, Glenat), la actualidad teñida de nostalgia de Persépolis (Satrapi, Norma) o los reportajes periodísticos de Joe Sacco. O ya puestos, que no falte la mala leche con el vitriólico El Amor es el infierno de Groening (Astiberri). Aunque si lo suyo no es la actualidad, sino perderse en los sueños, siempre podemos intentarlo con el señor Gaiman y su Sandman (Norma), que siempre funciona en estos casos y nos deja apañados unos cuantos regalos.
Y esto es sólo un pequeño abanico de posibilidades, porque la realidad es que desde un shojo manga a un tebeo de Mortadelo, todo vale, según quién sea el regalante y la regalada.
Vamos, que ustedes mismos, pero que conste que yo no tengo la culpa.

Más listas: Premios de la crítica ACBD

Álvaro Pons — Mon, 28 Nov 2005 08:57:07 +0000

Que lo del otro lado de los Pirineos es un mundo distinto y distante en esto de los tebeos ya lo sabe cualquiera que lea este blog y mis lamentaciones continuas. Incluso para la crítica, ya que allí xiste una Asociación de Críticos de la BD, que se reúnen, discuten e incluso hacen cosas. De hecho, desde 1984 otorgan el premio al mejor álbum aparecido en Francia, que el año pasado correspondió a Blankets, de Carig Thompson. Su selección suele ser de lo más interesante, así que os la paso completita comenzando por los cinco finalistas, que han sido:

- Bonne santé, de Masson (Casterman)
- Les mauvaises gens, de Davodeau (Delcourt)
- Période glaciaire, de De Crécy (Futuropolis / Le Louvre)
- La bicyclette rouge, de Kim Dong Hwa (Paquet)
- Malet, de Juncker (Treize Etrange)

Una lista a seguir, aunque no hay que desdeñar los otros 10 preseleccionados:

- La Bulle de Bertold, de Ippoliti et Agrimbau (Albin Michel)
- Le Blog de Frantico, Frantico (Albin Michel)
- Dans la secte, de Alloing et Henri (La Bo�te à bulles)
- Le roi cassé, de Dumontheuil (Casterman)
- Blacksad : T3, �me rouge, de Guarnido et Canales (Dargaud)
- Yossel : 19 avril 1943, de Kubert (Delcourt)
- L�aigle sans orteils, de Lax (Dupuis)
- Le complot, de Eisner (Grasset)
- Le petit bleu de la c�te Ouest, de Tardi (Humano�des associés)
- Monster T.18, de Urasawa (Kana)

Hala, a pedir a BDNET…. :(